DAVE BROCKIE EXPERIENCE - Diarrhea of a Madman

229.
2001
Estados Unidos
Hard Rock, Punk Rock, Hardcore
***
Dave Brockie es el vocalista de la divertidísima banda GWAR. Este es su proyecto musical y vaya que ha acertado con el nombre que le puso a su banda, ya que escucharla es sin duda toda una experiencia musical, aunque el trasfondo del nombre es, sin duda, una tomadura de pelo a la banda The Jimmy Hendrix Experience. El nombre del disco también es otra tomadura de pelo, Diarrhea of a Madman hace alusión al disco de Ozzy, Diary of a Madman.
Bueno, el disco que comentamos ahora es una colección de 18 ridículos e insanos temas, con títulos como "You Want to Suck My Dick", "Faggot on Fire", "Iranian Masturbator", "Washing Yourself" y "Two Smart Guys Fight (About Michelangelo)". Definitivamente nada como para tomarse muy en serio.
Los temas son en general bastante cortos, con la excepción del corte que termina el disco, "Calling Dr. Fong", de exasperantes 18 minutos y medio. En resumen, un disco entretenido, demencial y muy extraño, pero que no deja de ser más que una tontera que no pretende otra cosa que entretener con su locura. Tampoco se trata de una obra muy original puesto que Frank Zappa ya había hecho cosas muy similares a las que se escuchan aquí, y no me cabe la menor duda que Brockie se inspiró en él para hacer este álbum.

DARKSEED - Spellcraft

228.

1997
Alemania
Heavy Metal, Gothic Metal
**1/2
A pocos segundos de escuchar Spellcraft, es inevitable traer a la mente a Paradise Lost en su época más comercial. Y no se trata solamente de la voz de Stefan Hertrich, sino de la onda general de la banda, que suena demasiado a los ingleses. También hay reminiscencias de Metallica y algunas pinceladas de In Flames.
Sin duda este segundo álbum de Darkseed (el primero se llama Midnight Solemnly Dance, de 1996) no destaca por su originalidad, pero tiene suficiente calidad y buenas ideas como para merecer ser considerado al menos por un rato.
Este disco hubiese sido más interesante si no sonara tan radicalmente parecido a Paradise Lost, pues no tiene nada que lo haga sonar especial o único.

DARK TRANQUILLITY - Haven

227.
2000
Suecia
Death Metal
***
Cuestión de gustos, pero disfruté mucho más el disco anterior, Projector. No sé, algo le faltó a Haven. Quizás sean las voces limpias intercambiándose con las guturales, o las voces femeninas, o un tema derechamente suave, como "Auctioned".
Yo había pensado que después de Projector la banda iba a apostar por un sonido cada vez más suave y limpio, pero mis predicciones probaron ser falsas. Dark Tranquillity tiende más a volver hacia sus raíces en este disco, que seguir avanzando por el camino de lo experimental. En todo caso, Haven no deja de ser interesante, y no es un mal disco, pero insisto, creo que no tiene la magia de Projector y representa a la vez un paso en falso.

DARK TRANQUILLITY - Projector

226.
1999
Suecia
Death Metal Sueco
*****
Este es para mi gusto el mejor disco de Dark Tranquillity. Tiene todos los elementos clásicos del sonido del death metal sueco, más las influencias de artistas tan alejados del movimiento death metal, como son Enya y Depeche Mode, aunque actúan como pequeñas pinceladas o toques dentro de una obra que sigue siendo un álbum de metal. Es cosa de escuchar el disco y, con un poco de atención, se notarán las influencias de las que hablo. Por supuesto que el álbum sigue siendo asesino, con un Mikael Stanne en las voces que sigue con un estilo bastante gutural, pero dando cabida a partes limpias, jugando a la vez con ambos tipos de voz en forma alternada. Esto se puede notar claramente en el corte "The Reln".
Hay dos canciones que tienen solamente voces limpias, una de ellas es "Auctioned". Ese tema en particular es una hermosa pieza de ritmo lento, de evidente fuerza, pero muy fácil de digerir. Tiene una preciosa melodía en piano e interesantes guitarras acústicas. Uno de los mejores cortes de este genial álbum.
"Undo Control" también juega con las voces, incluso hay una voz femenina al comienzo de la canción, cosa que ya habían hecho en discos anteriores. "The Sun Fired Blanks" vuelve a terreros derechamente más ásperos, pero dando mucha importancia a la melodía, con unos interesantes riffs de guitarra. En "Day to End", la influencia de Depeche Mode es tan evidente, que uno podría pensar que la parte de los teclados estuvieron a cargo de los ingleses. Ese tema es el otro que sólo tiene voces limpias, y sirve como perfecta antesala antes de la llegada de la poderosa y efectiva "Dobermann", con su ganchero e hipnótico riff inicial. El disco termina con "On Your Time", el tema más rápido del disco, aunque sigue manteniendo la misma vibra y atmósfera de todos los temas anteriores. En resumen, un excelente álbum de death metal sueco, pero no del primitivo, sino de un death metal mucho más abierto a influencias musicales diversas, con gran cantidad de matices, mucha fuerza y excelente calidad artística.

DARK TRANQUILLITY - The Mind´s I

225.

1996
Suecia
Death Metal Sueco
****
Este álbum está justo medio camino entre los brutales y primitivos inicios de la banda, donde lo que mandaba era el ritmo desenfrenado y frenético sin prestar mucha atención a la melodía, y los experimentos musicales mucho más accesibles de Projector. Sigue siendo un álbum muy pesado, muy fuerte y rabioso, pero con claros elementos melódicos. Musicalmente se trata del más puro death metal sueco, con riffs asesinos y mucha potencia. Mi única critica es que el álbum es demasiado largo. ¿Para qué doce temas? Después del séptimo, que empieza en forma acústica y con una voz femenina muy atrayente (que corresponde a Sara Svensson), el disco empieza a ponerse un poco aburrido. Es mi opinión personal, pero creo que con ocho canciones hubiese bastado, considerando que los últimos temas del disco no son tan buenos como los primeros siete, con excepción del tema homónimo, que es un instrumental que sirve para sellar esta buena pieza de metal sueco. Participan en este disco, Mikael Stanne en las voces, Anders Jivarp en batería, Niklas Sundin y Fredrik Johansson en guitarras y Martin Henriksson en el bajo.

DARK TRANQUILLITY - Skydancer/Of Chaos and Eternal Night

224.

1996
Suecia
Death Metal Sueco
***
Este disco compacto se trata de dos trabajos en uno. Skydancer fue el primer álbum, cuando Dark Tranquillity recién empezaba a meter bulla dentro de la escena underground de la ciudad de Gotenburgo, y Of Chaos and Eternal Night fue un EP que apareció en 1995. Ambas piezas tienen un estilo bastante primitivo, sin encontrar en ellas mucha similitud con trabajos más matizados, como The Mind´s I y Projector.
Y aunque las ideas para hacer buenas canciones están presentes en ambas placas, se nota que la banda en esta etapa de su desarrollo artístico aún no había madurado. A la vez, hay cierta tendencia hacia la velocidad y al desorden, lo que hace que los temas no sean de muy fácil asimilación, pero por otro lado, aún en esta temprana época hay algo de experimentación, la cual se materializa en la inclusión de guitarras sin distorsión, voces femeninas, y algunas voces limpias masculinas.
Para mi gusto el mejor tema de estos dos trabajos es "Shadow Duet", canción que supera a todo el resto en cuanto a calidad. Lleno de matices, muestra claramente a una banda con un tremendo potencial, que por suerte se logró manifestar en todo su esplendor en álbumes subsiguientes.
No es lo mejor de Dark Tranquillity, pero sienta las bases de un sonido que luego dominarían.

DARK TRANQUILLITY - The Gallery

223.

1995
Suecia
Death Metal Sueco
****
Segundo disco de estudios de esta importante banda pionera en esto del death metal melódico, cuyas primeras semillas fueron plantadas por Entombed a comienzos de la década de los noventa.
Este álbum nos muestra a Dark Tranquillity sonando mucho más estructurado y coherente que en su primera placa, Skydancer, pero manteniendo la agresividad sónica de aquel disco debut. A la vez, aún no estamos frente al sonido mucho más accesible que The Mind´s I y Projector nos mostrarían un par de años después. Como sea, el asunto es que este material sin duda está más allá de la apreciación de oídos mainstream, pero dentro de la música extrema esto definitivamente no es el final del camino. Una escucha atenta revelará lo melódica que es en el fondo la música, y esto es porque aquí hay un ligero intento de experimentar con esquemas progresivos. Esto último no es fácilmente apreciable, pero está allí, bajo las gruesas capas de guitarras distorsionadas.
Un buen disco sin lugar a dudas, con excelentes ideas, suficientes matices, harta onda y un sonido inconfundible.

DARK THRONE - Soulside Journey

222.

1991
Noruega
Black Metal
****

DARK FUNERAL - Diabolis Interium

221.

2001
Suecia
Black Metal
****1/2
Vaya, esto si que es extremo. Ocho temas del más bestial y abominable Black Metal, que sin cesar golpean los sentidos con cortes cuyos nombres son tan incisivos y violentos como la música que presenta la banda. A modo de ejemplo aquí les van algunos “cariñosos” nombres; "The Arrival of Satan´s Empire", "Goddess of Sodomy" y "An Apprentice of Satan". Muy lindo ¿no lo creen?
Al igual que Vobiscum Satanas, este disco esta producido por Peter Tägtgren (Hyporisy) en los estudios Abyss.
Diabolis Interium eleva el concepto de maldad sónica a alturas insospechadas, generando una muralla de bulla esquizofrénica y demencial que será de las delicias de todos aquellos que siempre andan buscando algo más heavy o más extremo con lo que poder sosegar el alma.
El álbum, al igual que el anterior, recuerda a los clásicos del género, Dissection, especialmente en las melodías frías y desoladoras de las guitarras. Está claro que Dissection era más melódico, pero noto su influencia de manera inconfundible, especialmente en el corte An Apprentice...
Me gusto el álbum bastante. Creo que se trata de un excelente black metal muy bien grabado y con un sonido espectacular (es lo que siempre se espera de los estudios Abyss en todo caso), pero en definitiva no es música para todo el mundo, ni siquiera para todos los metaleros. Demencial.

DARK FUNERAL - Vobiscum Satanas

220.

1998
Suecia
Black Metal
****

DARK ANGEL - Time Does Not Heal

219.

1991
Estados Unidos
Thrash Metal
*****
Última entrega de Dark Angel. Es el más complejo y técnico de los discos de la banda, y para muchos es la mejor placa, aunque puristas siguen aclamando a Darkness Descends como mejor, debido a que es más crudo, más directo y simplemente más bestial que cualquier otro álbum de Dark Angel.
En cuanto a sonido también es el más cristalino, el más limpio y el mejor producido. La producción quedó a cargo del famoso productor Terry Date.
Ahora bien, toda esta mejora en ningún caso le quita una pizca de agresividad a la música del grupo. Con doscientos cuarenta y seis riffs en nueve canciones, y durando sesenta y siete minutos (como decía un poster oficial de este álbum), tenemos alrededor de 27 riffs en promedio por tema, lo que es bajo cualquier prisma, un evidente exceso. Pero no sorprende de una banda que según leí por ahí, se dedicaba a cultivar un “Ultra Heavy Thrash Metal”. No podía estar más de acuerdo con esa singular definición para el arte de Dark Angel, puesto que si hay algo que caracteriza a esta banda desde su segundo disco en adelante es su poco comprometido sonido, su falta absoluta de apego comercial, su capacidad asombrosa de simplemente arrasar con todo como si se tratara de un terremoto descomunal, y de llevar su música hasta los límites del género. Más encima, con un talento musical que no se discute, una más que increíble ferocidad musical, y una fuerza avasalladora que se siente como si a uno le cayeran mil ladrillos en la cabeza desde el cielo.
Lo más destacable de este álbum, aparte de la recarga de riffs asesinos, complejos e intricados, es la asombrosa muestra de dominio y virtuosismo de Gene Hoglan, que no sólo muele su batería y la hace sonar como una descarga de ametralladora, sino que también se encargó de casi todas las letras. Letras fuertes, acerca de temáticas relacionadas con dolor, decadencia, violaciones, traumas, desilusiones, amarguras, desesperanza, descontento y demás tragedias humanas. Hay un tema que va en contra de la religión organizada, "The New Priesthood", que escapa un poco al resto de los temas en cuanto a temática existencial, y se perfila más como la típica temática metalera. Las letras son muy largas, claras, directas y con un mensaje claro: la vida no es dulce. Y este álbum lo que menos tiene es una pizca de dulzura. Lo único que se podría criticar del álbum es que las canciones son muy largas, pero considero que ese es un detalle menor dentro de una obra maestra de thrash metal como nunca más se volvió a hacer.

DARK ANGEL - Live Scars

218.
1990
Estados Unidos
Thrash Metal
**1/2
Disco en vivo de los malditos Dark Angel. Lamentablemente no logra capturar la esencia del furioso estilo de la banda. Ciertamente en estudio suenan mucho mejores. Por otro lado, el sonido y producción de esta placa no es de lo mejor. Suena sucio, quizás demasiado, y un tanto débil. Aquello sin duda no le hace justicia a las violentas canciones del grupo.
Estrictamente para los fans más acérrimos.

DARK ANGEL - Leave Scars

217.

1989
Estados Unidos
Thrash Metal
*****
Luego de una pausa de más de tres años tras la edición de Darkness Descends aparece Leave Scars, debutando en las voces Ron Rinehart en reemplazo de Don Doty. Es un álbum tan o más radical y pesado que Darkness Descends, aunque no se parece mucho en cuanto a sonido. Leave Scars es un álbum muy sucio, con un sonido bajo, poco cristalino. Esto, al contrario de lo que uno podría pensar, da un feeling de agresividad y pesadez que eleva a la banda a niveles de extremismo musical no conocidos a fines de los años ochenta. Es cosa de poner esta placa a todo volumen y entenderán exactamente lo que trato de explicar en palabras.
El disco comienza con la frenética "The Death Of Innocence", ideal para comenzar la paliza sónica de esta brutal agrupación de Los Angeles, California. Sigue la pesimista "Never To Rise Again", con su ganchero coro; “We are never, to rise again” y que resultaría ser profética en cuanto a la carrera de la banda, que desde 1991 no ha vuelto a grabar un disco. Prosigue "No One Answers", que trata de una victima de violación a la cuál nadie acude a pesar de sus gritos. Interesante la línea “No one answers, so shut up and accept your fate !” (Nadie escucha, ¡así que cállate y acepta tu destino!). Y es con este tema cuando realmente el desorden, la violencia, la bulla y la destrucción se hacen presentes de forma aniquiladora gracias a la dupla de guitarristas compuesta por Jim Durkin y Eric Meyer, que potenciados por el bajista Mike González, y la batería incesante de Gene Hoglan, no hacen otra cosa de dejar una impresionante carnicería, intercambiándose cacofónicos solos de guitarra y creando una muralla de riffs asesinos que no tienen comparación con casi nada.
Como si todo aquello no hubiese sido suficiente, continua el instrumental "Cauterization", y la golpiza sigue sin que al parecer se vea alguna posibilidad de que el azote termine pronto. "Immigrant Song" pone la nota diferente al disco, ya que se trata de un cover de Led Zeppelin, claro, ejecutado a lo Dark Angel, pero de todas maneras es lo más relajado del disco. "Older Than Time Itself", tema que trata sobre la avaricia y el egoísmo, vuelve a impactarnos, aunque esta vez de manera más compleja, debido a lo poco usual de los riffs. "Worms" es un extraño y demencial tema instrumental que sirve de antesala para la desesperada y poco optimista "The Promise of Agony", canción que recrea los pensamientos de un tipo que lo único que quiere es suicidarse ya que ha perdido toda fe en la vida. ¡Pura felicidad y optimismo! Jajajajajajaja. Finaliza la tortuosa sesión musical con la potente y rápida "Leave Scars", tema que es algo así como una declaración de principios del señor Hoglan.
Definitivamente un disco para verdaderos amantes de música extrema y no para aquellos que prefieren su café descafeinado y con Nutrasweet. Música fuerte, cruda, visceral, sin compromisos y sin pelos en la lengua. Si a alguno de ustedes después de escuchar este disco les viene en gana pegarle a alguien, les digo de antemano que aquello no sería, para nada, una reacción anormal, diría que es lo esperable.

DARK ANGEL - Darkness Descends

216.
1986
Estados Unidos
Thrash Metal
*****
Es un placer para mí comentar cualquier cosa de estos monstruos del thrash, en especial si se trata de este gran álbum. Diez veces mejor que el malogrado debut We Have Arrived, Darkness Descends fue el trabajo que en definitiva lanzó a la fama a esta brutal banda. Tocando más rápido y más intensamente que todo el mundo, sólo Slayer, con su Reign in Blood, y Exodus con su Bonded by Blood podían hacerles el peso. Y es motivo de discusión entre thrashers entendidos decidir cuál de esas tres bandas era la más violenta. Para mi gusto, y por supuesto sin desmerecer a Slayer o Exodus, creo que Dark Angel es el rey.
Descargando a través de apenas siete canciones un asalto auditivo para el cual el mundo no estaba preparado en 1986, el álbum redefine el término “bulla”. Y no se trataba de cualquier bulla, más sí de un desplante técnico asombroso y un talento sin precedentes para entregar composiciones que 17 años después siguen sonando abrumadoramente aplastantes. Tema tras tema, Darkness Descends no para en su incesante e intenso machaque sónico, destacando entre otros, el tema homónimo, "The Burning of Sodom", "Hunger of the Undead", "Mercyless Death", y "Perish in Flames". Este último, su número más agresivo y que acertadamente cierra el álbum.
Por otro lado, la batería de Gene Hoglan se roba la película, tocando mucho mejor que el baterista Jack Schwartz del primer álbum, y el doble asalto en guitarras a cargo de Eric Meyer y Jim Durkin muestra una no despreciable cantidad de interesantes y asesinos riffs. Tampoco se quedan atrás ni Mike González, el bajista que reemplazó a Bob Yahn, quién estuvo en el primer álbum, ni Don Doty, esta vez cantando mucho mejor que en el debut. Su voz, a medio camino entre lo limpio y lo gutural calza a la perfección con el resto de los elementos. Hoglan, por su cuenta, no solo nos deja boquiabiertos con su deslumbrante técnica, sino que también nos sorprende con sus letras, muy locuaces, y definitivamente no la típica horneada de bandas del estilo.
Resumiendo, un álbum que sigue siendo ya pasados 17 años desde su aparición, una placa absolutamente necesaria e imprescindible dentro del thrash metal. Imperdible.

DARK ANGEL - We Have Arrived

215.

1984
Estados Unidos
Thrash Metal
**
Primer álbum de estudio de esta oscura y agresiva banda americana, y un primer intento francamente pobre y decepcionante. Años luz de lo que vendría a ser su álbum más devastador y maligno, Darkness Descends, el segundo en su carrera, que mejor producido y con mejor sonido, lograría captar todo el poderío e increíble desplante de energía y adrenalina que eran capaz de generar estos verdaderos dementes. Basta escuchar el tema "Mercyless Death", que aparece en este álbum, y que vuelve a aparecer en Darkness Descends, para darse cuenta de la diferencia que existe en cuanto a sonido y calidad. Por otro lado, si se comparan los discos exitosos de música metalera que aparecieron el año 1984 con este álbum, notarán que la diferencia en cuanto a sonido es demasiado notoria.
En cuanto al álbum, obviando los asuntos ya expuestos, este es de regular calidad, siendo "Welcome to The Slaughter House" lo mejor del trámite. Por otro lado, We Have Arrived es un pésimo nombre para un álbum thrash si lo vemos desde el punto de vista marketero. “Hemos Llegado”, no dice mucho, Darkness Descends, o “La oscuridad desciende”, es un título lo suficientemente aterrador como para ser dignos de ser rotulados como malditos thrasheros. "No Tomorrow" es otro tema bastante bueno, con un aire rockanrolero que dista mucho de las producciones venideras, pero con un sonido de guitarra que volveríamos a escuchar en Leave Scars y Time Does Not Heal, tercer y último disco respectivamente.
Un punto importante que hay que destacar es que para este álbum tocó batería Jack Schwartz, que lamentablemente no se compara con Gene Hoglan. Hoglan, aunque aparece en los créditos de este disco tocaría recién en el segundo disco, y es él el que logró inyectar un nuevo nivel de agresión sónica en el sonido de Dark Angel además de convertirse en principal compositor y autor de gran parte de las letras.

DANZIG - Blackacidevil

214.
1996
Estados Unidos
Rock Industrial
***
El quinto disco larga duración de Danzig es un alejamiento absoluto del modelo musical reconocible de los cuatro discos anteriores. Y no es de extrañar considerando que para esta entrega Danzig tenía una banda con nuevos integrantes, con la excepción del batero Joey Castillo, que venía tocando desde Danzig 4. Hacen su aporte también, Joseph Bishara (teclados y programación), Josh Lazie (que toca el bajo en un solo tema, "Sacrifice") y Tommy Victor, el conocido vocalista y guitarrista de Prong, que curiosamente no sale mencionado en ninguna parte dentro del librillo del disco compacto.
Blackacidevil es un disco experimental, influenciado por las texturas de la música industrial y el tecno. Depeche Mode es la influencia más palpable, notándose claramente en temas como "Serpentia", "Come to Silver" y "Ashes".
Para los fans este trabajo seguramente fue un trago amargo, una violación a lo que Danzig significaba para ellos, un disco par el olvido, o simplemente una enorme decepción. Y claro, este álbum se parece tan poco a los cuatro álbumes anteriores que no hay que sorprenderse si la mayoría de los fans nunca lo entendieron. Lo que sí se mantiene inalterable es la inclinación del señor Danzig hacia la temática de lo oscuro y satánico, aunque con un convencimiento débil y flojo.
Resumiendo, un disco no típico del señor Glenn Danzig, quién demuestra a la vez que el único líder de la banda es el mismo, y que hace lo que le viene en gana, sin importarle cuan bien recibidas serán sus locuras musicales. Para los fans de antaño, una más que probable desilusión, para el resto del mundo, una interesante propuesta musical. Como nota anexa, les comento que "Hand of Doom: Version", es un cover de Black Sabbath, una de las bandas que más ha influido en el desarrollo de la música de Danzig.

DANZIG - 4

213.

1994
Estados Unidos
Heavy Metal
***
Los cuatro miembros originales de Danzig; Chuck Biscuits, John Christ, Eeerie Von y por supuesto Glenn Danzig se mantuvieron hasta este disco. Durante el tour del mismo, el baterista Biscuits deja la banda, siendo reemplazado por Joey Castillo. Es el primer cambio importante, pero no el último. Finalizando el tour, Danzig desintegra su grupo y forma una nueva versión, con miembros totalmente nuevos, con la excepción de Castillo.
Tomando todo esto en consideración podemos pensar que este es el último disco con la formación clásica de Danzig, el último que mantiene una línea estilística fácilmente identificable, y el último de una serie de trabajos que dejaron una huella importante dentro del rock. En efecto, el disco que viene después de 4 es tan distinto a lo que solía hacer la banda que perfectamente podemos hablar de un cambio radical y una nueva era dentro de la música de Danzig. Desde luego, 4 ya viene anunciando un cambio, con una propuesta mucho más suave y comercial que los tres discos anteriores. Incluso los fans lo consideran un disco flojo, y yo opino lo mismo, pero de todas maneras no es un mal disco.
4 viene con doce temas seguidos, más un tema que está escondido y que viene luego de una larga pausa de tres minutos y algo, totalmente innecesaria a mi parecer. Pero más innecesario todavía, y hasta infantil, fue dividir los tracks del compacto en 66 partes y hacer que el disco dure 66 minutos. ¡Por favor! ¡Hasta cuando con la tontera! No sé que tan malo o satánico sea el señor Danzig, pero el tipo se toma la molestia de recordárnoslo, aunque de formas que ya no impresionan a nadie, por lo menos nadie que no sea un púber impresionable.

DANZIG - Thrall-Demonsweatlive

212.
1993
Estados Unidos
Heavy Metal
***
EP que está entre los discos Danzig III y IV. Viene con tres canciones de estudio y cuatro canciones en vivo, estas últimas grabadas en Irvine Meadowa, California, el 31 de Octubre de 1992. Siete canciones en total y un poco más de 28 minutos, y eso sería todo. De las canciones de estudio destaca la blusera "Trouble", canción que no está escrita por Danzig, sino por Jerry Leiber y Mike Stoller, y de las en vivo, la popular "Mother", aunque personalmente me quedo con la sabática "Am I Demon".
Un buen disco, a pesar de su título irrisorio. ¿"Esclavitud - Sudor de demonios en vivo"? ¡Por favor! Incluso suena gay.

DANZIG - Danzig III - How the Gods Kill

211.

1992
Estados Unidos
Heavy Metal, Hard Rock
****
Tal como lo señala el título del disco, esta es la tercera entrega de la banda liderada por el carismático Glenn Danzig. Se trata, en esencia, de lo mismo que ya venía haciendo en sus discos anteriores, pero con un sonido más metalero, mayor tenebrosidad, y cada vez más oscuridad (¡Oh que miedo!).
El disco está producido por el mismo Glenn, aunque con aporte de Rick Rubin (también conocido por producir a Slayer), y que ya había participado en los dos discos anteriores. Destaca el corte "Dirty Black Summer", la única canción con sabor a single, en la onda del hit "Mother", del primer disco. El resto es mucho más depresivo y oscuro, aunque fuerte y potente, destacando el tema central "How the Gods Kill", que tiene un gran y certero riff. Comentario aparte merece la portada del disco, que es un detalle de la obra "The Master and Margarita", de H.R. Giger, el genial artista suizo de lo macabro. Se puede apreciar la obra en su totalidad al sacar el librillo de la caja del compacto y extenderlo. Una singular pieza de un artista que ha participado en portadas de discos de Celtic Frost, Carcass y Debbie Harris (vocalista de Blondie), entre otros.

DANZIG - Danzig II - Lucifuge

210.
1990
Estados Unidos
Heavy Metal, Hard Rock
****
Danzig siempre ha hecho gala de poseer una evidente inclinación hacia la oscuridad y los poderes del mal, y aunque su postura no es tan explícita como en otras agrupaciones de música rock (como Venom y Mercyful Fate, por dar dos claros ejemplos), eso no quiere decir que no exista. Por ejemplo, el librillo del disco compacto se abre de tal manera que forma un cruz invertida con la foto de los integrantes en cada una de las puntas de ella, ¡aunque también podría ser una cruz normal con los personajes al reves! Yo no sé que tan malvados sean los miembros de Danzig, pero si me preguntan a mí, yo les digo que no compro mucho la pose de los tipos, especialmente la de Glenn. Pero bueno, en realidad poco o nada importan estas cosas cuando se trata de escuchar buena música. Y lo que tenemos aquí es buena música.
Personalmente me gustó más este disco que el debut. Considero que está más matizado y que tiene un sonido más poderoso que el primer disco. Lo que sí se mantiene es la onda de la banda y la voz característica de Glenn. Al igual que en el primer disco, hay un acercamiento hacia el blues. Esto se nota de forma inequívoca en el quinto tema "I´m the One", un verdadero blues que recuerda a la leyenda de Hooker. Volvemos a encontrar el blues y la slide guitar en "777" y "Blood and Tears". En general hay blues por todas partes. Pero no sólo encontramos esa innegable influencia. El aporte de Black Sabbath también se hace presente. Es cosa de escuchar "Her Black Wings". En resumen, un excelente disco que supera con creces el tibio (aunque digno) primer trabajo.

DANZIG

209.

1988
Estados Unidos
Heavy Metal, Hard Rock
***
Danzig se formó por Glenn Danzig, tipo que venía de liderar a los míticos Misfits. Antes de formar el grupo que llevaría su apellido, crea Samhain, agrupación que no perduró en el tiempo. Danzig nace oficialmente como banda en 1987, y Glenn junto con Eerie Von en el bajo, John Christ en la guitarra (que tocaba en Samhain) y Chuck Biscuits en la batería, lanzan este buen debut un año después.
Un disco parejo, sin muchas sorpresas, donde destaca "Mother", canción que casi llega al Top 40 americano.
En general el disco es de fácil escucha, pero un poco monótono ya que las canciones se parecen bastante entre sí. Los riffs son simples, pero resulta interesante el uso que hace Danzig del blues, incorporándolo en forma certera y convincente. No es lo mejor de Danzig, pero es un inicio digno.

DANIEL MELERO - 2

208.
1998
Argentina
Pop
****
Lo que más llama la atención de este trabajo de Daniel Melero, que también es compilatorio como "1" es que no suena para nada como aquél. Resulta muy interesante la capacidad de este músico de poder mutar su música de una cosa a otra completamente distinta, y de hacerlo con talento y maestría. Más aun, manteniendo su sello inconfundible. No hay duda que se trata de un tipo muy talentoso.
En esta oportunidad Melero deja de lado el tecno y reduce su propuesta a voz y piano, sin más instrumentos. Canta Melero y el piano lo ejecuta Diego Vainer.
El disco es muy relajado y bastante melancólico, y además tiene la gracia de haber sido grabado en sólo dos días, y de no contar con sobregrabaciones ni ediciones. Así al menos lo estipula Melero dentro del librillo del disco compacto.
De los quince temas que componen este trabajo, resalta "Trátame Suavemente", canción más conocida en versión de Soda Stereo.

DANIEL MELERO - 1

207.

1998
Argentina
Electrónico, Tecno, Experimental
***
Como podrían fácilmente adivinar, este pareciera ser el primer trabajo como solista del músico argentino. No, sólo se llama "I". Está editado por Bizarro Records, una compañía disquera cuyo singular nombre reflejaría más que mil palabras lo que es este trabajo de Melero si significara el equivalente Bizarre del inglés, cosa que no es tal.
Quizás para muchos Daniel Melero sea un nombre totalmente desconocido, pero este músico argentino es bastante conocido en su país natal. Entre otras cosas trabajó con Soda Stereo en varias oportunidades, creando letras, como también aportando instrumentación con sintetizadores. Pero no crean que esta placa tiene algo que ver con la famosa banda trasandina. Aquí Melero parece volcar toda su creatividad y su locura en temas fríos y exacerbadamente maquinales, de indudable corte tecno, hipnóticos y minimalistas, y sin una pizca de sentido comercial. Once canciones caminando por el lado más extraño de la música, con la excepción, quizás, de "Déjate Querer", único corte con sabor a single. Otro punto interesante son las letras del músico, crípticas y oscuras que dejan mucho a la imaginación. A raíz de aquello, me vinieron a la mente las letras de Charly García, que en ocasiones parecen ser palabras sin sentido y que nublan la mente. El mismo efecto demencial genera Melero con su interesante trabajo.

CYNDI LAUPER - A Night to Remember

206.

1989
Estados Unidos
Pop
***
Después del gran éxito que fue el primer álbum de Cyndi Lauper, el famoso She´s so Unusual, la artista americana nunca pudo volver a generar el mismo nivel de impacto en el público mainstream, aunque su segundo álbum True Colors alcanzó a vender su millón de copias.
A Night to Remember es su tercera placa, y a pesar de que logró posicionar el corte I Drove All Night en el top ten americano, no logró vender un millón de copias. Y aquello dentro del pop es en definitiva una desilusión tanto para el artista como para la compañía disquera.
Ahora bien, sin importar el hecho de que a esta altura Cyndi Lauper ya había tenido sus quince minutos de fama y que no pudo consolidar su carrera de la manera (magistral) en que lo hizo Madonna, hay que reconocer que A Night to Remember no es un mal disco. Sin duda que no tiene infecciosos cortes pop como Girls Just Wanna Have Fun o She Bop, o magníficas baladas como Time After Time o All Through the Night, pero el disco se defiende con buenas canciones, pocas de ellas de relleno, destacando obviamente el hit ya mencionado. Otros buenos cortes son Heading West, el tema homónimo y Unconditional Love.
No es ni el mejor ni más famoso disco de Cyndi, pero definitivamente no es algo como para sepultar sin darle al menos una chance en el equipo estéreo.

CYNDI LAUPER - She´s So Unusual

205.

1984
Estados Unidos
Pop
****
Esta nativa de Nueva York ya había estado involucrada en el mundo de la música antes de que, éste, su primer disco solista, la hicieran una estrella de la música. Estuvo en una banda que creó junto a John Turi, llamada Blue Angel. No pasó mucho con ello, alcanzando a grabar un solo disco antes de disolverse.
Lauper, quién abandonó la secundaria para dedicarse a la música, empezó cantando en bandas de covers, y luego de Blue Angel pasaría un tiempo cantando por locales y restaurantes de su zona, hasta que un buen día su novio y manager David Wolf le consigue un contrato discográfico con Portrait Records. Un año después lanzaría este disco, que en su momento llegó a vender cinco millones de copias y logró ubicar cuatro singles en el top ten americano, incluyendo el que fue su tema más universalmente conocido, Girls Just Want to Have Fun. Aquel tema incluso llegó a ser un himno para hordas de jovencitas quinceañeras que no solo tomaron aquel tema como un grito de guerra, sino que a la vez copiaron el desaliñado y descuidado look que Lauper mostraba en el video del mismo tema.
Pero hay que advertir que gran parte del impacto de Cyndi y su debut debe una cuota de gratitud a Mtv. Ellos pasaron los llamativos y coloridos videos de los singles gran cantidad de veces haciendo de Lauper un nombre de la casa para millones de personas en todo el mundo. De todas maneras, aquello no desmerece de ninguna forma lo sorprendentemente bueno que resultó este disco, con canciones que el tiempo ha demostrado que pertenecen a los clásicos de los ochenta sin lugar a dudas.
Lamentablemente Cyndi Lauper no pudo superar este gran debut, y posteriores trabajos vieron un descenso, casi predecible, en su popularidad. Su segundo álbum True Colors (1986) logró posicionar su tema homónimo en el número 1, y vendió bien, pero por supuesto que su éxito fue pequeño en comparación al debut. Su tercer álbum, A Night to Remember fue incluso menos exitoso y demostró que el tiempo de Lauper ya había pasado. Cyndi siguió grabando durante los noventa pero sin generar mayor impacto comercial, con la excepción del disco recopilatorio 12 Deadly Cyns and Then Some. Allí venía un remix del tema Girls Just Want to Have Fun que logró llegar al número uno 1 en el Reino Unido.

CRYPTOPSY - None So Vile

204.

1996
Canadá
Death Metal
****
Cryptopsy se especializa en Súper Ultra Heavy Brutal Death Metal y su material no es para gente cardiaca. Este EP de ocho canciones es una buena muestra de su arte demencial que explota todos los elementos del death metal llevándolos al extremo dentro de lo extremo; voz gutural combinada con gritos espeluznantemente enfermizos, temática gore (nótese los títulos de algunas canciones; Slit Your Guts y Dead And Dripping), radicales, aplastantes e imponentes riffs de guitarra, solos complejos y cacofónicos, y un trabajo en batería de bestial ejecución a cargo de Flo Mounier.
Lo interesante de esta banda que para el neófito podría sonar no más que un montón de bulla sin sentido ni dirección, es la efectividad de sus músicos a la hora de desencadenar el más despiadado de los azotes sonoros, con gran técnica y absoluto convencimiento, situándolos inmediatamente con los grandes del género.
A pesar de que la placa tiende a caer en la monotonía, los casi treinta y dos minutos que dura dan la dosis justa y precisa de bestialidad musical. El punto culminante ocurre con el sexto tema, Phobobile, el mejor tema del álbum y que con su introducción en piano da un ligero y corto descanso a la violencia sónica precedente. Pero el descanso es corto, luego que al cabo de unos segundos volvemos al atronador sonido de la banda.
Un disco arrollador, insano, bastardo y demoledor que recuerda bastante al estilo de Suffocation mezclado con algo del grindcore de Brutal Truth. Bonito.

CROWN OF THORNS - The Burning

203.
1995
Suecia
Death Metal

**1/2

CRISIS - The Hollowing

202.
1997
Estados Unidos
Hardcore Metal
***
Crisis es un trío compuesto por Afzaal Nasiruddeen en guitarra, Gia Chuan Wang en el bajo y Karyn Crisis en las voces. En este álbum se han apoyado en no menos de cinco músicos más pero no forman parte estable de la banda.
Musicalmente ejecutan un metal tipo hardcore con sonido noventero, con algunas pinceladas industriales, más lento que rápido, de gran pesadez pero estilísticamente plano y de escasa técnica. La música va directo al hueso en su aplastante y asfixiante propuesta, destacando la voz demencial de Karyn que no tiene problemas de vociferar los más atroces gritos. En algunas partes canta más suave, pero en general se inclina hacia los gritos que a más de alguno podría dejar con un severo dolor de cabeza. Cuesta digerir el disco, y cuesta aún más escucharlo entero. Crisis, ciertamente ha acertado con su nombre, pues describe muy bien de que se trata su música, capaz de generar una verdadera crisis nerviosa en más de algún oyente. Es el tercer álbum de estudio de la banda.

CRIMINAL - Slave Master Live

201.
1998
Chile
Thrash Metal, Death Metal
****1/2
Si habíamos quedado con gusto a poco con Live Disorder, con Slave Master Live Criminal nos complace sobradamente, entregándonos quince temas, aunque, ojo, solo diez son en vivo. Pero eso ya es más que los seis de Live Disorder. Y aunque el álbum tiene un título que da a entender que se trata de un disco en vivo, la verdad es que es más que eso.
El primer tema, Slave Master, se extrajo del disco Dead Soul, por lo tanto no es en vivo. Los siguientes diez temas son en vivo y los últimos cuatro corresponden al demo Forked, de 1992. Todo un regalo para los fans. Vamos a los temas en vivo. Estos fueron grabados el 19 de Octubre de 1997 en el estadio Chile, ¡para un recital donde yo estuve presente! Se trataba de un concierto donde se presentaban además de Criminal, la banda inglesa Napalm Death. Recuerdo que fue un recital memorable, y no lo digo solo porque esta banda sea chilena y me esté inclinando a favor de ella. No, trato de ser objetivo, y lo objetivo aquí es que ese recital fue sencillamente impresionante. Además, la banda principal era Criminal. Napalm Death tocó primero y ofrecieron una descarga de adrenalina alucinante. Al terminar ellos, apareció Criminal, contando con un apoyo realmente admirable de parte de sus miles de fans. Hubo hasta efectos especiales y fuego.
De esa muestra de Criminal en vivo una de las cosas más interesantes es lo que ocurre en el corte Demoniac Possession, original de Pentagram. Mitch Harris de Napalm está como guitarrista invitado en ese tema, y con ello demuestra la enorme e insospechada influencia que tuvo Pentagram en bandas como Napalm por sólo dar un caso. ¡Que bueno es Demoniac Possession!, posiblemente el mejor tema death metal que alguna vez banda chilena haya hecho.

CRIMINAL - Dead Soul

200.
1997
Chile
Thrash Metal, Death Metal
***1/2
Para cuando salió este álbum, Criminal era compuesto por Anton Reisenegger (guitarra y voz, y fundador de los míticos Pentagram), Rodrigo Contreras (guitarra líder), Juan Francisco Cueto (bajo), y Jimmy Ponce (batería). De aquellos, hoy en día sólo queda Anton y Rodrigo, que luego emigraron a Europa. Dead Soul es la segunda placa larga duración, siendo la primera Victimized.
Bueno, la banda del ex Pentagram (banda que influyó a grandes agrupaciones del metal underground en Europa, y que hoy se considera de culto), nos presenta en esta oportunidad doce buenos temas del más puro death/thrash.
Es un disco bastante parejo, sin grandes matices, pero cargado con canciones potentes, fuertes y directas, todas cantadas en inglés, excepto Hijos de la Miseria, que es uno de los mejores temas del disco, junto com Scapegoat, SSS, Slave Master y Collide.
La producción está al nivel de lanzamientos de grupos foráneos, y creo que la idea de desplazar la banda hacia el viejo continente no hará otra cosa que establecerla dentro sitiales más privilegiados de los que podría haber alcanzado en Chile. Como dicen por ahí; “Nadie es profeta en su propia tierra”.

CRIMINAL - Live Disorder

199.
1996
Chile
Thrash Metal, Death Metal
***
La más grande de las bandas metaleras de nuestro país, y que ahora trata de hacerse de un nombre en el viejo continente, nos presenta con Live Disorder seis temas en vivo en no más de 21 minutos de potente thrash metal. Grabado en Santiago en el mes de Noviembre de 1996 en un lugar no especificado, contiene los temas Psychopath, White Hell, Under My Skin, Slave Master (adelanto de un tema del disco Dead Soul de 1997), y los clásicos Self Destruction y New Disorder.
El sonido del disco es muy poderoso, y cuesta creer que sea en vivo, pero aquí no hay truco alguno. Personalmente he visto a Criminal en vivo no menos de cinco veces, y lo que aquí se escucha es lo que la banda ofrece en directo. Así de bien suenan en vivo y con una potencia que sólo aquellos que alguna vez han estado en un recital de heavy metal pueden realmente vislumbrar.
Lo único malo de este disco es que es muy corto. Uno queda con gusto a poco.

CREED - Human Clay

198.

1999
Estados Unidos
Post Grunge, Heavy Metal
****

CRASH TEST DUMMIES - A Worm´s Life

197.

1996
Canadá
Rock/Pop Alternativo
****
Esta banda tuvo un éxito radial en 1993 con un tema de increíble simpleza ortográfica. MMM MMM MMM MMM se llamaba, y aludía a esa expresión o sonido gutural que más de alguna vez todos nosotros hemos emitido cuando nos topamos con algo que nos produce algún tipo de duda o nos deja perplejos. Ese hit venía en el disco God Shuffled His Feet, del mismo año, y fue el único hit de la banda. Anteriormente habían editado The Ghosts That Haunt Me (1991). Luego de God..., pasaron tres años para que la banda (un quinteto) apareciera con disco nuevo. Y cuando aparece finalmente A Worm´s Life, el público masivo (tan influenciado por los vaivenes de la moda) ya se había olvidado de ellos. No hubo ningún hit con este disco, pero la banda logró volver a crear buena música. Música que podríamos definir como un rock/folk de corte alternativo, con sus pequeñas pinceladas de pop, de letra divertida e inteligente, y con un vocalista que basta escuchar una sola vez para no olvidar su particular tono nunca más. Leí en una biografía que se trataría de un baritono, o sea, de voz que media entre la de un tenor y un bajo. Bueno, este baritono se llama Brad Roberts, y aparte de cantar, toca la guitarra. Lo acompañan en esta placa, Ellen Reid en las voces de apoyo y en el teclado, Benjamin Darvill en la armónica y otros instrumentos, Dan Roberts en el bajo, y Mitch Dorge en la batería, percusión y “cosas digitales”, como se lee en el librillo del disco compacto.
Mención aparte las letras, verdaderos poemas llenos de humor fino y de una recursividad realmente admirable. Algunas personas las encuentran extrañas, y de hecho lo son, pero son entretenidas y muy inteligentes.

CRADLE OF FILTH - Lovecraft & Witch Hearts

196.
2002
Inglaterra
Black Metal, Black Metal Sinfónico, Heavy Metal
**1/2
Disco doble que recopila 24 temas de esta importante banda. Hay varias sorpresas en este álbum, como versiones distintas a las que salen en los discos de estudio, algunos covers, específicamente Hell Awaits de Slayer y Hallowed Be Thy Name de Iron Maiden, pero más allá de eso, para cualquier conocedor de Cradle of Filth este material no resulta para nada imprescindible. En su mayor parte es lo mismo a lo que ya nos tenían acostumbrados con sus discos de estudio, con la excepción de temas como Twisting Further Nails y Dance Macabre, que nos muestran a un Cradle of Filth electrónico totalmente desenfocado y decadente que pretende ser algo que no es. Esos dos temas escapan absolutamente a lo que Cradle of Filth representa. En pocas palabras, podríamos decir que es la muestra fehaciente de que la banda a empezado a venderse y a transar su propuesta para poder alcanzar mayores mercados. Todo sea por vender.
En fin, obviando aquellas malas maniobras de marketing, el álbum entretiene un rato, pero creo que un disco doble de Cradle of Filth, considerando el tipo de música que desarrolla, es simplemente demasiado. Un exceso de música para una banda que funciona mejor en formato de disco de estudio. Además, hay que reconocer que Cradle of Filth desde su cuarto álbum de estudio ha repetido su fórmula ganadora una y otra vez, alcanzando cada vez menos impacto, y este álbum es una repetición continua de su esquema y que en ningún momento sobrepasa los mejores momentos de los álbumes Vempire, Dusk...And Her Embrace o Midian.
En definitiva, un disco insulso absolutamente prescindible.

CRADLE OF FILTH - Midian

195.
2000
Inglaterra
Black Metal, Black Metal Sinfónico, Heavy Metal
****
Había perdido la pista de la banda desde el disco Dusk... and Her Embrace, aunque estaba al tanto de que seguían sacando discos y que habían sufrido algunos cambios de integrantes. Pasaron unos cuatro años sin escuchar su material más nuevo hasta que me topé con esta producción del 2000 que vine a escuchar recién el 2002. Ansioso estaba por escuchar esta placa para saber qué me estaba perdiendo. Lo primero que me percaté es que la banda no había cambiado mucho su dirección musical. Los temas largos siguen siendo predominantes, al igual que la prosa poética, también la onda y la vibra de la banda siguen intactas, aunque quizás de la impresión de que no esté aportando nada nuevo. Aún sigue cantando mayoritariamente Dani, que le da a la banda toda esa onda malévola, aunque ya no resulta ser tan repulsivo y enajenante como antes. Quizás ya me acostumbré a su voz y ahora no la encuentro tan radical. Puede ser que sea un problema de percepción, por que estoy más que seguro que cualquiera que escuche este álbum sin haber escuchado nada de la banda antes lo encontraría bastante extremo. También sigue Sarah Jezebel Deva con su canto etéreo y fantasmal.
El disco comienza con una introducción instrumental muy cargada a los teclados, At the Gates of Midian, de excepcional fuerza, prosiguen Cthulu Dawn, Saffron´s Curse, Death Magick for Adepts, Lord Abortion, y hasta aquí me he entretenido bastante. Amor E Morte es un tema algo distinto ya que incluye un solo de guitarra, pero básicamente es más de lo mismo. Creatures That Kissed in Cold Numbers es la pausa instrumental, que con los teclados omnipresentes dan un poco de respiro a la carnicería que significaron los temas anteriores. Pero el respiro es corto, porque luego vuelve al acecho Her Ghost in The Fog, en la misma línea que los temas anteriores al instrumental. Satanic Mantra no es una verdadera canción, ya que se trata de una oración satánica o algo así (!Oh que susto!). Tearing the Veil From Grace vuelve a la agresión, aunque con mayor cantidad de matices y cambios que la mayoría de los otros temas, incluyendo unos cánticos femeninos que me recordaron a Therion de tiempos del disco Vovin. El disco finaliza con Tortured Soul Asylum.
El disco es muy parejo, casi predecible, muy parecido a todos los trabajos anteriores de la banda, y sin ningún tipo de arriesgada experimentación. Es un álbum hecho a la medida de los fans, muy bueno y entretenido, pero es innegable que Cradle of Filth está repitiendo la formula de su éxito, y eso es peligroso, ya que la gente podría empezar a aburrirse de ellos.

CRADLE OF FILTH - Cruelty and the Beast

194.
1998
Inglaterra
Black Metal, Black Metal Sinfónico, Heavy Metal
***1/2
Este álbum sigue básicamente con lo mismo de siempre. Mucha velocidad, teclados, juegos de voces guturales y chillonas, ambientaciones desoladoras y tenebrosas, un evidente trasfondo satánico -que a mi juicio es más pose marketera que nada-, harta melodía, y el uso de voces femeninas en algunos pasajes. Lo nuevo es que se nota en Dani Filth una mejor voz. Chillona como siempre, pero mejor expuesta.

Cruelty es un álbum largo, cercano a los setenta y cuatro minutos, y no tan bueno como las dos placas anteriores, aunque los covers al final del disco le dan un toque bastante especial. Interesante la interpretación de Hallowed be Thy Name de Iron Maiden y Black Metal de Venom. Pero de todas maneras eso no es suficiente como para que no podamos decir fríamente que es el álbum más flojo de la banda hasta ahora, aunque acepto que lo que digo es altamente discutible.
Esta vez Cradle no ha impactado como antes lo había hecho. Lo que sucede es que uno ya sabe a que atenerse con ellos, y eso definitivamente le quita emoción a álbum. La música es extrema y para oídos especiales, claramente música underground, pero que no supera la vara impuesta por Dusk.., el mejor disco.
Resumiendo, un disco bestial y extremo, con el típico sonido de la banda, pero que nada nuevo muestra.

CRADLE OF FILTH - Dusk and Her Embrace

193.

1997
Inglaterra
Black Metal, Black Metal Sinfónico, Heavy Metal
*****
Segundo disco de estudio (Vempire es un EP) de esta perturbadora banda. Es al mismo tiempo el primer álbum que escuché de ellos. Y fue a gracias a un amigo que quedó bastante alucinado cuando descubrió esta placa. Él me dio a conocer este disco, quedando yo también muy impresionado. Desde aquel día mi inclinación por la música extrema no ha hecho otra cosa que acentuarse.
Recuerdo que en la época pensé que simplemente no había posibilidad alguna de sobrepasar el nivel de agresividad sónica que había alcanzado este grupo con esta producción. El tiempo demostraría que era posible superarla, al menos en ese aspecto, y creánlo o no, ¡hay cosas más extremas que ésta!
La propuesta continúa con lo trazado en los álbumes anteriores. Hay bastante melodía, mucha rapidez, muchos cambios, y excelente talento compositor. La voz cuesta un poco asimilarla, ya que realmente los gritos de Dani Filth (así se hace llamar) son algo para horrorizar y espantar a cualquier hijo de Dios. No es la típica voz gutural death metal, sino que se trata de una voz mucho más aguda, desquiciante y enfermiza. Si se le sacara la voz al disco, este no sería tan pesado. Pero no sólo canta Dani en la placa, participan también Sarah Jezebel Deva y Danielle Cneajna Cottincton, dos damiselas que hacen las partes fantasmagóricas y las invocaciones según se lee en el librillo del compacto. Y son esas voces femeninas las que le dan a la banda un tinte un tanto gótico y de romanticismo fatídico. A la vez endulzan un poco la corrosiva propuesta de la banda. Los teclados hacen algo parecido, dándole al sonido una vibra de desolación siniestra que calza a la perfección con el grupo.
La temática de las letras es muy compleja, y tienen que ver con erotismo oscuro, muerte y la condena de las almas (según lo que ellos mismos dicen). Interesante también resulta el hecho de que las canciones sean recitadas, más que cantadas.
Recomiendo absolutamente todos los temas de este disco, que hay que escuchar de principio a fin para poder apreciar completamente en su macabra exposición. No es un álbum para todo el mundo, ni siquiera para todos los amantes del rock, sino para gente con suficiente apertura musical como para dejarse envolver dentro de la vorágine de locura y misantropía que representa una de las bandas de Black Metal más exitosas de la historia. Nota aparte, algunas personas no consideran esto como verdadero Black Metal, ya que estiman que teclados y voces femeninas no pueden ser incluidas dentro de ese estilo. Pero esa es una opinión un tanto purista que para fines prácticos no importa mucho, así que nos contentaremos con denominar a Cradle of Filth como Black Metal.

CRADLE OF FILTH - Vempire, or Dark Faerytales in Phallustein

192.
1996
Inglaterra
Black Metal Melódico, Heavy Metal
****1/2

CRADLE OF FILTH - The Principle of Evil Made Flesh

191.
1994
Inglaterra
Black Metal
***
Yo había escuchado bastante la segunda y tercera producción de Cradle of Filth, y también algunos de sus discos posteriores, sin antes haberme detenido, en éste, el disco que comienza la saga de esta controversial agrupación. .
Aunque no lo había escuchado antes, tenía algunas referencias; uno, que se trataba de un disco sin gran producción y sonido, y segundo, que era la primera entrega del grupo.
Al escucharlo la falta de producción resulta muy notoria en comparación con placas como Dusk...And Her Embrace. Esto lamentablemente baja la cuota de impacto, opacando la fiereza y caos sónico de la banda. Por suerte las semillas de la maldad ya están sembradas, puesto que lo que aquí escuchamos es básicamente lo mismo que la banda explotaría más y más en cada álbum subsiguiente, por supuesto que con mejor sonido y cada vez más velocidad.
Para ser primer álbum esto está bueno, pero en definitiva no se trata del mayor logro musical de los ingleses. Hay un tema, The Forest Whispers My Name, que volvería a aparecer en el disco Vempire, pero mejor producido. Como dato adicional les comento que ese segundo disco en realidad es un mini álbum, y su fin básico fue librar a la banda del contrato con Cacophonous Records.

COVENANT - Nexus Polaris

190.
1997
Noruega
Black Metal Sinfónico, Heavy Metal
*****
Grupo formado con integrantes de Cradle of Filth, Dimmu Borgir y Mayhem. Ya con ese dato saben a que van... ¡Maldad hecha música! Pero en esta oportunidad esta maldad es una hermosa maldad, debido a que Covenant nos presenta ocho grandes temas que van por el lado de la melodía y la música clásica. Recomiendo Bizarre Cosmic Industries, para mi gusto lo mejor del disco, aunque todo el resto resulta increíble. Black Metal. Pero ni tanto. Yo diría que es más Heavy Metal que cualquier otra cosa.
Póngale ojo al baterista Hellhammer, el tipo toca como si no hubiese mañana. Un verdadero monstruo.
Les cuento que posteriormente, el grupo tendría que cambiar de nombre a The Kovenant, debido a que ya había un grupo que se llamaba Covenant. Una cuestión legal. Como sea, recomiendo este disco a ojo cerrado, en especial a los que le hacen el quite al Black Metal por considerarlo demasiado pesado y brutal. Covenant es pesado, brutal y rápido, no hay manera de negarlo, pero a la vez es un grupo increíblemente melódico e interesante.
Nexus Polaris destaca también por la inclusión de algunas voces femeninas y harto teclado, elementos que no hacen otra cosa que embellecer la brutal propuesta, siendo piezas fundamentales para lograr la grandilocuencia y majestuosidad de este selecto y fino trabajo musical.

COUNTING CROWS - This Desert Life

189.
1999
Estados Unidos
Rock/Pop Alternativo
****
De la noche a la mañana esta banda americana se hizo famosa gracias al hit single Mr. Jones del disco August and Everything After, de 1993. Y no hay mucho más que decir en cuanto a hits radiales. Pasada la euforia inicial por la agrupación, la banda pasaría al olvido aunque seguirían editando más discos, como Recovering the Satellites, de 1996, y el álbum que estamos comentando, llegando al 2002 con Hard Candy.
This Desert Life es un álbum un tanto depresivo, o mejor dicho melancólico, con una onda y vibra totalmente “alternativa”. Y aquí quiero aclarar lo siguiente. Es muy propio del grunge, rock alternativo y el rock noventero en general, darle importancia a las letras. A diferencia del rock de los ochenta, cuyo foco estaba más centrado en lo visual y en una actitud de genuina despreocupación, el rock alternativo se alza en defensa del mensaje y en crear música que demuestre sentimientos del diario vivir, y cosas por el estilo. Además, lo alternativo enfoca el rock desde una perspectiva más acústica. De hecho hay más similitud entre Counting Crows y grupos de los años sesenta y setenta que con los de la década de los ochenta.
En cuanto a como suena este disco, lo que tenemos aquí es un rock suavecito, llorón y de fácil escucha. Alternativo, Grunge, lleno de “Angst”, o sea, esa sensación de angustia que tanto hacían recalcar bandas como Alice in Chains, ¡aunque nunca tanto como ellos!
El disco viene con diez temas, pero ojo con el último corte que trae una canción escondida y algunas otras sorpresas.
Aunque esta onda no es algo que me mate, tengo que reconocer que este álbum tiene sus buenos temas, destacando el que yo creo es el mejor; Colorblind, un excelente corte con un precioso piano muy triste.

COUNTING CROWS - August and Everything After

188.
1993
Estados Unidos
Rock/Pop Alternativo
****
El primer disco que alguna vez escuché de Counting Crows fue This Desert Life. August and Everything After es el primer disco de la banda, y para mí, la segunda placa que escucho de ellos. Ambos discos me han parecido bastante similares, ejecutando un rock alternativo, cargado de emociones, sombrío, y un tanto depresivo. A la vez se trata de música muy limpia, despojada de grandes estridencias, y con una propuesta simple que suena a rock setentero con tintes folk. Ambos discos son buenos, pero esta primera entrega tiene el incentivo del hit radial Mr. Jones, la canción más conocida del grupo, y que lo ayudó a alcanzar la fama. A esta altura, todo un clásico de los noventa. Mr. Jones es al mismo tiempo lo más feliz que podemos escuchar en esta placa, y sin duda, lo más fácil de digerir. El resto del disco es bastante espeso, aunque no en exceso, y debiera ser del gusto de aquellos que gustan del rock en sus expresiones más puras.
Mención aparte merece Adam Duritz, el vocalista principal, quién compuso todos los temas y escribió todas las letras. También toca el piano y la armónica. Sin duda, el alma del grupo.

CORVUS CORAX - The Atavistic Triad

187.
2000
Estados Unidos
Black Metal Sinfónico, Doom Metal
*
Pretencioso. Esa es la palabra que mejor define a este debut de los gringos Corvus Corax. Tres canciones que superan los diez minutos (hay un tema de quince minutos) para un disco de escasas cinco canciones, es sin lugar a dudas algo bastante pretencioso, además de desafiar mucho la paciencia del oyente casual.
Musicalmente la banda no ofrece nada fuera de lo común, pareciéndose al sonido de muchas otras agrupaciones del estilo, pero peor aún, es el hecho de que este disco no va a ninguna parte. Es una ensalada de ideas mal encaminadas que tratan de ser grandilocuentes y magistrales, pero que suenan demasiado forzadas, haciendo que todo suene muy artificial. Por ejemplo, las partes lentas y acústicas se alternan con las partes rápidas y bestiales sin ninguna gracia. No hay feeling, y definitivamente no hay clase para hacer aquello que solo bandas de la talla de Cradle of Filth o Dimmu Borgir (por nombrar solo dos) saben hacer. En cuanto a habilidad musical, el grupo no se excede, estando muy por debajo del promedio de los exponentes del estilo. Los instrumentos suenan pobres, sin que sobresalga ninguno, siendo las partes acústicas en guitarra bastante poco inspiradas. Quizás todas las debilidades de la banda no se harían tan patentes si simplificaran un poco su propuesta, ya que los temas largos y desafiantes no le calzan. No es lo más malo del mundo, pero claramente está a años luz de lo hecho por otras bandas del género.

CORONER - Punishment for Decadence

186.
1988
Suiza
Thrash Metal
*****
Disco muy similar al debut R.I.P., aunque considero que Punishment... es incluso mejor. Personalmente lo considero más armado, más fácil de seguir que R.I.P., aunque sigue manteniendo gran complejidad estructural. Es un disco muy veloz, de cambios muy rápidos, muy marcado, de excelentes riffs y multiplicidad de excelentes ideas, destacando todos los temas en general, especialmente Purple Haze, original de Jimmy Hendrix. Este no es el único cover que hizo alguna vez la banda, hay uno de los Beatles, que sale en el disco Mental Vortex.
A pesar de todas las buenas intenciones musicales de Coroner, la banda nunca gozó de la popularidad de bandas thrash más famosas (algunas de ellas incluso bastante menos talentosas), manteniéndose por siempre dentro de los confines del underground. A pesar de la excelencia de esta placa, el peak creativo de la banda llegaría en 1991 con el clásico Mental Vortex.

CORONER - R.I.P.

185.

1987
Suiza
Thrash Metal
****1/2
Coroner es una de las bandas de thrash metal más conocidas de Suiza, compartiendo la fama con sus compatriotas Celtic Frost. Con ellos incluso compartieron una gira por Estados Unidos en 1986.
Coroner es un trío que se formó en 1985, y a diferencia de los mencionados Celtic Frost, son musicalmente mucho más complejos, especialmente en la estructura de los riffs y solos de guitarra, utilizando un estilo bastante frenético y veloz, que combinado con los múltiples cambios de ritmo, hacen que su sonido sea un tanto difícil de seguir. Este álbum es una muestra concreta de su particular talento, siendo un trabajo de calidad, de mucha fuerza, y ejecutado de manera bastante original.
De R.I.P. destacan la introducción, titulada simplemente como Intro, Reborn Through Hate, la introducción al tema Nosferatu, Nosferatu, Totentanz y finalmente Outro.
En resumen se trata de un interesante álbum de técnico thrash mezclado con algo de death y adornado bastante con un enfoque guitarrero envolvente, semi neoclásico, y con algunas similitudes a Cacophony, aunque esto último se aprecia aun más en el disco Punishment for Decadence.

CONCRETE BLONDE - Walking in London

184.
1992
Estados Unidos
Rock/Pop Alternativo
****
Otra de esas bandas que tuvieron sólo un súper hit. ¿Recuerdan el Top 20 "Joey" ? Era de esta banda, y nunca más volverían a llegar tan alto en las listas. Joey era de un disco que se llamaba Bloodletting. El asunto es que Walking in London viene después de Bloodletting, y aquí no hay un hit tan grande como el ya mencionado, aunque la canción homónima del disco fue un pequeño éxito.
Concrete Blonde, más que banda, es un trío. Lo componen James Mankey en guitarras, Harry Rushakoff en batería y percusión (quién reemplaza a Paul Thompson, ex Roxy Music) y Johnette Napolitano en el bajo y en las voces. Esta última, una vocalista de buen registro y cautivante voz llena de fuerza y potencia.
Volviendo al disco, les comento que los diez temas de la placa resultan bastante agradables. Alternativos, pero ni tanto. Un disco interesante, con un estilo bien definido, y donde lo más llamativo es la voz de Napolitano, quién en definitiva se roba la película. Ella además escribe todas las letras, con excepción del tema It´s a Man´s World, original de James Brown.

CONCEPTION - The Last Sunset

183.

1993
Noruega
Heavy Metal Progresivo
****1/2
Interesante y magistral álbum de una banda que en esta oportunidad ha sido a ratos muy original en su enfoque musical, utilizando una estructura heavy metal neoclásica muy clara, pero adornada (lamentablemente en muy pocas ocasiones), con elementos provenientes de estilos musicales tan dispares como el flamenco, música española, la música barroca y la música latina. Todas estas influencias se logran apreciar claramente en canciones como War of Hate y Among the Gods. Esta última, una canción épica de casi once minutos, y el mejor tema del disco. Incluso diría que esos dos temas resaltan claramente por encima de los demás, gracias a las características mencionadas, poco comunes dentro del género del metal. Dejan con ganas de querer escuchar más de ese tipo de experimentaciones.
La música es en general bastante melódica, de suaves voces, con solos de guitarra muy en la onda de Yngwie Malmsteen, y con buenos y potentes riffs. Hay hartos cambios, matices y un montón de buenas ideas. Queda claro que se trata de un grupo talentoso con mucho potencial.
Lo que no me gustó fueron los coros a lo Exodus, que pienso que para nada calzan con la propuesta musical, y una parte muy al final del disco que es una copia exacta a un solo de guitarra de Jason Becker del disco Perpetual Burn. El resto, todo bueno.

COMECON - Megatrends in Brutality

182.

1992
Suecia
Death Metal
***
En reparaciones

COLLISION

181.
1992
Estados Unidos
Hard Rock, Heavy Metal
**
Collision so compone de tres integrantes; Nik Chinboukas, en guitarra y voz, Gustavo J. Vitureira, en bajo y Alex Kyriazis en batería. Este es su álbum debut. En 1995 aparecería su segunda placa, Coarse. Y más allá de eso no hay mucho que decir de esta banda formada a principios de los noventa y que ya no existe. Lo que sí hay que decir es que la voz de Nik se asemeja mucho a la de Axl Rose de Guns ´N´ Roses. ¿Una copia de carbón de la famosa banda? Quizás. Pero más allá del parecido que no sólo se nota en el timbre, sino que en la forma de cantar, Nik se asemeja también a otros cantantes hard rockeros como el mítico Robert Plant de Led Zepellin, demostrando una evidente falta de estilo propio.
Musicalmente el trío hace un trabajo interesante, pero nada que no suene parecido a otra banda, y allí radica su peor defecto. Un disco sin mayor trascendencia de hard rock simplón, monótono y predecible.

COIL - Gold is the Metal

180.
1987
Inglaterra
Dark, Industrial
****
Coil es por decir lo menos, una banda extraña. La música de Coil no es fácil, no es predecible, ni tampoco fácil de catalogar. Este álbum por lo menos tiene una clara orientación hacia la experimentación industrial, con algunas influencias tecno. Se logran apreciar melodías claras en algunas partes, como en el tema Cardinal Points, por lo que el álbum no es 100% caótico. Los primeros temas cuesta digerirlos, pero a medida que pasan los minutos la placa nos va envolviendo con sus excéntricas sonoridades, ofensivos diálogos, aparentes discordancias estilísticas y con su oscuridad opresiva demencial. Bulla nihilista y comprometida con nada que rompe con absolutamente cualquier dogma musical, aunque este no es de los álbumes más oscuros de la banda. ¡Como serán los verdaderamente oscuros!

CLAIRE VOYANT - Time and the Maiden

179.
1998
Estados Unidos
Dark Pop
***1/2
Este es el segundo álbum de Claire Voyant, trío americano con cantante femenina, que cultiva un pop bastante oreja, pero con ligeras pinceladas góticas mezcladas con indumentaria electrónica. La música es bastante simple, sosegada, atmosférica y muy suave. Podría resultar agradable casi para cualquier persona ya que aquí no tenemos ni estridencias ni distorsión.
No me recordaron a nadie en especial, pero eso no necesariamente significa que estamos en presencia de algo extremadamente original y nunca antes escuchado, ya que no conozco muchas bandas de esta corriente musical así que no tengo muchos parámetros para comparar. Quizás a lo lejos la voz se asemeje un poco a la de Stevie Nicks, de Fleetwood Mac, pero no sería categórico.
Resumiendo, creo que se trata de un buen álbum, nada extraordinario, pero cautivante y ensoñador y que invita a una escucha relajada.

THE CHURCH - Starfish

178.
1988
Australia
Rock/Pop Alternativo
****
The Church se formó en 1980, y recién en 1988, y luego de no menos de cinco discos de estudio, logran su mayor éxito comercial, precisamente con este álbum, que incluye el Top 40 Under the Milky Way, su mayor éxito de popularidad. De este álbum también destacan las canciones Spark y Reptile, que también se escucharon en las radios, pero mucho menos que el connotado Under...
La banda, de la cual solamente he escuchado este álbum, toca un rock/pop que a primeras podríamos catalogar como alternativo. Pero se nota claramente que lo alternativo de los australianos no tiene mucho que ver con lo alternativo de las bandas americanas.
En cuanto a sonido se me viene a la mente lo que hace la banda inglesa The Mission, también conocida como The Mission U.K., para así diferenciarse de su contrapartida americana. En cuanto al feeling, “atmosférico” e “hipnótico” son palabras que se me vienen a la mente para definir el sonido de The Church. Pero más allá de definiciones, lo central es que la música es excelente, y eso es lo que al final importa. Música melódica, relajada, fina y muy rica en texturas es lo que Starfish nos presenta.
“Estrella de mar”, que es lo que significa Starfish (y no pescado estrella, ojo con eso), supera todas las expectativas, ofreciendo al oyente diez canciones de magistral y talentoso rock australiano que nos demuestra que Australia es más que AC/DC y Men at Work en cuanto a música popular.

CHILDREN OF BODOM - Tokyo Warhearts

177.
1999
Finlandia
Heavy Metal, Black Metal
***
En reparaciones

CHILDREN OF BODOM - Something Wild

176.
1997
Finlandia
Heavy Metal, Death Metal
***1/2
Quítenle la voz agresiva y gritona a Alexi Wildchild Laiho, y lo que queda de la propuesta de Children of Bodom no es más que Happy Metal. Por que es eso lo que Children of Bodom cultiva en realidad, al menos en parte.
Harto teclado y solos de guitarra que en algunos pasajes asombran de verdad, con pinceladas de death y black metal, estos niños de bodom, y lo digo un poco en serio ya que algunos de los miembros no tenían ni 18 años cuando grabaron este disco, impresionan bastante a la primera escuchada. La voz desquiciante de Alexi Wildchild, quien también toca la guitarra, podría enajenar a los amantes del Happy Metal tradicional, y con razón. A mi juicio, a la música de este grupo le queda mejor una voz limpia o brutal pero con matices, elemento que no está presente en esta placa debut. De todas maneras se trata de un buen álbum de metal nórdico, con innegable influencia de Yngwie Malmsteen en algunos pasajes, y también de música clásica.
Acompañan a Alexi, Henkka Blacksmith en el bajo, Jaska Raatikainen en la batería, Janne Wirman en los teclados, y Alexander Kuoppala en guitarra.

CHICAGO - The Heart of Chicago 1967-1997

175.

1997
Estados Unidos
Pop, Rock/Pop, Soft Rock, AOR (Adult Oriented Rock)
****
La razón de ser de este álbum es el cumpleaños número 30 de Chicago, y para ello han compilado 15 canciones, la mayoría grandes éxitos del grupo, aunque como veremos, no están todos. Hay dos temas nuevos, Here In My Heart y The Only One. Este último producido por Lenny Kravitz, y vaya que se nota su mano. Parece un tema más de él que de Chicago.
Esta compilación viene con las esperadas baladas y súper hits, como You´re The Inspiration, If You Leave Me Now, Hard Habit To Break y Hard to Say I´m Sorry, con su parte rápida llamada Get Away. No viene Love Me Tomorrow ni Stay the Night, así que podemos decir muy objetivamente que esta compilación no es exhaustiva en cuanto a hits radiales. Pero la falta de alguno que otro éxito que más de alguno extrañará, se compensa en la muestra de canciones muy antiguas, correspondientes a la primera etapa de la banda, y donde se puede apreciar lo distinto que sonaba en comparación a la época de los años ochenta. Temas como Make Me Smile, Saturday In the Park, Wishin´ You Were Here (Ninguna relación con Pink Floyd) y Colour My World, entre otros, son una muestra de esa primera etapa, donde se extraña el tema 25 or 6 To 4, un verdadero clásico que no debió haber quedado afuera. En fin, este disco no se llama “Grandes Éxitos” así que eso explica en parte su ausencia.
Pero más allá de las polémicas, The Heart of Chicago resulta ser un disco revelador que muestra a la legendaria banda americana desde diferentes ángulos y que rompe con el mito de que sólo se trata de una banda de baladas.

CHICAGO - 17

174.

1984
Estados Unidos
Pop, Rock/Pop, Soft Rock, AOR (Adult Oriented Rock)
****
Siguiendo por el mismo camino del disco anterior, Chicago 17 es una continuación lógica y casi predecible que no nos muestra nada nuevo, más sí, aumentar la cantidad de hits radiales. Y aunque la sorpresa es mínima, la calidad es destacable, con temas que se han ganado un espacio en los gustos orientados al público adulto. Stay the Night, Hard Habit to Break, Along Comes a Woman y You´re the Inspiration son cuatro singles de este disco que gozaron de gran popularidad en su época. Nada mal para un disco de diez canciones. Por ese motivo considero que este es sin lugar a dudas, uno de los discos obligados de la banda, incluso más que Chicago 16.
Aparte de los inevitables hits, se nota en canciones como Only You una clara influencia de Soul y R&B, que confieso, nunca se me había hecho tan evidente. Influencias que de ninguna manera chocan con la propuesta de soft rock comercial que desarrolla el grupo, de hecho, calzan a la perfección.
17 está producido por David Foster, y en la parte de la ingeniería y la mezcla se encargó el chileno Humberto Gatica, quién también hizo lo mismo en el disco anterior.
Una memorable placa de los ochenta, que no quede duda alguna.

CHICAGO - 16

173.
1982
Estados Unidos
Pop, Rock/Pop, Soft Rock, AOR (Adult Oriented Rock)
***
Chicago se formó como un sexteto en 1967 (a fines del mismo año se añade el vocalista y bajista Peter Cetera) en la misma ciudad de donde sacaron su nombre. Al principio se llamaban Chicago Transit Authority (Autoridad de Tránsito de Chicago), pero luego de que esa institución objetara el uso de su nombre, la banda lo redujo a simplemente Chicago. Y siguiendo con la simpleza, empiezan a nombrar sus discos con números romanos, con excepción del primer disco que alcanzó a bautizarse como Chicago Transit Authority. La mayor complicación se produce cuando cambian de números romanos a números cardinales, como se aprecia en este disco.
Un dato interesante es que Chicago comenzó su carrera con el pie derecho, vendiendo más de dos millones de copias de su primer disco. En esa época, y más o menos hasta 1975, Chicago mezclaba diferentes estilos de rock, pasando por el hard rock y el soft rock, como también incluyendo algo de jazz. Pero luego del espectacular éxito que significó el romántico tema If You Leave Me Now -un hit de 1976-, la banda enfocó su vista hacia las baladas. De hecho, mucha gente reconoce a Chicago como un grupo de baladas más que por cualquier otra cosa.
Chicago 16 es un disco perteneciente a la época más comercial, y al escucharlo se nota. Destacan los hits Hard to Say I´m Sorry/Get Away y Love Me Tomorrow. Un disco que será del gusto de los amantes de la música de los ochenta, al igual que el disco que le sigue a este en orden cronológico.

CEREMONIAL OATH - Carpet

172.
1995
Suecia
Black Metal, Death Metal
**

CELTIC FROST - Into the Pandemonium

171.
1987
Suiza
Rock, Death Metal
****
Lo que empezó siendo una brutal propuesta desenfadada y rabiosa de metal súper pesado (por lo menos para la época), y que a la vez fue preámbulo para lo que vendría a ser conocido en el mundo como Death Metal, se empieza a desinflar en pos de sonidos más accesibles y derechamente más comerciales. Aún queda algo del sonido original como se puede apreciar con el corte Inner Sanctum, con un Tom Warrior cantando con su característico acento, pero no tan gutural y opresivo como en sus comienzos. Las guitarras suenan igual que siempre, con los típicos solos cacofónicos y disonantes. Los temas también se mantienen dentro de esquemas muy simples con riffs repetitivos y un tanto monótonos, aunque a diferencia de los discos anteriores, Into... es toda una revelación de sorprendentes y radicales ideas musicales como veremos a continuación.
La sorpresa llega con Tritessas De La Lune, canción cantada en francés por una voz femenina. ¿Habrán sacado de aquí la idea de las vocalistas femeninas grupos como The Gathering y Lacuna Coil? Bueno, siempre se dijo que Celtic Frost fue pionero de un estilo, influyente dentro del mismo y que tenían un abundante caudal de ideas interesantes. Estas ideas sin duda influenciarían a miles de bandas con el tiempo. Mientras escucho este álbum vuelvo a sorprenderme, ¿Acaso la canción Babylon Fell no tiene un riff totalmente noventero en la onda de los grupos nü metal? ¿Y Caress Into Oblivion acaso no tiene un parecido con más de algún tema del disco The Silent Enigma, de Anathema? La manera en que canta Tom Warrior, especialmente al principio del corte, es muy similar a como lo hace Vincent Cavanagh en el disco que mencioné de Anathema. Pero todavía hay más sorpresas, One in Their Pride ni siquiera es un tema metalero, sino más bien un extraño engendro tecno industrial que no suena para nada a Celtic Frost.
Casi no extraña que después de este álbum la banda perdiera todo tipo de credibilidad con sus fans más acérrimos (me incluyo), sacando al mercado álbumes que no tenían ni una pizca del sonido original. Pero independientemente de aquello hay que reconocer que la banda tenía gran cantidad de ideas y se la jugó por innovar. Lamentablemente fueron otros grupos los que se hicieron más grandes y más reconocidos y famosos al desarrollar más a fondo todas las ideas locas que tenía el trío suizo. Quizás, si hubieran decidido desarrollar una idea concreta, como la de reemplazar la voz de Warrior como principal, con una femenina, suave y dulce, y dejando a Warrior para gritar y vociferar en forma gutural, se hubieran adelantado a todos los grupos que hoy en día explotan la idea. Y sigo sorprendiéndome. Oriental Masquerade, con los violines, la voz femenina operística y los riffs, me deletrean My Dying Bride en sus comienzos.
Ahora bien, no quiero decir que los grupos que explotaron las ideas de Celtic Frost sean unos copiones descarados sin talento, todo lo contrario. Ellos simplemente se influenciaron seguramente con Celtic Frost y desarrollaron más a fondo sus originales ideas. Lo importante es tener claro que Celtic Frost estaba muy adelantado a su época.

CELTIC FROST - To Mega Therion

170.
1985
Suiza
Death Metal
****

CELTIC FROST - Morbid Tales/Emperor´s Return

169.

1984-1985
Suiza
Death Metal
****