BLUE ÖYSTER CULT - Cult Classic

137.
1994
Estados Unidos
Hard Rock, Heavy Metal
***
Esta es una banda de rock clásico de los setenta que se formó en 1967 en Long Island, Nueva York. No conozco su discografía, y sólo tengo esta pequeña muestra de canciones clásicas de la banda, donde destacan los hits Don´t Fear the Reaper y Burning For You, ambas canciones que siempre fueron de mi grado, y la razón principal de por qué tengo este álbum.
La primera vez que escuché la placa no le encontré ninguna gracia, excepto la de tener las dos canciones que me gustaban. Pero de a poco fui descubriendo algunos temas más, como Godzilla, Astronomy (Metallica hizo un cover de esta canción) y Buck´s Boogie, que ahora me agradan bastante, especialmente éste último, que es un instrumental alucinante lleno de rock and roll.
En cuanto a la música en sí, la banda toca un hard rock mezclado con algo de heavy metal, pero con un tono más suave que en otras bandas de rock clásico.
El álbum trae catorce temas. Don´t Fear... y Godzilla vienen en dos versiones, en formato original y sin voces principales. Según el librillo del disco compacto, son para que uno mismo le ponga la voz. Sin lugar a dudas la excusa perfecta para hacer que los fans compren el álbum. Yo lo compré por otro motivo, así que en realidad esas versiones ni me van ni me vienen, además de que no me creo buen cantante y lo del karaoke nunca ha sido lo mío. En fin.

BLOODBATH - Breeding Death

136.

2000
Suecia
Death Metal
****

BLESSED DEATH - Destined For Extinction

135.
1987
Estados Unidos
Thrash Metal, Speed Metal
****
Blessed Death fue una agrupación que nunca logró ningún reconocimiento, perdiéndose en los anales del tiempo, pero para quienes los conocen y disfrutan de su música, es uno de los secretos mejor guardados del underground. Combinando la ferocidad de Slayer, Exodus y Dark Angel, Blessed Death no reinventa el thrash, pero lo hace tan bien que uno no entiende por qué no llegaron más lejos. Quizá la clave se encuentre en el nombre del disco, profético y visionario. “Destinado a extinguirse”, más que un simple nombre de disco, es el epitafio adelantado de la banda. Como dato curioso, les comento que discos como Nothing to Gain (Nada que ganar) de Vio-lence y Destined to Fail (destinado a fracasar, de una banda que no recuerdo en este momento) también han pasado al olvido sin pena ni gloria. Moraleja: No hay que subestimar el poder de un nombre. ¿Ustedes creen que Metallica hubiese llegado tan lejos si en vez de nombrar su primer disco como Kill ´Em All (Mátenlos a Todos), le hubieran puesto Surrender to All (Rendirse ante todos)? Yo creo que no. Volviendo al disco que nos compete ahora, Destined... logra su propósito de desencadenar un violento asalto musical, siguiendo la pauta de las bandas que mencioné al principio, pero sin destacarse por tener un sonido propio. La voz recuerda a Paul Baloff de Exodus, las guitarras suenan a Slayer, y en general, todo suena a otras bandas, pero aún así el disco resulta, al menos, entretenido.

BLESSED DEATH - Kill or be Killed

134.
1985
Estados Unidos
Thrash Metal, Speed Metal
***
Este es le primer disco de Blessed Death, una banda originaria e Nueva Jersey, Estados Unidos, y que alcanzó a grabar tres álbumes, aunque sólo editó dos. La tercera placa, Born to Die se grabó, pero nunca se lanzó. Tal como señala su título, ¡nació para morir!
Para ser primer disco esto está bastante bien, y al igual que el segundo disco, Destined for Extinction, mereció haber llegado más lejos. Quizás no muy lejos, pero al menos más lejos del lugar hasta donde llegó. Musicalmente, a pesar de no tratarse de ninguna maravilla, hay detrás de este álbum suficiente talento técnico como para ser tomado en serio. Ciertamente recuerdan mucho al antiguo Slayer, quizás no todo el tiempo, pero con suficiente frecuencia como para considerar la semejanza como el punto negativo del disco. Definitivamente no tiene sonido propio y la producción no es de lo mejor.
Donde sí destaca Blessed Death es en cuanto a complejidad musical. También destaca en las voces, a cargo de Larry Portelli, quien tiene un interesante registro y sabe gritar tanto como cantar.
Acompañan a Portelli, Jeff Anderson y Nick Fiorentino en guitarras, Kevin Powelson en bajo, y Chris Powelson en batería. Estos dos últimos, hermanos gemelos idénticos.

BLASPHEMY - Fallen Angel of Doom

133.
1990
Estados Unidos
Death Metal, Grindcore
**
Blasphemy es una banda de death metal primitivo con asomos de grindcore. Su nivel técnico es bastante bajo, y en general no tiene mucho que decir, aparte de meter una endiablada bulla apta sólo para oídos entrenados en las artes de la brutalidad sónica. Hay muchas bandas que superan a ésta en la siempre poco popular propuesta death metal. Además, la producción de la placa no los acompaña.

BLACKSTAR - Barbed Wired Soul

132.

1997
Inglaterra
Heavy Metal
****
Blackstar nace luego de la disolución de Carcass, siendo formada por los dos ex miembros de aquella banda, el vocalista Jeff Walker y el baterista Ken Owen.
Este es un disco muy interesante, muy fresco, original, lleno de ideas nuevas y muy, pero muy rockanrolero. La guitarra distorsionada nos recuerda que esto todavía es pesado, pero en ningún caso brutal. No se parece a Carcass ni en la voz, ni en la música. Para los fans de aquella banda podría ser una decepción, pero a la vez este trabajo es mucho más digerible para la masa que cualquier cosa hecha por Carcass, con excepción quizás de Swansong, último disco de Carcass.
Sea como sea recomiendo escuchar Barbed Wired Soul cuando se quiera subir el ánimo, por que el álbum tiene mucha onda y camina por el lado más alegre del metal, eso sí, sin ser jamás Happy Metal. (Léase Rhapsody, Sonata Arctica, Edguy, etc.)

BLACKMORE´S NIGHT - Shadow of the Moon

131.

1997
Inglaterra
New Age
****
Ritchie Blackmore es más conocido por haber sido el brillante guitarrista de Deep Purple y por haber fundado Rainbow que por sus experimentaciones con música con inclinación New Age. Para sorpresa de muchos, existe este gran álbum que no se parece a nada de lo que Ritchie nos tenía acostumbrado. De partida ni siquiera hay guitarras distorsionadas en esta placa, ni complejos solos de guitarra, ni nada que se acerque a lo que hacía en las bandas ya mencionadas. Blackmore´s Night es algo totalmente distinto para este viejo rockero, quién junto a su hermosa y joven esposa ha creado elegantes piezas de música muy influenciada por elementos medievales, paganos y celtas. Los temas son enriquecidos con la suave y melodiosa voz de su mujer, quién acerca la música hacia las fronteras del New Age, aunque si somos estrictos, jamás catalogaríamos esta música como New Age. Pero por lo menos sirve como aproximación, y así la he definido para ahorrarnos complicaciones.
La música es indudablemente excepcional, y no se podría esperar menos de uno de los más brillantes guitarristas de rock de todos los tiempos. Cada canción es una pieza de frágil delicadeza, de gran brillantez, deslumbrante y ensoñadora, melodiosa y fácil de asimilar. En cuanto a la voz, a ratos recuerda a Loreena Mckennitt, pero el parecido es solamente superficial.
En general, la música es casi toda en guitarra, adornada con instrumentos de viento y una ligera percusión. En el tema Writing on the Wall se aprecia una batería programada y sería el único punto en contra de este interesante álbum. En todo caso ese tema no es malo, y curioso, comienza con la misma introducción de un tema muy conocido de Marillion.

BLACK SABBATH - Reunion

130.
1998
Inglaterra
Heavy Metal
****
Grabado en vivo en el pueblo natal de la banda, Birmingham, Reunion, tal como señala su nombre, es un disco que trae de vuelta a la formación original de Black Sabbath; Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward. Es un disco mayoritariamente en vivo, con 16 canciones en ese formato, más dos temas nuevos de estudio, Psycho Man y Selling My Soul. Las canciones en vivo nos dan un repaso de lo más clásico de esta inmortal banda, incluyendo los atemporales cortes War Pigs, N.I.B., Sweet Leaf, Snowblind, Sabbath Bloody Sabbath, Iron Man y Paranoid, entre otros.
También hay un par de sorpresas, dos temas que salen del repertorio conocido de la banda, como Behind the Walls of Sleep y Dirty Women.
Y aunque gran parte de lo que este disco ofrece puede ser escuchado en el disco en vivo de Ozzy Osbourne, Speak of the Devil, el hecho de que aquí toquen los miembros originales le da a este disco una importancia mayúscula, aunque algunos piensen que no es más que un intento marketero para seguir lucrando con el nombre de la banda. En parte eso es cierto y explica el porqué de la inclusión de los dos temas nuevos de estudio. Pero también es cierto que este disco es el verdadero disco en vivo de Black Sabbath con sus miembros originales. Live Evil, de 1982, incluía a Ronnie James Dio en las voces, y Live at Last, de 1980, fue lanzado sin la aprobación de la banda. Así, Reunion, cumple con dos objetivos a veces difíciles de hacer congruentes, que son vender y a la vez entregar material de verdadera importancia, y no un reciclaje barato de glorias pasadas. Por otro lado, la banda suena excelentemente bien, estando a años luz del mediocre sonido de Live Evil.
En cierta manera, Reunion es algo así como una dulce venganza, y viene a coronar los casi treinta años de carrera de la banda al momento de su edición diciéndole al mundo: “Somos viejos dinosaurios del rock, pero aún sabemos dar un espectáculo de gran calidad”.

BLACK SABBATH - Dehumanizer

129.

1992
Inglaterra
Heavy Metal
***
Este es el disco de Sabbath que trae de vuelta Ronnie James Dio como cantante, y será por esta única vez. Al final tenemos tres discos de estudio de Sabbath donde participa “el enano maldito”: Heaven and Hell, Mob Rules y Dehumanizer. No me queda claro cual fue la idea de traer de vuelta a Dio, y porqué este no siguió en la banda después de terminar Dehumanizer.
Hay dos temas conocidos, T.V. Crimes, del cuál incluso había un video, y Time Machine, que es parte de la banda sonora de la película Wayne´s World. Buenos temas para un disco de buenas canciones pero que no convence del todo. Definitivamente la década de los noventa no fue la mejor para Sabbath en términos de creación artística. La de los ochenta fue interesante, aunque nadie puede negar que la gloria de estos veteranos estuvo en los setenta.
No es un mal disco en ningún caso, pero tiene escaso aporte. Un disco totalmente prescindible de rock duro sin mucha magia y que además tuvo escaso impacto comercial.

BLACK SABBATH - Headless Cross

128.
1989
Inglaterra
Heavy Metal
***1/2

En este disco solo hay un integrante original de Sabbath, el guitarrista Tony Iommi. En voces, el cuarto vocalista de la banda, Tony Martin, que recuerda un poco a Dio. A primera instancia uno podría esperar poco de Sabbath tomando en cuenta que la época de gloria del grupo había pasado hace rato. Pero creo que es necesario escuchar el disco antes de emitir un juicio justo. Se trata de un disco interesante, con un sonido muy moderno. No se parece al Black Sabbath antiguo, pero el disco logra defenderse dignamente.

Este es el segundo álbum donde canta Martin. Su anterior participación fue en el disco The Eternal Idol.

BLACK SABBATH - Born Again

127.
1983
Inglaterra
Heavy Metal
***
Luego de la primera partida de Ronnie James Dio (la segunda fue después del disco Dehumanizaer), Ian Gillan, el carismático vocalista de algunos álbumes importantes de la legendaria banda Deep Purple, sería el encargado de asumir el papel de cantante.
Gillan grabó con Sabbath solamente esta placa, considerada por muchos como uno de los peores discos de la banda, dando como razones la falta de dirección y poco convencimiento que lograron transmitir los músicos. Yo no lo considero un álbum tan malo, pero es cierto que Born Again jamás podría considerarse mejor que alguno de los álbumes anteriores a él. Hay unos cuantos temas buenos, como Trashed*, Digital Bitch, Disturbing the Priest y Zero, The Hero, que logran despertar el interés. El resto del disco tampoco resulta malo, pero quizás el problema es que no suena a Black Sabbath. Probablemente Gillan (gran cantante por lo demás), no era el más indicado para acoplarse a la música de Sabbath, que esta vez suena muy fuerte, chillona y distorsionada como en ningún otro disco de los ingleses. Caso aparte es la portada del disco, que muestra a un pequeño bebe demonio de color rojo con cachitos y garras. Creativo.

* Trashed significa estar sumamente ebrio, no confundir con el estilo de metal Thrash, que significa algo así como golpiza o azote.

BLACK SABBATH - Live Evil

126.
1982
Inglaterra
Heavy Metal
***
Disco en vivo de la época cuando cantaba Ronnie James Dio en la banda, quién reemplazó a Ozzy Osbourne después que este fuese despedido de Sabbath. Aparecen temas originales de Dio y clásicos de la época de Ozzy. Es un buen disco en vivo, aunque el sonido no es de lo mejor, pero al menos deja entrever que la verdadera fuerza de Black Sabbath proviene de la música en sí, y no tanto del vocalista de turno. De todas maneras, Dio es reconocido como un excelente vocalista, y su voz posee una fuerza interpretativa sorprendente que sale a relucir en todo el disco. Y puede que aquello no sea simplemente casualidad. Dice la leyenda que Dio manipuló las grabaciones en vivo de este álbum antes de ser lanzado, resaltando su voz por encima de la música, esto sin un acuerdo previo de la banda, motivo suficiente para ser despedido por el resto del grupo. Por suerte Dio dejó, eso sí, dos discos en estudio que son verdaderas joyas del Heavy Metal, me refiero a Heaven and Hell y Mob Rules.
Nota aparte. Dio volvería a grabar con Sabbath mucho tiempo después, sacando al mercado Dehumanizer, trabajo que ya tendremos el tiempo de analizar.

BLACK SABBATH - Mob Rules

125.

1981
Inglaterra
Heavy Metal
****1/2
Segundo disco de estudio con Ronnie James Dio como cantante. Recordemos que él reemplazó a Ozzy Osbourne, quién por su parte siguió una exitosa carrera solista.
Con su poderosa voz, Dio impregna en cada tema de Sabbath una fuerza y poder para nada despreciables, demostrando que su inclusión en Black Sabbath no sólo probó ser acertada, sino que casi opacó a Ozzy en su momento.
El disco empieza con el excelente corte Turn Up The Night, una canción rápida y directo al grano. Voodoo prosigue, pero con un toque más lento, y luego viene The Sign of The Southern Cross, excelente tema cuya guitarra acústica en el comienzo no hace otra cosa que embellecer un tema que es de verdad, muy pesado, y es la perfecta antesala para E5-150, un apocalíptico tema que pareciera recrear las miserias del infierno. Tremendo. Luego viene el tema que da nombre al disco y un poco más adelante, mi canción favorita: Falling of The Edge of The World. Finaliza con la melancólica y triste Over and Over.
Este es un maravilloso álbum de Black Sabbath, y no se parece para nada a los discos con Ozzy. Lo único que nos recuerda a Sabbath, es la siempre preponderante guitarra de Tony Iommi. Por otro lado, la voz de Dio difiere mucho de la de Ozzy. No es que una sea mejor que la otra, simplemente son distintas, y es un logro que la banda haya podido mantener la credibilidad a pesar de tan gran cambio.
Aunque todos los discos de Sabbath con Ozzy son grandes y obligados clásicos, Heaven And Hell, y Mob Rules, no se quedan atrás. Estos son también clásicos y fundamentales dentro de la discografía de Sabbath, que es bastante extensa, por lo demás.

BLACK SABBATH - Heaven and Hell

124.
1980
Inglaterra
Heavy Metal
*****
Este no es solo uno de los mejores discos de la importante e influyente banda de Birmingham, sino que es a la vez uno de los mejores discos de heavy metal que alguna vez haya sido grabado. Y es muy interesante notar que incluso se perfila muy por encima de algunos de los discos que Sabbath grabó con el afamado Ozzy Osbourne. Y lo más notable es como el debut de Ronnie James Dio en las voces calza perfecto con la música de la banda. Dio no canta como Ozzy, ni pretende emularlo, simplemente hace lo suyo, con su estilo, con su clase y con su innegable talento, entregando, a mi parecer, uno de sus mejores esfuerzos dentro de su extensa carrera musical.
Heaven and Hell, todo un clásico dentro del rock, es un disco perfecto de principio a fin, que balancea magistralmente todos sus elementos y los presenta de tal forma que nada parece estar fuera de lugar (y no es que antes lo hubiesen estado, pero resulta que este disco es simplemente perfecto). Destacan cada una de las canciones, comenzando el disco acertadamente con el vibrante corte Neon Knights, seguido de la excepcional Children of the Sea. De ahí viene Lady Evil, un tema de menos peso, pero que nos relaja en espera de lo que viene a continuación, el increíble tema homónimo del disco, que destaca tanto por el riff de Tony Iommi, como por su impresionante quiebre y cambio de velocidad al final, y que le da a la canción un feeling simplemente alucinante. Luego pasamos por Wishing Well; un relativo descanso, para esperar otro tema de gran clase, el veloz Dying Young. Finaliza el disco con Walk Away, muy en la onda de Lady Evil, y Lonely is the Word, el tema más lento y oscuro del álbum.
En resumen, un álbum absolutamente imprescindible dentro de cualquier colección seria de Heavy Metal. Imperdible. Considerado por muchos como el mejor álbum de heavy metal en toda su historia.

BLACK SABBATH - Technical Ecstasy

123.
1976
Inglaterra
Heavy Metal
****1/2
De todos los discos de Black Sabbath este debe ser lejos el más experimental y osado de todos. Musicalmente se aleja bastante de lo que nos tenía acostumbrado la banda desde el debut homónimo. En este álbum se dejan de lado las sonoridades oscuras y los típicos riffs de Tony Iommi, aunque los solos de guitarra aún recuerdan su estilo. Diría que es un álbum más luminoso y bastante más alegre que trabajos previos. Si no fuera por Ozzy, quizás más de alguien podría no adivinar que se trata de Sabbath. Por ejemplo, la canción It´s Alright, que no es cantada por Ozzy, sino por el baterista Bill Ward, cuesta creer que se trate de una canción de Sabbath. Más encima ese corte ni siquiera es heavy metal, sino que una hermosa balada pop, con piano y todo. Revela a la vez que Bill Ward sabía cantar, aunque su voz era mucho menos característica que la de Ozzy.
Hay otros temas que escapan también a lo que la gente asocia con Black Sabbath, por ejemplo, el tema Rock ´N´ Roll Doctor, un chispeante y rockanrollero corte. El único tema realmente depresivo y triste (pero no oscuro), es la simple pero excepcional canción She´s Gone, tema lento que incluye guitarra limpia y orquestaciones con violín. Me pregunto quién grabó esos pasajes orquestales. Ahora bien, puede que se trate de teclados emulando violines. Habría que averiguar. Sea como sea, la canción es muy buena.
Este álbum de Sabbath recién lo vine a escuchar completamente en el 2001, sabía que existía, pero no tenía idea de absolutamente ningún tema, ya que no hay ningúno en este disco que sea clásico.
Antes de escribir este comentario había escuchado el álbum anteriormente solo dos veces, ésta es mi tercera pasada, y en definitiva he logrado conectar con esta gran obra de una de las bandas que no deja de sorprenderme con su desbordante creatividad artística, su gran talento y comprobada calidad.

BLACK SABBATH - Sabotage

122.
1975
Inglaterra
Heavy Metal
****1/2
De los ocho discos de estudio que grabó Ozzy con Black Sabbath, Sabotage fue el que más demoró en salir al mercado. Rompiendo con la costumbre de grabar un disco por año, y a veces hasta dos discos, Sabotage se distancia dos años desde el último trabajo de estudio. El training agotador de muchas presentaciones en vivo y el estar constantemente grabando empezaban ya a hacer mella en la banda. Pero luego de dos años sin grabar, los músicos de Sabbath vuelven como nuevos y lanzan una placa convincente que demuestra que la chispa creativa estaba aún muy lejos de extinguirse en ellos.
Destacando Hole in the Sky, y en especial Sympton of the Universe, Sabotage cumple absolutamente con las expectativas de cualquier fanático. No se trata de un disco más de Sabbath, sino más bien que de otra obra tan importante como los discos que le preceden.

BLACK SABBATH - Sabbath Bloody Sabbath

121.
1973
Inglaterra
Heavy Metal
*****
Curiosamente, Black Sabbath fue una de esas bandas importantes dentro del mundo del rock que nunca me marcaron. Pero eso ocurrió debido a un asunto generacional. En 1984 yo tenía como trece años, y fue recién en ese entonces cuando empecé a interesarme por el rock, específicamente Heavy Metal. Los tres primeros grupos que conocí fueron Iron Maiden, Judas Priest y Ozzy Osbourne, aunque en estricto rigor debiera decir que Ozzy fue el primer solista que conocí. En fin, dejando de lado pequeñas sutilezas, lo importante es que fueron esas agrupaciones mis primeras incursiones en el mundo del rock, y las que sin duda más marcaron los años de mi juventud. A Black Sabbath lo conocí después, al enterarme que Ozzy había sido su vocalista en los años setenta, y solamente con el pasar de los años me fui inmiscuyendo dentro de la amplia discografía de la banda. Hoy conozco casi todos los discos de la banda y me queda claro que si yo hubiese nacido diez años antes hubiese sido un fan de la banda y su música definitivamente me hubiera marcado. Así que todo el respeto del mundo para Black Sabbath, que aunque no me marcó, he sabido apreciar y a valorar con el tiempo.

Bueno, en este disco particular destacan sin duda cada uno de los temas, especialmente Fluff, un hermoso tema acústico lleno de magia y suavidad. Interesante también el tema Who Are You? Ese tema tiene mucho teclado y algo de piano, instrumentos que tocó en todo el disco y no sólo en este tema, el tecladista Rick Wakeman, de Yes.
Sabbath Bloody Sabbath, Killing Yourself to Live y Looking for Today tienen un sonido típicamente Black Sabbath, siendo el tema homónino el que sin duda concentra la mayor fuerza. Anthrax haría un cover de esa canción muchos años después. Finaliza el disco con Spiral Architect, que comienza con una hermosa guitarra con sonido acústico, luego se transforma en la típica canción de Sabbath, pero esta vez con unas orquestaciones en violín. No sé porque ese tema me trae a la memoria a la banda Ufo y su clásico disco Lights Out, de 1977. Debe ser porque se parece a algún tema de aquel disco de Ufo. Puede ser, pero mejor que cada uno juzgue por su cuenta.

BLACK SABBATH - Vol IV

120.

1972
Inglaterra
Heavy Metal
****1/2
Este trabajo de la primera época de la banda sigue básicamente la misma línea que los trabajos anteriores, desarrollando su propuesta a través de ocho excelentes temas de los cuales destacan: Tomorrow´s Dream, Supernaut, Snowblind y Changes. Changes es una canción que demuestra que esta banda es mucho más que la inventora de un estilo de música rock que ya tiene más de 30 años, demuestra también que la banda es capaz de elaborar temas con una textura muy distinta a su base usual de distorsión y fuerza. Y es esa distorsión y fuerza algo que en tres decadas de Heavy Metal no ha cambiado mucho. Se ha mejorado el sonido, se han explorado nuevas fusiones, se ha ido hacia lo más extremo, se ha ido hacia lo más suave, se ha vuelto a imitar el sonido de los Sabbath incluso en los años noventa a través de dos movimientos paralelos; el Stoner Rock y el Rock Sabático, pero la base que inventaron Ozzy y compañía se ha mantenido casi intacta, siendo los riffs de Tony Iommi la base absoluta de cualquiera que alguna vez decida tomar una guitarra y quiera empezar a hacer Heavy Metal.
Con respecto a lo último expuesto, lanzo unas preguntas: ¿Y que pasa con Led Zepellin y Deep Purple? ¿Acaso ellos no tienen influencia alguna en el desarrollo de la música heavy? Sí, claro que la tienen, pero en menor forma. Led Zepellin está mucho más cercano al fenómeno hippie y su música es básicamente puro rock, a veces rápido, a veces fuerte, pero nunca heavy. Heavy es más que simplemente distorsionar una guitarra, es una onda, es una vibra densa y oscura, y Zepellin, provoca otro tipo de sentimientos. Y Deep Purple tiene un espectro musical mucho más amplio que Sabbath, por tanto, su música es influyente en el mundo del rock en general, pero no en el heavy en forma indiscutible. Así que no hay más que discutir, Sabbath es la banda que inventó el Heavy Metal.*

* Por supuesto que esto es discutible.

BLACK SABBATH - Master of Reality

119.
1971
Inglaterra
Heavy Metal
*****
Otro gran e imperdible álbum de la mítica y legendaria banda de Birmingham, Inglaterra, que en sus comienzos se llamaba Earth. Cambiaron el nombre a Black Sabbath en 1969, inspirados en la película de ese mismo nombre. ¿Hay una película que se llame así? Sí, se trata de una película de horror. Nunca la he visto. Hay gente que piensa que la banda sacó el nombre del libro del mismo nombre del escritor ocultista Dennis Wheatley, pero aquello no es cierto. Pero vamos al disco.
Master of Reality es el tercer álbum de estudio de Black Sabbath. Comienza con la potente y fuertemente riffeada Sweet Leaf. Es un tema clásico de la banda y hace alusión a la marihuana. Sigue con After Forever, luego con Embryo; éste último, un muy corto instrumental que da paso a la magnífica Children of the Grave. Orchid prosigue; un hermoso y rápido instrumental. Solitude es el corte que sale de los esquemas típicos de Sabbath, aunque la banda durante la época de Ozzy sorprendió varias veces con canciones que abarcaban un espectro musical que sin duda sobrepasaban los límites del Heavy Metal. Into the Void vuelve a sonar como el Sabbath de siempre y es así como termina esta obra clásica de rock de todos los tiempos.

BLACK SABBATH - Paranoid

118.
1971
Inglaterra
Heavy Metal
*****
Aunque nadie discute que el primer disco de Black Sabbath es muy bueno e importante, si hilamos fino y somos absolutamente objetivos, debiéramos llegar a la conclusión que Paranoid es incluso mejor. Este segundo disco no solo destaca con los imprescindibles clásicos War Pigs; que comienza el disco, Paranoid; que le sigue, Iron Man, y Fairies Wear Boots, sino que posee mejor articulación, notándose en los miembros del grupo una mayor confianza y mejor desplante. Con respecto al sonido y producción, Paranoid no difiere mucho del primer disco, y suena como la continuación natural de aquella placa.

BLACK SABBATH

117.
1970
Inglaterra
Heavy Metal
****1/2
Este es el primer álbum de la que con justa razón puede ser llamada la banda más importante del Heavy Metal. Comprimiendo en sus filas a Ozzy Osbourne en voces, Tony Iommi en guitarra, Geezer Butler en bajo, y a Bill Ward en batería, esta alineación probaría con el tiempo, ser la más clásica de la banda.
Sin duda un disco importante, sienta las bases del estilo del grupo, y prácticamente inventa el Heavy Metal. En cuanto a influencias, resulta claro que el Blues ha tenido gran importancia en el sonido de Sabbath, sintiéndose su presencia a través de todo el disco. Pero es la pesadez de la guitarra de Iommi y el bajo de Butler, la clave para entender que al editar Black Sabbath esta placa, no sólo estaba lanzando uno de los discos más pesados de la época, sino que también estaba sentando las bases de todo un nuevo estilo musical. Seguramente no lo consideraron así ni los propios miembros del grupo en su momento, pero el tiempo ha demostrado que Black Sabbath es la verdadera semilla de todo aquello que se relacione con el heavy.
Por otro lado, no sólo la pesadez de la música resulta importante, también juega un papel preponderante la estética sombría, lúgubre y oscura que embarga toda la propuesta musical. Esta estética sería inspiración para miles de bandas a través de los años.
Un disco absolutamente imprescindible donde destacan los clásicos cortes The Wizard, N.I.B. y el corte homónimo.

BEYOND DAWN - Revelry

116.

1998
Noruega
Metal Alternativo
***
Más allá del amanecer es la traducción al español de esta banda que cultiva un extraño híbrido entre metal, pop, dark wave, gótico, industrial y alternativo. La utilización de instrumentos de viento, como son las trompetas, son algo muy original, ya que no son muy comunes dentro del mundo del rock. El álbum es por ende, de difícil asimilación, un tanto oscuro y bastante bullicioso, pero no muy rápido. Me recordó a los disonantes y poco armónicos Godflesh.
Revelry es una placa claramente alternativa dentro de lo alternativo. Podría ser del gusto de mucha gente que no escucha música comercial, como también no ser del agrado de nadie, ya que no se compromete con ninguna onda específica. Valga el viejo refrán “El que mucho abarca, poco aprieta”. Pero de todas maneras, Beyond Dawn es una muy interesante banda y vale la pena investigarla. Musicalmente son bastante simples, utilizando los instrumentos, especialmente las guitarras, como una muralla sónica que sirve como fondo para el resto de los instrumentos. Nada de solos de guitarra ni de complicaciones, solo riffs simples y directos, pero no muy pesados. También hay harto de guitarras acústicas con notas al aire. Sin duda, una banda extraña que no le teme a la experimentación.

BEWITCHED - Pentagram Prayer

115.
1997
Suecia
Hard Rock
***
Hay un grupo pop que se llama igual que esta demoníaca banda, y una banda chilena de black metal también llamada Bewitched. No hay que confundir esas bandas con estos otros Bewitched.
El disco que nos toca comentar ahora tiene canciones con títulos muy infantiles y risibles, como Satan´s Claw (¡Oh que miedo!), Cremation of the Cross (¡Ohhhhhhh!) y Sacrifice to Satan (Jajaja, por favor). Como que ya paso la vieja (este álbum es de los noventa), y canciones con títulos así ya no engañan ni sorprenden a nadie. Lo más simpático de todo, es que la música es una mezcla de hard rock setentero, punk, thrash, heavy metal ochentero, condimentado con algo de black metal. Y todo aquello no calza mucho con la imagen de chicos malos y satánicos que proyecta la agrupación. En todo caso, toda la mezcolanza de influencias los hace bastante originales, aunque la música, bastante influenciada por Motörhead y Venom, no aporta mucho. En realidad no hay nada nuevo aquí, pero reconozco que el álbum sirve para rockanrollear y pasar el momento. A ratos me recuerda a la banda chilena Inquisición, especialmente en el sonido de las guitarras. También se me viene a la mente la voz de Mille Petrozza de Kreator. Hay algo de Exciter también en la música. Definitivamente una banda sin un sonido propio, pero que de todas maneras entretiene.

BENEDICTION - The Grand Leveller

114.

1991
Inglaterra
Death Metal
***
Banda pionera de la movida death metal inglesa y muy similar a sus compatriotas Bolt Thrower. Karl Willets, vocalista de esa banda, incluso tiene una participación directa con Benediction cantando como invitado en el tema Jumping at Shadows.
Ambas bandas desarrollan un sonido influenciado por los primeros dos álbumes de Death, y se nota. Aquí no hay nada original, ni tampoco creo que la banda pretenda hacer algo original, pero por lo mismo eso quizás explica en parte la razón de por qué no lograron hacerse tan conocidos como los ya mencionados Death. Con Ian Treacy en la batería, Darren Brookes en la guitarra, Dave Ingram en las voces (¡se parece a Charly Garcia!), Peter Rew en la otra guitarra y Paul Adams en el bajo, la banda expone un buen death metal, aunque su estructura musical es bastante rígida. Tampoco hay una técnica exacerbada, ni un talento inspirador sublime* desarrollando buenas ideas, pero cumple en su función de impregnar los ambientes con toda la pesadez y crudeza del estilo.
Como nota adicional, les comento que Barney Greenaway, vocalista de Napalm Death cantó en el primer disco de Benediction, Subconscious Terror, de 1990. Luego de The Grand Leveller, aparecen Dark is the Season, Trascend the Rubicon, Dreams you Dread y Grind Bastard entre otros.

* ¿Talento inspirador sublime? ¡Jajajaja! ¡A veces me asombro hasta de mi mismo! ¿Qué diablos es "talento isnpirador sublime"?

BELINDA CARLISLE - Her Greatest Hits

113.

1996
Estados Unidos
Pop
****
Álbum recopilatorio donde aparecen todos los grandes éxitos, que no son pocos a decir verdad. El disco empieza con el power pop* de Heaven is a Place on Earth, le sigue I Get Weak, para mi gusto, una de las mejores canciones de Belinda en su carrera. Buen riff de guitarra en ese tema. I Feel The Magic tiene una atmósfera a canción de los años sesenta. Interesante, incluso lleva algo de saxo y campanas. Gotta Get You es la típica canción de Belinda, con un pequeño punch rockero. También lleva saxo. Luego vienen los temas más conocidos, como Leave a Light On, Circle in the Sand, Mad About You, Summer Rain, y otros. Buen disco, altamente representativo de la carrera solista de Belinda y que debiera satisfacer plenamente a sus fans.

*¿Power pop? No sé de dónde saqué eso. Pero suena divertido.

BELINDA CARLISLE - Real

112.

1993
Estados Unidos
Pop, Rock/Pop
***
La ex vocalista de las Go-Go´s tuvo bastante éxito con sus primeros tres álbumes; Belinda, Heaven on Earth y Runaway Horses. De ahí para adelante la historia es otra. Con Live Your Life Be Free, el cuarto, aparecido en 1991, empieza a perder popularidad, y esta quinta entrega no logra revivir la carrera de la oriunda de Hollywood, California. No es extrañar entonces que en 1994 decida volver a juntarse con sus viejas amigas de las Go-Go´s y reformar la banda. Aquella reunión no duró mucho y Belinda volvería a su carrera solista en 1996 con A Woman and a Man, un álbum que pasó totalmente inadvertido para el público.
Real no es un mal álbum, pero carece de un hit. Y no es que no hayan temas para uno. De hecho Real tiene excelentes temas, pero los programadores de radio seguramente decidieron no apoyar al disco, y no lo tocaron. Y cuando de pop se trata, no lograr colocar un hit radial -considerando que ya se había hecho con anterioridad-, es una clara señal de que las cosas no andan muy bien. Pero también es cierto que en 1993 el público radial no era el mismo al de la década anterior. El tipo de música de Belinda no calzaba con los nuevos patrones de la música pop de los noventa... su tiempo había pasado. Pero para aquellos que disfrutan con la agradable voz de la hermosa Carlisle y que son a la vez escasamente receptivos frente al fenómeno de los hits radiales, este álbum podría resultar de interés. Tiene el sello inconfundible de la vocalista, y estilísticamente no se diferencia mucho de sus otros trabajos.

BELINDA CARLISLE - Live Your Life be Free

111.
1991
Estados Unidos
Pop
****
Live Your Life be Free comienza con el tema de igual nombre. Me gustó esa canción. Muy pop, cierto, pero con una leve onda rockera. En general me gusta escuchar guitarras en la música pop, porque así se potencia más la música. Y es nuevamente el guitarrista Rick Nowels el encargado de electrizar un poco la suave, pero calificada propuesta de Belinda, llena de buena vibra y buena onda.
Es entendible que la música vaya por los parajes más luminosos de la vida, especialmente después de que Belinda estuviera al borde de destruir su vida por completo gracias al consumo de drogas, sin duda el precio que tuvo que pagar por el meteórico ascenso a la fama de su banda Go-Go´s. Así, las canciones de Belinda son verdaderos himnos a la vida y a sus diversas situaciones, especialmente relacionadas con lo emocional y sentimental. You´re Nothing Without Me no fue hit, pero es a mi parecer uno de los mejores temas del disco. Súper pop, pero igual bueno. Si hubiera sido por mí, le hubiese incluido un solo de guitarra en la mitad. I Plead Insanity también resulta ser una buena canción.
En esta producción Belinda nuevamente participa con un tema, el último del disco, llamado Loneliness Game, y que parece ser bastante autobiográfico ya que habla de una niña bonita y rica que al igual que todo el mundo no está libre de las garras de la soledad.
Buen disco, de buen pop, cristalino, con buenos arreglos y excelente producción. Se parece bastante a Runaway Horses, casi la continuación de aquella placa.

BELINDA CARLISLE - Runaway Horses

110.
1989
Estados Unidos
Pop
****
Tercer disco de estudio de la hermosa ex Go-Go´s que en 1985 decide emprender una carrera solista después de haber tenido mucho éxito con su famoso grupo de sólo féminas.
Para este álbum Belinda a contado con la participación de varios invitados, como Steve Lukather (Toto), Bryan Adams y el mismísimo George Harrison, todos haciendo pequeñas colaboraciones.
Belinda, cantante de voz muy especial, suave y melodiosa, nos presenta en esta oportunidad un álbum cargado de buenas canciones pop, donde destacan los hits Leave a Light On, La Luna y Summer Rain. Otros buenos cortes son el tema homónimo y Vision of You.
En el corte La Luna se puede apreciar un cierto acercamiento hacia esquemas de música latina, lo que resulta toda una revelación, en especial, la guitarra española ejecutada por Rick Nowels, personaje que compone varios de los temas del disco y que además lo produce. Belinda por su parte, no compone casi nada, dedicándose netamente a cantar, aunque participa en el tema Shades of Michaelangelo, pero conjuntamente con Charlotte Caffey, también una ex Go-Go´s.
Resumiendo, Runaway Horses logra destacar en el terreno del pop, imponiéndose con algunas canciones hoy en día ya clásicas de los años ochenta.

BEHEMOTH - Thelema.6

109.

2001
Polonia
Death Metal
****
Interesante placa de esta agrupación, que junto con Vader, son de las más conocidas dentro del circuito death metalero de Polonia.
La voz gutural del cantante y guitarrista Nergal, único miembro constante en la agrupación, recuerda en ciertos momentos a la de Anders Fridén de In Flames, época The Jester Race.
En cuanto a la música, hay una clara influencia de bandas clásicas del género, como Morbid Angel, Cannibal Corpse, y también de sus compatriotas Vader, aunque la propuesta posee ese sello propio tan necesario para lograr diferenciarse de otras bandas, y para nada resulta ser una copia ni de los americanos, ni de los polacos. Aunque Behemoth camina por los senderos de la brutalidad sónica, su propuesta está lejos de ser de lo más extremo. Por cierto que hay momentos de absoluto caos, pero también se aprecia una excelente matización, a través de cambios de velocidad y pasajes más lentos y con riffs simples, pero precisos.

BEHEMOTH - Satanica

108.

1999
Polonia
Death Metal
****

BEATS THE HELL OUT OF ME

107.
1994
Estados Unidos
Nü Metal, Hardcore, Heavy Metal
***
Primero que nada, una aclaración con respecto al singular nombre de esta banda y su disco homónimo. “Beats the Hell out of Me” es una expresión propia de los estadounidenses y que traducido al castellano significa “No tengo ni la más remota idea”. También se puede acortar a simplemente “It beats me”, y no cambia el significado en ninguno de los dos idiomas. Aclarado aquello, vamos ahora al comentario propiamente tal.
Esta desconocida banda americana, cuyo nombre refleja tan bien su condición de banda oscura que nadie conoce, cultiva un rabioso metal moderno típicamente americano; con vocalizaciones rapeadas, guitarras filosas, de simples pero efectivos riffs, aunque con un trasfondo seudo experimental bastante digno. Podemos apreciar esto último en el corte Intro, un instrumental simplón pero inspirado, que escapa ligeramente al resto de los temas.
Musicalmente, la banda no destaca mayormente por su habilidad técnica, aunque tiene un par de cartas bajo la manga y unos cuantos trucos que la hacen interesante para cualquiera interesado en música realmente alternativa e independiente.
Este disco debut tiene diez temas, la mayoría de ellos de menos de tres minutos y con un estilo directo y agresivo. A momentos me recordaron un poco a Rage Against the Machine, aunque muy a lo lejos. El tema distinto del disco es el último corte, Godbox, de casi doce minutos de duración, pero que en realidad es como si se tratara de dos cortes distintos, ya que a partir del minuto seis y algo, la canción se convierte hasta el final en un torbellino de ruido blanco bastante enervante que no aporta absolutamente nada.

THE BEATLES - 1

106.

2000
Inglaterra
Rock/Pop
*****
The Beatles definitivamente no ha sido una banda influyente en mi vida. Creo que el hecho de haber nacido en 1971 tiene mucho que ver con ello, y por otro lado, la banda de Liverpool nunca tuvo nada que ver con Heavy Metal, que es mi raíz musical. Mirémoslo así, para mí, Black Sabbath son como los Beatles, en cuanto a importancia, trascendencia e influencia hacia el futuro, pues sin Black Sabbath, no tenemos Heavy Metal, al menos no cómo lo entendemos hoy. Así de simple.
Pero aunque The Beatles no hayan tenido importancia alguna en mi vida musical, eso no significa que no pueda comentar al menos uno de sus álbumes, aunque sea un recopilatorio.
Este compilado tiene la gracia de incluir las 27 canciones que llegaron al tope de las listas de Estados Unidos y/o el Reino Unido. Aquí están los temas más clásicos y más reconocibles, como Love Me Do (su primer Top1), She Loves You -con su simple pero efectivo Yeah, Yeah, Yeah-, Can´t Buy Me Love, y tantas otras grandes canciones.
Personalmente, mis favoritas son Eleanor Rigby, Penny Lane, Hey Jude, Something (original de George Harrison) y The Long and Winding Road.
Por supuesto que no podrían faltar Let it Be y Yesterday. Esta última lejos la canción de la cual más covers se han hecho (El segundo lugar corresponde a Something).
Resumiendo, puedo decir que este trabajo nos da una visión completa de lo que llegó más lejos en cuanto a rankings de popularidad.
Debido a su objetivo no contiene temas conocidos que simplemente no llegaron al número 1 pero que sí entraron en las listas, como Please Please Me y Strawberry Fields Forever.

BARRY WHITE - You´re the First

105.
1993
Estados Unidos
Soul, Disco, Pop
****
Gran icono de la música popular de los años setenta. Reciéntemente fallecido, este artista en su carrera musical que duró tres decadas logró vender no menos de 100 millones de discos. Una cantidad de álbumes que sin duda alguna eleva a White a categoría de superestrella. Su mejor y más popular época fue la de los años setenta, pero el hombre se mantuvo haciendo música hasta casi el final de sus días.
Este disco de grandes éxitos nos da una somera muestra de la música del cantante en once temas que podríamos catalogar de verdaderos clásicos, destacando Can´t Get Enough of Your Love, Babe (todo junto), You´re the First, The Last, My Everything (también todo junto), los instrumentales Rhapsody in White, My Sweet Summer Suite y finalmente Just the Way You Are. Este último tema original de Billy Joel.
Al ir escuchando el álbum, revelador ha sido el descubrir que Robbie Williams, popular cantante inglés de los noventa robó (o pedió prestada) parte de la melodía de la canción It´s Ecstasy When You Lay Down Next To Me, para una de sus canciones single. ¡Ahora sabemos de donde saca las ideas Robbie! De seguro pensó que nadie lo notaría, ¡pero aquí estamos para hacer justicia!

BARON ROJO - Volumen Brutal

104.
1982
España
Hard Rock, Heavy Metal
*****
Baron Rojo es la banda de heavy metal más famosa de España. Se formó en 1981 por los hermanos Carlos y Armando De Castro, ambos guitarristas y cantantes, junto con el bajista José Luis Campuzano, y el baterista Hermes Calabria.
En el mismo año de su formación lanzan su primer álbum, Larga Vida al Rock and Roll. Volumen Brutal es su segunda entrega, y muchos coinciden en que se trata del mejor disco del grupo. Con él lograrían ganar gran popularidad y conquistar un lugar dentro de los grandes del metal. Tanto esa así, que en su momento este álbum apareció también en una versión cantada en Inglés. Sin duda que se trató de una estrategia para conquistar al público de habla inglesa, pero lamentablemente los hermanos De Castro probaron ser buenos cantantes sólo en su idioma natal.
Con respecto a la música, se nota gran influencia de Iron Maiden, Judas Priest y Saxon en la propuesta de Baron Rojo, pero logran de todas maneras imprimir un estilo claramente distinto al del heavy Inglés. Cierto que el hecho de cantar en español ayuda mucho a la diferenciación, pero incluso así el sonido de la banda tiene una estampa muy propia.
Por otro lado las letras son bastante divertidas, y a veces hasta cómicas, destacando la de Los Rockeros Van al Infierno, Satánico Plan (Volumen Brutal) y Hermano del Rock & Roll.
Luego de este álbum, vendrían Metalmorfosis (1983), En un Lugar de la Mancha (1985), y Siempre Estaís Allí (1986), entre otros. Baron Rojo se mantendría más o menos hasta 1988, disolviéndose luego sólo para volver a reunirse en los noventa. Durante esa década sacan algunos álbumes de estudio, aunque sin causar el impacto que causaron en la década anterior.

BAPHOMET - The Dead Shall Inherit

103.
1992
Estados Unidos
Death Metal
***
Baphomet es una oscura y poco conocida agrupación de Nueva York que hace un despiadado death metal con ciertas pinceladas thrash. De buenas a primeras recuerdan a Cannibal Corpse, que ¡alas! también son de Nueva York. Y yo diría que más que simplemente recordar a Cannibal, este disco de Baphomet suena muy parecido a esa banda. Incluso la voz del vocalista se parece a la de Chris Barnes, quien fuera vocalista de Cannibal Corpse hasta el disco The Bleeding.
Ahora bien, no por el parecido de ambas agrupaciones vamos a decir que Baphomet es un conjunto copión. Cannibal y Baphomet son de la misma época y de la misma ciudad, y de seguro se conocían. Posiblemente se influyeron mutuamente, pero al final la suerte le sonrió a Cannibal Corpse que fueron los que en definitiva se hicieron famosos.

BABYLON ZOO - King Kong Groover

102.

1998
Inglaterra
Rock/Pop Alternativo
*
Babylon Zoo es una de tantas agrupaciones que han pasado a la historia como “One Hit Wonders” (Maravillas de un solo hit).
Babilón Zoo fue la creación de Jas Mann, vocalista y también productor. Mann lograría la fama con Spaceman, un infeccioso y excelente tema que tuvo la gracia de convertirse en el single que más rápido se ha vendido en la historia del Reino Unido, llegando a la impresionante cifra de 250.000 copias en una sola semana. El tema fue conocido en todo el mundo, y en algún momento se tocó en las radios juveniles de Chile. La canción luego aparecería en el álbum de 1996, The Boy With the X-Ray Eyes, trabajo que tuvo escasa repercusión. Considerando aquello, no es de extrañar que tampoco haya sucedido mucho con este segundo álbum de estudio. Un disco que recuerda en la voz a un híbrido entre Smashing Pumpkins y Oasis, y que musicalmente no tiene mucho que decir. De partida, aquí no hay ningún tema de la misma calidad que Spaceman, siendo Aroma Girl, último corte del disco, quizás, lo único rescatable, aunque ese tema no va por la misma línea que el famoso Spaceman. El resto es de una tortuosa aburrición. Altamente olvidable.

AUTUMN TEARS - Love Poems for Dying Children...Act 1

101.

1988
Estados Unidos
Gótica, Oscura
****
Trío americano especializado en música tremendamente oscura y depresiva. A primera escucha me recordaron a los suecos Arcana, y en realidad ambas bandas se parecen bastante. Ambas utilizan voces femeninas espectrales, y ambas caminan por los senderos más lúgubres y siniestros de la música, y al igual que aquellos, lo hacen con una finura y clase excepcional.
Esta es la primera entrega musical de los americanos. Corresponde a una saga de tres partes, terminando obviamente en Act 3. La historia de estos poemas es bastante interesante. Tratan de un espíritu vampírico de la naturaleza llamada Autumn the Beautiful (Otoño, la Hermosa), que trae muerte a todas las cosas vivas y que está descontenta con su destino plagado de muerte. Pero incapaz de lidiar con su invariable destino, Autumn finalmente se consume dentro de su propia furia. Una historia romántica y triste que se adecua perfectamente con la música espectral y fantasmagórica de Autumn Tears, que en cuarenta y cinco minutos de absoluta y completa desolación logran impregnarnos con su romanticismo fatalista y su mirada tenebrosa.

Nota: ¡Ciertamente no se trata de un disco feliz!

AURORA Y LA ACADEMIA - Horas

100.
1997
México
Pop, Rock/Pop
***
Aurora y la Academia es una agrupación formada por cuatro muchachas, Aurora (voz y guitarras acústicas), Alicia (teclados y coros), Leonor (guitarras eléctricas, doce cuerdas y coros), y Trini (teclados, bajo eléctrico y coros). Lo simpático del asunto es que ninguna de ellas hace la música que tocan. Esa responsabilidad (exceptuando la que le cae al tema ¿Por Qué Te Vas?, original de Jose Luis Perales), cae en el músico y productor Iñaki, de la banda de rock Fobia, quién también es hermano de Aurora. Iñaki también hizo las letras, pero aquí comparte los créditos con su hermana.
De Horas destaca el tema homónimo, y con el cuál comienza la placa. Esa canción fue hit, pero no aquí en Chile, donde seguramente solo conocen a la banda aquellos que atinaron con comprar el disco en la Feria del Disco cuando estaba a mil pesos. Horas es la canción más ganchera, aunque el resto también resulta interesante, pero requiere su escuchada. El cover de Jose Luis Perales tiene su toque, pero he escuchado mejores versiones. El disco finaliza con un extracto de la película Cría Cuervos, de Carlos Saura, y resulta ser bastante lúgubre y sombrío para ser parte de un álbum de pop... destacable.

ATROX - Contentum

99.

1999
Noruega
Black Metal, Gothic Metal, Heavy Metal
***
Contentum es la segunda placa de estudio de los noruegos Atrox, una banda que escapa a lo que se entiende por típico metal gótico puesto que incluye una fuerte dosis de black metal sinfónico en la vena de Dimmu Borgir, más el elemento esquizofrénico y demencial a cargo de la voz de Monica, que recuerda mucho a Diamanda Galás.
Contentum es un disco fuerte e intenso que fácilmente podría llamar la atención tanto del público metalero como del gótico, y por lo que escuchamos aquí se nota que la banda posee suficiente talento y buenas ideas como para conquistar posiciones dentro del mundo del metal extremo. Pero para que ello ocurra hay que considerar que aunque Contentum es un buen álbum, adolece de dos puntos en contra. Uno es el excesivo uso del peculiar y sorprendente rango vocal de Monica como elemento diferenciador. Después de un par de temas sus gritos y extraños sonidos tienden a cansar. En mi opinión la banda explota en demasía el elemento innovador que posee y lo sobreexpone con el riesgo de agotar demasiado rápido algo que podría reportarles grandes dividendos a futuro. Por otro lado, el parecido excesivo que existe con sus compatriotas Dimmu Borgir en las partes rápidas y más metaleras, resta originalidad a la propuesta. Peor aún, jamás logra superar a su indudable influencia musical.
Una interesante placa que pudo haber sido mejor.

ATROPHY - Violent by Nature

98.
1990
Arizona, Estados Unidos
Thrash Metal
****
Agradable thrash metal de una banda no muy conocida y que nunca logró la fama de otras bandas como Metallica, Exodus, Slayer, etc. Y lo interesante es que convencen, al menos en este álbum. Los temas tienen su onda y no se pierde el interés del auditor a medida que pasan los minutos. A mi no me cabe ninguna duda que debieron haber llegado más lejos, pero lamentablemente el destino fue otro. Musicalmente, el disco se mueve dentro de un esquema thrash típico, con coros a lo Exodus, y solos de guitarra que recuerdan al disco Tortured Existence de Demolition Hammer. Este es el segundo, y último, álbum de estudio
Un buen disco que debiera contentar el gusto de cualquier thrasher antiguo.

AT THE GATES - Slaughter of the Soul

97.
1995
Suecia
Death Metal Sueco
*****
At the Gates es una banda importante debido a que es precursura en un estilo de metal que muchas agrupaciones adoptarían y también copiarían, algunas casi como calco.
Con Slayer como primitivo antecesor de la propuesta de At the Gates, su música se caracteriza por el frenesí que desencadena, debido a la velocidad extrema con que se ejecuta y a la agresividad de los riffs de guitarra que siguen un esquema donde la rapidez en los cambios, sorprendentes y brutales, generan un estado de perpetuo desconcierto y caos en el oyente. Fáciles de asimilar para aquellos amantes del metal más brutal, Slaughter of the Soul va directo a la vena, sin compasión, golpeando el cráneo como un mazo.
Musicalmente, los once temas del álbum se mueven básicamente dentro de la línea explicada, con excepción del tema final The Flames of the End, tema que tiene teclado y que genera una atmósfera distinta al resto del disco. En general todos los temas son interesantes, cada uno con un tinte especial, así que los temas no suenan todos iguales, y eso es bueno. Hay poco uso de solos de guitarra. Aquí todo es riff asesino. Dentro de su estilo son verdaderos padres del metal extremo, y este disco debe considerarse como un antecesor respetado y crucial. Imperdible.

AT THE GATES - With Fear I Kiss the Burning Darkness

96.

1993
Suecia
Death Metal Sueco
****
Esta segunda producción de estudio de At the Gates nos presenta a una banda que ya empieza a encontrar su estilo propio, y a generar el sonido y esquema musical que les haría famosos más adelante. Ya se empieza a notar aquí claramente el despertar del sonido de Gotenburgo que tantas bandas copiarían luego. Esto definitivamente es un avance con respecto a su primera placa, pero aun así no se trata de un despegue concreto y definitivo. Habría que esperar un álbum más.
Escuchando esta placa, se nota cierta similitud con los también suecos, Dark Tranquillity, especialmente en el sonido de las guitarras (en el primer disco también). Y no solo eso, sino que hay algo también de In Flames. Y no es de extrañarse. Cuando comenzaron estas bandas, todas se parecían entre si, y solo con el pasar de los años, cada una encontró un sonido claramente distinguible el uno del otro.
Sea como sea, este disco es un intenso, bien enfocado y brutal asalto a los sentidos, con asesinos y gancheros riffs, destacando además una soberbia ejecución.
No es lo mejor de la banda, pero cumple.

AT THE GATES - The Red in the Sky Is Ours

95.

1992
Suecia
Death Metal Sueco
***
At the Gates se formó en Gotenburgo, Suecia, a fines de 1990. Al principio componían la banda el vocalista Tomas Lindeberg, los hermanos Jonas y Anders Bjorler, en bajo y guitarra respectivamente, el baterista Adrian Erlandsson y Alf Svensson en la otra guitarra.
Su primer registro fue el EP Gardens of Grief, para luego sacar el álbum que revisamos ahora, su primer larga duración.
A pesar de que con el tercer disco, Terminal Spirit Disease, la banda se establecía como un conjunto capaz de hacer música brutal, pero de sorprendente matiz melódico, llena de interesantes y gancheros riffs, su primer disco no nos da luces sobre aquel destacable logro. The Red Sky is the Sky is Ours no deja de ser un trabajo death metal de limitado alcance. Sin duda que no demuestra todo el potencial de la banda, y desde luego no es bajo ningún punto de vista su obra más inspirada. Lo cierto es que no representa más que un death metal bastante genérico, aunque con un sello invariablemente europeo, distinguiéndose claramente del death metal americano.
Y aunque Terminal Spirit Disease fue bueno, el cuarto álbum Slaughter of the Soul, fue el que en definitiva catapultó a la banda a la fama. Aquel disco incluso fue nominado como mejor disco dentro de la categoría Hard Rock en los Grammys Suecos. Además, el video promocional Blinded by Fear tuvo harta rotación en el extinto programa Headbanger´s Ball de Mtv, logrando que el nombre de At the Gates calara hondo en el subconsciente underground, y ni tan underground. Aquella placa -queda claro- es masivamente considerada como la mejor.
Bueno, quienes conocen Slaughter of the Soul, y a la vez no conocen los inicios de la banda, quizás se vean un tanto decepcionados al escuchar los primeros pataleos de vida de esta importante banda, algo totalmente entendible por lo demás. Y es que este primer disco (y también el segundo, aunque en menor medida) dista muchísimo de lo que llegó a hacer la banda en su momento más álgido. A pesar de aquello se trata de una placa con una que otra idea buena (como la utilización de violines en algunas partes), y que posee invariablemente una potente dosis de violencia sónica capaz de entusiasmar al fan del estilo sin mayor problema.

ASSASSIN - Interstellar Experience

94.
1987
Alemania
Thrash Metal
****
Assassin es de esas bandas thrasheras de los ochenta que lamentablemente nunca lograron escalar muy alto en el competitivo mundo de la música extrema. Este álbum, cuyo título es para la risa, es una muestra de thrash metal en su expresión más asesina. Por algo decidieron llamarse Assassin estos verdaderos dementes, que en ocho bulliciosos y estridentes temas, contaminan la atmósfera como un virus demoníaco (Sonó bonito eso).
Muy influenciados por la escuela del punk en cuanto a la manera de enfocar la música, y un tanto parecidos a Slayer, Assassin tiene el poder de una bomba nuclear, abusando de sus instrumentos como verdaderos maniácos. Las guitarras cortan el aire como malditos cuchillos cruzando a mil kilómetros por hora, la batería no se queda atrás y sufre a la vez de un incesante y perturbador machaque. Los solos de guitarra son muy cacofónicos y poco armónicos, pero no triviales o simplones, sino que ayudan aún más a crear esa atmósfera de caos, violencia y destrucción que parece que la banda trata plasmar en términos musicales. Hay un interesante cover, la canción Pipeline, original de Don Wilson y Nokie Edwards, canción que también le hacen cover los Anthrax, y a la vez resulta ser el tema más digerible de esta notable agrupación. El mejor tema del disco es la tremendamente veloz e inquietante Baka, canción que cierra este corto álbum que no sobrepasa los treinta minutos. Pero les aseguro que treinta minutos de esta muestra de metal corrosivo es más que suficiente para cualquiera.

ASSASSIN - The Upcoming Terror

93.
1985
Alemania
Thrash Metal
****
Cuando vivía mis años de adolescencia en los ochenta y era un thrasher de tiempo completo recuerdo haber escuchado a esta olvidada agrupación y haber enganchado con ella rápidamente. Tuve el casete grabado, luego no sé que pasó con él.
El asunto es que recién ayer (01/Agosto/02) me volví a conseguir este disco, y tal ha sido la sorpresa y el deseo de volver a escuchar esta placa que recuerdo fielmente haber disfrutado con gran ahínco, que decidí hacerle un comentario de inmediato.
Lo primero que tengo que decir es que la placa tiene mucho de los antiguos Metallica, Slayer y Kreator. Eso nunca lo logré notar en la época, pero ahora, mirando en retrospectiva, me percato de que la banda tenía muchos elementos de las bandas mencionadas. Lo otro que tengo que decir es que este álbum me suena tan bestial y desgarrador como siempre. Podría haber salido ayer y nadie lo notaría. Bueno, quizás sí, pero aquello no hace que este álbum deje de sonar radical incluso para los estándares de hoy en día. Súper rápido, anti melódico, cacofónico y destructivo. Una verdadera joya de brutal thrash metal de una banda de culto. El que no los conoce no sabe lo que se pierde.
Los momentos culminantes de esta placa son: The Last Man, el tema Bullets, de exterminador y radical bullicio no apto para oídos piadosos, y el corte final Speed of Light, un rapidísimo y potente instrumental que se auto define con su título.
Un álbum imperdible.

ASPHYX

92.

1994
Holanda
Death Metal, Doom Metal
**
Asphyx es corto para “asphyxiate”, palabra inglesa que significa asfixiar. Se usa en forma corta para denominar la práctica sexual de derivar placer a través de la asfixia momentánea. No han faltado los idiotas que se han suicidado o han sido asesinados por no haber medido bien cuanta asfixia podían tolerar. En fin.
Asphyx también es el nombre de esta singular y oscura banda de death metal cuyos discos compactos están descontinuados según tengo entendido.
A diferencia de su LP anterior Last One on Earth, esta placa resulta ser más lenta, más doom, aunque hay algunos pasajes que podrían ser confundidos con el otro disco.
Creo que el nombre de la banda fue muy acertado, ya que la música produce un cierto grado de asfixia, especialmente las partes lentas que generan un sentimiento de desgano y pesimismo únicos. Musicalmente, este trabajo suena como la tercera guerra mundial, con una muralla sónica de guitarras distorsionadas que nunca termina de aplastarnos. Definitivamente, densos y pesados y de la vieja escuela del death metal.

ASPHYX - Last One on Earth

91.
1992
Holanda
Death Metal
**

ASIA - Arena

90.

1996
Inglaterra
AOR (Adult Oriented Rock), Rock Progresivo, Rock/Pop
***
Para cuando salió este disco al mercado, poco o nada quedaba del sonido y formación original de Asia, manteniéndose sólo el tecladista Geoff Downes como miembro original. Y aquello resulta importante a la hora de querer apreciar Arena, ya que hay que olvidarse de la banda de los ochenta que llegó a vender 9 millones de copias de su álbum debut, y que se impuso en las radios con varios hits. Lo que aquí se escucha es casi algo proveniente de otra banda, y al principio cuesta enganchar con la propuesta. En especial, cuesta acostumbrarse a la voz de John Payne, que nada tiene que ver con la de John Wetton.
Musicalmente, Arena mantiene la calidad musical que siempre ha sido característica de Asia, pero personalmente creo que su música no logra impactar como lo hicieron los dos primeros discos. Por otro lado, el sonido ha perdido identidad, confundiéndose a veces con algunas de las propuestas de Toto de los noventa. Definitivamente no es un disco imperdible.
The Day Before the War destaca como la mejor canción.

ASIA - Alpha

89.
1983
Inglaterra
AOR (Adult Oriented Rock), Rock Progresivo, Rock/Pop
***
No tan bueno e impactante como el debut, esta segunda entrega oficial de Asia de todas maneras se perfila como una buena propuesta. Estilísticamente muy parecido al debut, pero carente de la fuerza de los temas del primer disco, Alpha sólo a veces logra impactar como antes lo había hecho el disco homónimo. Aparte de los temas Don´t Cry y The Smile Has Left Your Eyes, ambos singles y hits radiales en la época, y alguno que otro tema, como The Heat Goes On, el resto no deja de ser más que un pop refinado de gran talento musical, pero sin mucha magia. Sin embargo, Alpha sigue siendo un álbum clásico dentro de la discografía de la agrupación. Luego de Alpha, Asia editaría Astra (1985), un álbum que pasó absolutamente inadvertido, y que probó ser todo un fracaso. Quizás debido a aquello la banda se separó, volviendo, eso sí, a reunirse en 1990 y lanzando el disco en vivo Live in Moscow, ciudad en donde tocaron para 20.000 personas. Para esta vuelta ya no cantaría John Wetton, siendo reemplazado por John Payne. Posteriormente editarían Aqua, en 1992, Aria, en 1994, y Arena,* en 1996.

*¿Qué onda con tantas "A"?

ASIA

88.
1982
Inglaterra
AOR, Rock Progresivo, Rock/Pop
****1/2
Asia se formó en 1981 con miembros de importantes bandas de rock progresivo de los setenta, con la excepción Geoffrey Downes que venía de Buggles.* Steve Howe venía de Yes, Carl Palmer, de Emerson, Lake & Palmer, y John Wetton, de King Crimson. Ciertamente personajes de gran talla dentro de la música, y que en Asia imprimirían su gran talento, en especial en este álbum debut, considerado por la crítica como el mejor trabajo de Asia.
Demasiado comercial para ser rock progresivo de verdad, y demasiado técnico y de calidad como para ser una banda desechable al estilo "one hit wonder", Asia encarna la mezcla perfecta entre talento indiscutible y ojo comercial. Cuando uno escucha Asia y sabe que se trata de músicos con vasta trayectoria en el mundo del rock progresivo, entiende que Asia pretende acercarse hacia el gusto masivo. No por casualidad el álbum contiene temas muy poperos, destacando el hit single Heat of the Moment, un verdadero hit de la época, especialmente en Estados Unidos.
Un buen disco, con música fácilmente digerible y entretenida que no molesta a nadie. Pero más importante, creo yo, es que el álbum no afloja. De principio a fin, se mantiene el interés del oyente con algunos pasajes soberbios y muy acabados.
En resumen, buen rock comercial.

*Buggles es conocido por el hit "Video Killed the Radio Star", cuyo video fue el primero que programó Mtv, en 1981.

ARTIFICIAL JOY CLUB - Melt

87.

1997
Canadá
Rock/Pop Alternativo, Post Grunge
****
Disco debut de este quinteto canadiense compuesto por Sal en la voz, así tal cual (probablemente una abreviación del nombre Sally), Leslie Howe en las guitarras y teclados, personaje que también produjo el álbum, Tim Dupont en el bajo, Abdrew Lamarche en la batería y Michael Goyette en la guitarra. También hay una intervención adicional de parte de Serge Cote tocando teclados.
A la primera escucha, de esta buena banda de escasa repercusión comercial, se viene a la mente la figura de Alanis Morrisette, la famosa cantante también de origen canadiense. Seguramente ha sido la inspiración para Sal, pues se nota una similitud entre ambas que es difícil pasar por alto. En cuanto a la música, esta es melódica, pero con suficiente peso, con canciones atractivas que van por el lado de lo alternativo, aunque la infusión de pop hace que las canciones sean incluso fáciles de escuchar y asimilar. Destacan Psychic Man, Skywriting, la semi balada Spaceman, No Shame, y a decir verdad, cada uno de los cortes de Melt. Me la juego en decir que esta banda mereció tener más difusión ya que talento les sobraba. Aparte de la música en sí, destacan también las divertidas, irónicas y locuaces letras.

ART OF NOISE - The Best of the Art of Noise (Pink Cover)

86. 1992
Inglaterra
Electrónica
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Tal como se autodenomina este grupo, el objetivo musical de la agrupación, al parecer, es hacer de la bulla un arte. Pero no se trata de cualquier bulla, sino más bien de bulla muy tecno, pero no un tecno comercial o plástico, sino que uno experimental y un tanto extraño. Los dos cortes iniciales; Opus 4 y Yebo, muestran claramente esto. El tercer corte, Instruments of Darkness, es un excelente tema, y se puede ver claramente de donde sacaron las influencias grupos actuales como Chemical Brothers. Robinson Crusoe ya es un tema más lento y muestra el lado más New Age que puede alcanzar la banda cuando quiere. Incluso uno de sus mayores éxitos fue en esa línea musical. Me refiero a Moments in Love, una apacible y excelente canción que a veces programan las radios. Lamentablemente aquel tema no está en este compilado. Otro gran éxito, que aquí sí aparece, fue el cover de la canción de Prince, Kiss. Para este cover participó nada menos que el mismísimo Tom Jones. Para mi gusto ese tema es lo peor que trae esta colección. De todas maneras creo que Art of Noise es una banda muy interesante y pionera dentro de su estilo. Vale la pena escucharlos. Hay otra versión de este álbum con una carátula azul. Allí aparece Moments in Love y versiones doce pulgadas.

ART GARFUNKEL - The Art Garfunkel Album

85.
1984
Estados Unidos

Soft Rock
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Luego que el dúo Simon & Garfunkel se separára en 1970, Art Garfunkel decidió hacerse de una carrera solista, al mismo tiempo que perseguiría otra carrera como actor, participando en varias películas.
Su aventura musical probaría ser medianamente exitosa, alcanzando a poner varios hits radiales en los años setenta, como por ejemplo; Bright Eyes y Break Away. Ambas canciones vienen en este compilado de grandes éxitos.
A diferencia de Paul Simon, que componía todos los temas del famoso dúo, Art nunca fue tan talentoso, dejando a otros la tarea de encargarse de los temas. De hecho ninguna de las canciones de este compilado pertenece a Art, algo que ciertamente menoscaba el trabajo del cantante. En realidad lo único que hace Art es cantar. Y eso, al menos, lo hace muy bien.
Este compilado resume los primeros cinco álbumes: Angel Clare (1973), Breakaway (1975), Watermark (1977), Fate for Breakfast (1979) y Scissors Cut (1981).

ARENA - Welcome to the Stage

84.
1997
Inglaterra
Rock Progresivo
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Arena se formó en 1994 por Mick Pointer, ex baterista de Marillion, y Clive Nolan, ex tecladista de Pendragon. Por sus filas han pasado también ex miembros de Shadowland e IQ.
Su primer álbum fue editado en 1995 y tenía por nombre Songs From the Lions Cage. Luego vendrían Pride, de 1996, y el mini álbum The Cry, de 1997. Ese mismo año aparecen con el disco que ahora revisamos. Se trata de un disco bastante interesante, de canciones largas y elaboradas, de gran calidad técnica (no podía ser de otra manera considerando el nivel de los músicos), muy progresivo, y que suena parecido a Marillion de la era con el cantante Fish.
Un buen álbum, pero que carece de sonido propio.