CONCRETE BLONDE - Walking in London

184.
1992
Estados Unidos
Rock/Pop Alternativo
****
Otra de esas bandas que tuvieron sólo un súper hit. ¿Recuerdan el Top 20 "Joey" ? Era de esta banda, y nunca más volverían a llegar tan alto en las listas. Joey era de un disco que se llamaba Bloodletting. El asunto es que Walking in London viene después de Bloodletting, y aquí no hay un hit tan grande como el ya mencionado, aunque la canción homónima del disco fue un pequeño éxito.
Concrete Blonde, más que banda, es un trío. Lo componen James Mankey en guitarras, Harry Rushakoff en batería y percusión (quién reemplaza a Paul Thompson, ex Roxy Music) y Johnette Napolitano en el bajo y en las voces. Esta última, una vocalista de buen registro y cautivante voz llena de fuerza y potencia.
Volviendo al disco, les comento que los diez temas de la placa resultan bastante agradables. Alternativos, pero ni tanto. Un disco interesante, con un estilo bien definido, y donde lo más llamativo es la voz de Napolitano, quién en definitiva se roba la película. Ella además escribe todas las letras, con excepción del tema It´s a Man´s World, original de James Brown.

CONCEPTION - The Last Sunset

183.

1993
Noruega
Heavy Metal Progresivo
****1/2
Interesante y magistral álbum de una banda que en esta oportunidad ha sido a ratos muy original en su enfoque musical, utilizando una estructura heavy metal neoclásica muy clara, pero adornada (lamentablemente en muy pocas ocasiones), con elementos provenientes de estilos musicales tan dispares como el flamenco, música española, la música barroca y la música latina. Todas estas influencias se logran apreciar claramente en canciones como War of Hate y Among the Gods. Esta última, una canción épica de casi once minutos, y el mejor tema del disco. Incluso diría que esos dos temas resaltan claramente por encima de los demás, gracias a las características mencionadas, poco comunes dentro del género del metal. Dejan con ganas de querer escuchar más de ese tipo de experimentaciones.
La música es en general bastante melódica, de suaves voces, con solos de guitarra muy en la onda de Yngwie Malmsteen, y con buenos y potentes riffs. Hay hartos cambios, matices y un montón de buenas ideas. Queda claro que se trata de un grupo talentoso con mucho potencial.
Lo que no me gustó fueron los coros a lo Exodus, que pienso que para nada calzan con la propuesta musical, y una parte muy al final del disco que es una copia exacta a un solo de guitarra de Jason Becker del disco Perpetual Burn. El resto, todo bueno.

COMECON - Megatrends in Brutality

182.

1992
Suecia
Death Metal
***
En reparaciones

COLLISION

181.
1992
Estados Unidos
Hard Rock, Heavy Metal
**
Collision so compone de tres integrantes; Nik Chinboukas, en guitarra y voz, Gustavo J. Vitureira, en bajo y Alex Kyriazis en batería. Este es su álbum debut. En 1995 aparecería su segunda placa, Coarse. Y más allá de eso no hay mucho que decir de esta banda formada a principios de los noventa y que ya no existe. Lo que sí hay que decir es que la voz de Nik se asemeja mucho a la de Axl Rose de Guns ´N´ Roses. ¿Una copia de carbón de la famosa banda? Quizás. Pero más allá del parecido que no sólo se nota en el timbre, sino que en la forma de cantar, Nik se asemeja también a otros cantantes hard rockeros como el mítico Robert Plant de Led Zepellin, demostrando una evidente falta de estilo propio.
Musicalmente el trío hace un trabajo interesante, pero nada que no suene parecido a otra banda, y allí radica su peor defecto. Un disco sin mayor trascendencia de hard rock simplón, monótono y predecible.

COIL - Gold is the Metal

180.
1987
Inglaterra
Dark, Industrial
****
Coil es por decir lo menos, una banda extraña. La música de Coil no es fácil, no es predecible, ni tampoco fácil de catalogar. Este álbum por lo menos tiene una clara orientación hacia la experimentación industrial, con algunas influencias tecno. Se logran apreciar melodías claras en algunas partes, como en el tema Cardinal Points, por lo que el álbum no es 100% caótico. Los primeros temas cuesta digerirlos, pero a medida que pasan los minutos la placa nos va envolviendo con sus excéntricas sonoridades, ofensivos diálogos, aparentes discordancias estilísticas y con su oscuridad opresiva demencial. Bulla nihilista y comprometida con nada que rompe con absolutamente cualquier dogma musical, aunque este no es de los álbumes más oscuros de la banda. ¡Como serán los verdaderamente oscuros!

CLAIRE VOYANT - Time and the Maiden

179.
1998
Estados Unidos
Dark Pop
***1/2
Este es el segundo álbum de Claire Voyant, trío americano con cantante femenina, que cultiva un pop bastante oreja, pero con ligeras pinceladas góticas mezcladas con indumentaria electrónica. La música es bastante simple, sosegada, atmosférica y muy suave. Podría resultar agradable casi para cualquier persona ya que aquí no tenemos ni estridencias ni distorsión.
No me recordaron a nadie en especial, pero eso no necesariamente significa que estamos en presencia de algo extremadamente original y nunca antes escuchado, ya que no conozco muchas bandas de esta corriente musical así que no tengo muchos parámetros para comparar. Quizás a lo lejos la voz se asemeje un poco a la de Stevie Nicks, de Fleetwood Mac, pero no sería categórico.
Resumiendo, creo que se trata de un buen álbum, nada extraordinario, pero cautivante y ensoñador y que invita a una escucha relajada.

THE CHURCH - Starfish

178.
1988
Australia
Rock/Pop Alternativo
****
The Church se formó en 1980, y recién en 1988, y luego de no menos de cinco discos de estudio, logran su mayor éxito comercial, precisamente con este álbum, que incluye el Top 40 Under the Milky Way, su mayor éxito de popularidad. De este álbum también destacan las canciones Spark y Reptile, que también se escucharon en las radios, pero mucho menos que el connotado Under...
La banda, de la cual solamente he escuchado este álbum, toca un rock/pop que a primeras podríamos catalogar como alternativo. Pero se nota claramente que lo alternativo de los australianos no tiene mucho que ver con lo alternativo de las bandas americanas.
En cuanto a sonido se me viene a la mente lo que hace la banda inglesa The Mission, también conocida como The Mission U.K., para así diferenciarse de su contrapartida americana. En cuanto al feeling, “atmosférico” e “hipnótico” son palabras que se me vienen a la mente para definir el sonido de The Church. Pero más allá de definiciones, lo central es que la música es excelente, y eso es lo que al final importa. Música melódica, relajada, fina y muy rica en texturas es lo que Starfish nos presenta.
“Estrella de mar”, que es lo que significa Starfish (y no pescado estrella, ojo con eso), supera todas las expectativas, ofreciendo al oyente diez canciones de magistral y talentoso rock australiano que nos demuestra que Australia es más que AC/DC y Men at Work en cuanto a música popular.

CHILDREN OF BODOM - Tokyo Warhearts

177.
1999
Finlandia
Heavy Metal, Black Metal
***
En reparaciones

CHILDREN OF BODOM - Something Wild

176.
1997
Finlandia
Heavy Metal, Death Metal
***1/2
Quítenle la voz agresiva y gritona a Alexi Wildchild Laiho, y lo que queda de la propuesta de Children of Bodom no es más que Happy Metal. Por que es eso lo que Children of Bodom cultiva en realidad, al menos en parte.
Harto teclado y solos de guitarra que en algunos pasajes asombran de verdad, con pinceladas de death y black metal, estos niños de bodom, y lo digo un poco en serio ya que algunos de los miembros no tenían ni 18 años cuando grabaron este disco, impresionan bastante a la primera escuchada. La voz desquiciante de Alexi Wildchild, quien también toca la guitarra, podría enajenar a los amantes del Happy Metal tradicional, y con razón. A mi juicio, a la música de este grupo le queda mejor una voz limpia o brutal pero con matices, elemento que no está presente en esta placa debut. De todas maneras se trata de un buen álbum de metal nórdico, con innegable influencia de Yngwie Malmsteen en algunos pasajes, y también de música clásica.
Acompañan a Alexi, Henkka Blacksmith en el bajo, Jaska Raatikainen en la batería, Janne Wirman en los teclados, y Alexander Kuoppala en guitarra.

CHICAGO - The Heart of Chicago 1967-1997

175.

1997
Estados Unidos
Pop, Rock/Pop, Soft Rock, AOR (Adult Oriented Rock)
****
La razón de ser de este álbum es el cumpleaños número 30 de Chicago, y para ello han compilado 15 canciones, la mayoría grandes éxitos del grupo, aunque como veremos, no están todos. Hay dos temas nuevos, Here In My Heart y The Only One. Este último producido por Lenny Kravitz, y vaya que se nota su mano. Parece un tema más de él que de Chicago.
Esta compilación viene con las esperadas baladas y súper hits, como You´re The Inspiration, If You Leave Me Now, Hard Habit To Break y Hard to Say I´m Sorry, con su parte rápida llamada Get Away. No viene Love Me Tomorrow ni Stay the Night, así que podemos decir muy objetivamente que esta compilación no es exhaustiva en cuanto a hits radiales. Pero la falta de alguno que otro éxito que más de alguno extrañará, se compensa en la muestra de canciones muy antiguas, correspondientes a la primera etapa de la banda, y donde se puede apreciar lo distinto que sonaba en comparación a la época de los años ochenta. Temas como Make Me Smile, Saturday In the Park, Wishin´ You Were Here (Ninguna relación con Pink Floyd) y Colour My World, entre otros, son una muestra de esa primera etapa, donde se extraña el tema 25 or 6 To 4, un verdadero clásico que no debió haber quedado afuera. En fin, este disco no se llama “Grandes Éxitos” así que eso explica en parte su ausencia.
Pero más allá de las polémicas, The Heart of Chicago resulta ser un disco revelador que muestra a la legendaria banda americana desde diferentes ángulos y que rompe con el mito de que sólo se trata de una banda de baladas.

CHICAGO - 17

174.

1984
Estados Unidos
Pop, Rock/Pop, Soft Rock, AOR (Adult Oriented Rock)
****
Siguiendo por el mismo camino del disco anterior, Chicago 17 es una continuación lógica y casi predecible que no nos muestra nada nuevo, más sí, aumentar la cantidad de hits radiales. Y aunque la sorpresa es mínima, la calidad es destacable, con temas que se han ganado un espacio en los gustos orientados al público adulto. Stay the Night, Hard Habit to Break, Along Comes a Woman y You´re the Inspiration son cuatro singles de este disco que gozaron de gran popularidad en su época. Nada mal para un disco de diez canciones. Por ese motivo considero que este es sin lugar a dudas, uno de los discos obligados de la banda, incluso más que Chicago 16.
Aparte de los inevitables hits, se nota en canciones como Only You una clara influencia de Soul y R&B, que confieso, nunca se me había hecho tan evidente. Influencias que de ninguna manera chocan con la propuesta de soft rock comercial que desarrolla el grupo, de hecho, calzan a la perfección.
17 está producido por David Foster, y en la parte de la ingeniería y la mezcla se encargó el chileno Humberto Gatica, quién también hizo lo mismo en el disco anterior.
Una memorable placa de los ochenta, que no quede duda alguna.

CHICAGO - 16

173.
1982
Estados Unidos
Pop, Rock/Pop, Soft Rock, AOR (Adult Oriented Rock)
***
Chicago se formó como un sexteto en 1967 (a fines del mismo año se añade el vocalista y bajista Peter Cetera) en la misma ciudad de donde sacaron su nombre. Al principio se llamaban Chicago Transit Authority (Autoridad de Tránsito de Chicago), pero luego de que esa institución objetara el uso de su nombre, la banda lo redujo a simplemente Chicago. Y siguiendo con la simpleza, empiezan a nombrar sus discos con números romanos, con excepción del primer disco que alcanzó a bautizarse como Chicago Transit Authority. La mayor complicación se produce cuando cambian de números romanos a números cardinales, como se aprecia en este disco.
Un dato interesante es que Chicago comenzó su carrera con el pie derecho, vendiendo más de dos millones de copias de su primer disco. En esa época, y más o menos hasta 1975, Chicago mezclaba diferentes estilos de rock, pasando por el hard rock y el soft rock, como también incluyendo algo de jazz. Pero luego del espectacular éxito que significó el romántico tema If You Leave Me Now -un hit de 1976-, la banda enfocó su vista hacia las baladas. De hecho, mucha gente reconoce a Chicago como un grupo de baladas más que por cualquier otra cosa.
Chicago 16 es un disco perteneciente a la época más comercial, y al escucharlo se nota. Destacan los hits Hard to Say I´m Sorry/Get Away y Love Me Tomorrow. Un disco que será del gusto de los amantes de la música de los ochenta, al igual que el disco que le sigue a este en orden cronológico.

CEREMONIAL OATH - Carpet

172.
1995
Suecia
Black Metal, Death Metal
**

CELTIC FROST - Into the Pandemonium

171.
1987
Suiza
Rock, Death Metal
****
Lo que empezó siendo una brutal propuesta desenfadada y rabiosa de metal súper pesado (por lo menos para la época), y que a la vez fue preámbulo para lo que vendría a ser conocido en el mundo como Death Metal, se empieza a desinflar en pos de sonidos más accesibles y derechamente más comerciales. Aún queda algo del sonido original como se puede apreciar con el corte Inner Sanctum, con un Tom Warrior cantando con su característico acento, pero no tan gutural y opresivo como en sus comienzos. Las guitarras suenan igual que siempre, con los típicos solos cacofónicos y disonantes. Los temas también se mantienen dentro de esquemas muy simples con riffs repetitivos y un tanto monótonos, aunque a diferencia de los discos anteriores, Into... es toda una revelación de sorprendentes y radicales ideas musicales como veremos a continuación.
La sorpresa llega con Tritessas De La Lune, canción cantada en francés por una voz femenina. ¿Habrán sacado de aquí la idea de las vocalistas femeninas grupos como The Gathering y Lacuna Coil? Bueno, siempre se dijo que Celtic Frost fue pionero de un estilo, influyente dentro del mismo y que tenían un abundante caudal de ideas interesantes. Estas ideas sin duda influenciarían a miles de bandas con el tiempo. Mientras escucho este álbum vuelvo a sorprenderme, ¿Acaso la canción Babylon Fell no tiene un riff totalmente noventero en la onda de los grupos nü metal? ¿Y Caress Into Oblivion acaso no tiene un parecido con más de algún tema del disco The Silent Enigma, de Anathema? La manera en que canta Tom Warrior, especialmente al principio del corte, es muy similar a como lo hace Vincent Cavanagh en el disco que mencioné de Anathema. Pero todavía hay más sorpresas, One in Their Pride ni siquiera es un tema metalero, sino más bien un extraño engendro tecno industrial que no suena para nada a Celtic Frost.
Casi no extraña que después de este álbum la banda perdiera todo tipo de credibilidad con sus fans más acérrimos (me incluyo), sacando al mercado álbumes que no tenían ni una pizca del sonido original. Pero independientemente de aquello hay que reconocer que la banda tenía gran cantidad de ideas y se la jugó por innovar. Lamentablemente fueron otros grupos los que se hicieron más grandes y más reconocidos y famosos al desarrollar más a fondo todas las ideas locas que tenía el trío suizo. Quizás, si hubieran decidido desarrollar una idea concreta, como la de reemplazar la voz de Warrior como principal, con una femenina, suave y dulce, y dejando a Warrior para gritar y vociferar en forma gutural, se hubieran adelantado a todos los grupos que hoy en día explotan la idea. Y sigo sorprendiéndome. Oriental Masquerade, con los violines, la voz femenina operística y los riffs, me deletrean My Dying Bride en sus comienzos.
Ahora bien, no quiero decir que los grupos que explotaron las ideas de Celtic Frost sean unos copiones descarados sin talento, todo lo contrario. Ellos simplemente se influenciaron seguramente con Celtic Frost y desarrollaron más a fondo sus originales ideas. Lo importante es tener claro que Celtic Frost estaba muy adelantado a su época.

CELTIC FROST - To Mega Therion

170.
1985
Suiza
Death Metal
****

CELTIC FROST - Morbid Tales/Emperor´s Return

169.

1984-1985
Suiza
Death Metal
****

CAT STEVENS - Back to Earth

168.

1978
Inglaterra
Folk, Pop, Rock/Pop
***
Este onceavo y último disco de Cat Stevens no tiene ninguna de las canciones más recordadas por el público masivo. Es a la vez la primera placa con Cat Stevens ya convertido oficialmente al Islam, situación que ocurrió en Diciembre de 1977, asumiendo un nuevo nombre: Yusuf Islam. Después de este álbum Yusuf abandonaría el negocio de la música. También remataría todas sus posesiones, contraería un matrimonio arreglado, y fundaría un colegio musulmán cerca de Londres. De su matrimonio nacerían cinco hijos.
Luego de su retiro del mundo de la música muy poco se volvería a saber de Yusuf Islam. Pero su retiro no sería absoluto, 17 años después de Back to Earth volvería a grabar música, volviendo en 1995 con The Life of the Last Prophet.
Aunque en Back to Earth no están las canciones más imprescindibles de este artista, se trata de un buen álbum, con el sonido y estilo típico tan altamente reconocible que Stevens siempre logró imprimir en todos sus discos. Pero no es el disco para recomendar a alguien que quiera empezar a conocer a este artista. Mejores elecciones serían Tea for the Tillerman, de 1970 y Teaser and the Fire Cat, de 1971.

THE CARS - Greatest Hits

167.
1985
Estados Unidos
Rock/Pop
*****
Excelente recopilación de los grandes éxitos de la muy exitosa banda americana liderada por el carismático vocalista Ric Ocasek, quien, dicho sea de paso, escribió las letras de todos los temas que aparecen en este compilado, incluyendo Tonight She Comes, que no aparece en ningún álbum oficial. Y aunque aquí sin duda que está el repertorio más conocido de The Cars, creo que hay temas realmente buenos y que nunca fueron éxitos y que la gente que no le interesa indagar más allá de los éxitos radiales se los va a perder.

THE CARS - Panorama

166.
1980
Estados Unidos
Rock/Pop
****
Tercer album de esta famosísima banda de finales de los setenta y comienzos de los ochenta. Banda con numerosos hits radiales, de los cuales podemos escuchar aquí, Touch and Go. Pero The Cars es mucho más que hits radiales. Es una banda creativa e inteligente con un sonido pop sofisticado que le da peso a las composiciones, presentándonos en esta oportunidad diez cortes interesantes y bien estructurados que forman un todo coherente lleno de onda y chispa. Recomiendo: Gimme Some Slack y Don´t Tell Me No; este último el mejor tema del disco.
Interesante resulta además, el sonido propio y moderno que logra crear la banda, que creo, estaban muy adelantados a su época.

THE CARS - Candy-O

165.

1979
Estados Unidos
Rock/Pop, New Wave
****
Segundo álbum de estudio de los americanos liderados por el vocalista Ric Ocasek. Lo acompañan en esta placa los mismos miembros del disco debut; David Robinson en la batería y percusión, Benjamin Orr en el bajo, Greg Hawkes en los teclados y el saxo principalmente, y Elliot Easton en la guitarra líder. Está producido por Thomas Baker, quién ya había trabajado en el debut. También participaría en el tercer álbum Panorama.
Lo gran diferencia de este trabajo con respecto al debut, es que aquí no nos encontramos con la misma cantidad de hits. En el álbum debut habían tres, y el resto de los temas también pudieron haber sido hits perfectamente. Candy-O trae una sola canción conocida, el hit Let´s Go, canción con la cual comienza el álbum. Musicalmente, se mantiene el esquema del disco anterior. Rock popero de gran clase, muy optimista, y con un innegable sentido de la diversión. Sea como sea, en estricto rigor, no logra superar al debut.

THE CARS

164.

1978
Estados Unidos
Rock/Pop, New Wave
*****
The Cars es uno de mis grupos pop favoritos. Siempre me gustó esta banda, incluso en aquellos años en que lo único que escuchaba era metal y era bastante más cerrado en cuanto a escuchar bandas que no tocasen ese estilo musical.
Este es el primer disco de The Cars. Pop refinado, especial, que no suena a ninguna otra cosa, característica que mantendrían a lo largo de toda su carrera. Hay tres temas que fueron éxitos radiales; Good Times Roll, My Best Friend´s Girl y Just What I Needed.
Creo que la magia de esta banda, es la guitarra por una parte, y por otra, la voz de Ric Ocasek. Ambos elementos logran crear esa atmósfera especial propia del grupo. También los teclados juegan un papel importante. Otra cosa interesante de este quinteto es que pueden sonar rockeros si así lo desean.
Un excelente debut, para muchos el mejor disco.

CARNAL FORGE - Firedemon

163.
2000
Suecia
Thrash Metal, Death Metal
**
Esta es una banda que me impresionó bastante la primera vez que la escuché. Pero luego me decepcioné casi de inmediato al escuchar con detención a Firedemon. Es que no hay nada nuevo aquí. Ese estilo súper rápido, cortado y muy agresivo, lo han hecho antes y de mejor manera. Nada supera a At the Gates, y Carnal Forge es una vil copia de esa gran banda sueca que ya no existe.

Por otro lado, todos los temas son parecidos, lo que no hace más que acentuar el tedio que provoca escuchar la placa en su totalidad. No me convenció para nada.

CARCASS - Swansong

162.

1996
Inglaterra
Thrash Metal, Death Metal
***
Algo de historia. Esta banda de Liverpool, Inglaterra, se formó en 1987 por el bajista y vocalista Jeff Walker, el guitarrista Bill Steer; quién también participó en los inicios de Napalm Death, y el baterista Ken Owen. Posteriormente se enrolaría Michael Amott.
Al principio la banda adoptaría un enfoque musical caótico, caracterizado por la utilización de gruñidos ininteligibles y monstruosos sobre una muralla sónica de bulla cacofónica, a la vez que ahondaba en temáticas relacionadas con mutilaciones, putrefacción, rupturas intestinales, sangre, y todo tipo de brutalidades relacionadas con la carne. Las portadas de los primeros discos eran gráficamente perturbadoras y chocantes, por decir lo menos.
Resulta increíble creer que hayan sido fichados por el sello discográfico Columbia. Aquello ocurrió después del excelente trabajo Heartwork, disco que catapultó a la banda a la fama. Claro que ya en Heartwork Carcass había dejado de lado la temática sanguinaria, y la portada de ese disco, hecha en colaboración con el pintor H.R. Giger, muestra un cambio estilístico dramático. Si fueron fichados por Columbia fue porque vendieron muchísimos discos para haber sido una banda tan radical.
Para cuando salió Swansong, Amott ya habría partido a Spiritual Beggars, y en su reemplazo llega el guitarrista Carlo Regadas. Y justo en el umbral de lograr el éxito comercial, Bill Steer abandona la banda, considerando que se estaba tornando demasiado comercial. A la vez aquello implicó el fin de Carcass. Walker y Owen formarían luego a Blackstar.
En cuanto al disco, este lamentablemente no logra generar la vibra y onda de Heartwork, quedando a medio camino entre real agresión sónica y lo comercial. Es demasiado suave, aunque suena innegablemente a Carcass.
Es lamentable que no hayan podido superar la vara que ellos mismos pusieron tan alta con su obra maestra, el ya mencionado álbum Heartwork. Pero que quede claro que no se trata de un mal disco, lo que sucede es que es mucho menos de lo que uno esperaba de ellos. Destacan los temas Keep on Rotting in the Free World y Don´t Believe a Word.

CARCASS - Wake Up and Smell...Carcass

161.

1996
Inglaterra
Thrash Metal, Death Metal
****
Este no es un álbum de estudio de Carcass, sino una suerte de compilación de temas con versiones que no se encuentran en los álbumes oficiales de la banda. Incluye dos versiones de Edge of Darkness y Rot ´n´ Roll (muy buen tema por lo demás), más una versión con una introducción muy pesada para el tema No Love Lost, introducción que no se incluye en el disco Heartwork, donde aparece originalmente. Esa introducción en particular es uno de los puntos altos del disco. También hay una versión del tema Buried Dreams que suena como demo, aunque eso se podría decir también de varios de los temas de este disco. De hecho el álbum tiene un sonido mucho más sucio y menos cristalino de lo que muestra la banda, particularmente, en los álbumes Heartwork y Swansong.
El disco se divide claramente en dos partes, siendo los primeros once temas parte del repertorio más accesible de la banda, y los restantes seis temas, parte de la época más corrosiva del grupo.
Esta claro que se trata de un álbum para los fanáticos, aunque no creo que deba considerarse como “lo mejor de” ya que le faltarían temas para cumplir cabalmente con esa definición.

CARCASS - Heartwork

160.
1993
Inglaterra
Heavy Metal/Death Metal
*****
Aaaaaaaaarrrrrrrrrrrrrrrrggggggggggggggghhhhhhhhhhhhh! Que puedo decir. Esto es lo máximo. Una obra maestra, ¡la creme de la creme del Metal Malvado! Y esa es opinión no sólo mía, sino de todo aquel que se precie de metalero. Este álbum, para mí, está dentro de los diez álbumes que más han influenciado mis gustos musicales. Además lo escuché y disfruté en la misma época que salió, fresquito del horno.
Este álbum reinventó la música extrema al reunir al mismo tiempo, agresión sónica, matices, solos de guitarra, rapidez, onda, melodía y cortes y quiebres no faltos de imaginación y mucho talento. Pero para llegar a esto Carcass tuvo que sacar varios discos antes, los primeros siendo una verdadera muestra de caos y desorden absolutos. Cosa de escuchar Reek of Putrefaction y luego Heartwork. Años luz de diferencia. El disco Necrotism Descanting The Insalubrious se acerca al nivel de tecnicismo y maestría de Heartwork, pero aun así no logra alcanzar los niveles de perfección de lo que posiblemente será considerado dentro de veinte años uno de los mejores discos de música extrema de todos los tiempos. Absolutamente necesario.

CARCASS - Necrotism Descanting the Insalubrious

159.
1992
Inglaterra
Death Metal
****
Disco anterior al elogiado Heartwork. Este es el álbum donde Carcass empieza a asomar más tecnicismo y calidad y menos asomos de grindcore. Interesante resulta el enfoque de Carcass hacia el metal, desarrollando un estilo propio, con matices de hard rock y harta onda. No es la típica tontera de bulla ininteligible propia de bandas grindcore. Carcass hace su propia cosa. Aun así, se trata de un disco denso, de difícil digestión, complejo y perturbador. Música armónica dentro de su propio caos sónico, cacofónica y desagradable al oído. Un manjar para los que gustan de lo que no gusta.

CARCASS - Reek of Putrefaction

158.

1988
Inglaterra
Death Metal, Grindcore, Noise
**
"Frencied Detruncation", "Vomited Anal Tract", "Feast on Dismembered Carnage" y títulos similares, no son algo con lo que uno se topa todos los días. Carcass, la importante banda de Gore Death Metal juega con las temáticas más aberrantes y demenciales. Personalmente nunca me ha agradado la sangre, ni las temáticas sanguinarias. No es mi estilo. En fin, como sea, Carcass, que maduró tremendamente como banda hasta revolucionar el mundo del metal en 1994 con su excelentísimo y virtuoso Heartwork, empezó como lo que se escucha en esta infame y vomitiva placa; una muestra de caos musical que no se entiende y que resulta ser en extremo aberrante. Influye en esto que la placa no tenga un sonido limpio ni cristalino, pero así fue como se grabó. Suena como si se estuviera escuchando un ensayo en un sótano. Creo que este es el límite de bulla a la cual puede aspirar una banda, si es que se puede aspirar a tal cosa. Simplemente no se puede llegar a ser más desagradable que esto. Cero melodía, cero armonía, con excepción de algunos temas que se entienden algo. Esto es ciento por ciento grindcore demencial y ultra pesado.

Para que tengan una idea vaga de lo que se trata esta pieza “musical”, consideren que una licuadora moliendo piedras suena más agradable. ¿Quedó claro? Seguramente se preguntarán si me gusta esto. En realidad este álbum de Carcass, no, pero para los que estamos metidos en esto del metal, es necesario conocer los extremismos más absolutos del género para poder comentar con algún tipo de fundamento. Por ejemplo, yo no podría comentar a Slayer y decir que son la banda más extrema y pesada que existe, por que eso no sería cierto. O sea, hay que conocer, y esto existe, y quizás mucha gente apenas lo pueda entender, pero es un registro sonoro como cualquier otro y merece ser comentado. Además, es entretenido analizar cosas como esta, por lo menos yo me divierto, y al final de cuentas eso es lo único que importa. Volviendo al disco, basta escuchar dos temas y no vas a querer más guerra.

CANNIBAL CORPSE - Bloodthirst

157.
1999
Estados Unidos
Death Metal
**1/2
Absolutamente nada nuevo bajo el sol es lo que trae la séptima placa de estudio de los Newyorkinos. Más de lo mismo, semejándose bastante a las dos placas anteriores; Gallery of Suicide y Vile. Realmente no hay mucho que decir aquí. Se nota que el quinteto no quiere arriesgar la cómoda posición de banda grande en el género en pos de mayor experimentación. Se abocan fielmente a su fórmula ganadora y no toman riesgos.
Al menos tienen la película clara.

CANNIBAL CORPSE - Gallery of Suicide

156.
1998
Estados Unidos
Death Metal
***
Otro simpático disco de esta brutal agrupación. Suena igual que el disco anterior, y lo más probable es que el próximo disco que editen suene igual a este. No veo mucha evolución en Cannibal, excepto en la calidad interpretativa de los músicos, que ha ido en aumento desde el disco The Bleeding en adelante. Pero no hay experimentación, ni ideas distintas a las que ya Cannibal nos tiene acostumbrado. Death Metal de primer nivel, pero sin sorpresas.

CANNIBAL CORPSE - Vile

155.
1996
Estados Unidos
Death Metal
****
Primer disco de Cannibal Corpse sin su vocalista original, Chris Barnes. En su reemplazo debuta George “Corpsegrinder” Fisher, que venía de la banda Monstrosity. La voz de George Fisher es más gritona y un poco más entendible que la de Barnes, pero de todas formas siempre dentro de lo gutural y brutal.
Musicalmente la placa nos lleva a terrenos ya conocidos. A esta altura, uno sabe lo que va a escuchar cuando se trata de Cannibal. Como digo también en otro comentario del grupo, no hay experimentación. Pero quizás no debiese haberla. Cannibal se dedica a desencadenar el más furioso y aplastante death metal y son maestros en lo que hacen, y eso hay que reconocerlo.
Tocar como tocan estos tipos y hacerlo todo el tiempo no es fácil. Es harta bulla, intricada a veces, muy potente, con mucha fuerza, y Vile resulta ser una buena muestra del poder sónico de esta controversial banda.

CANNIBAL CORPSE - The Bleeding

154.
1994
Estados Unidos
Death Metal
****
Para muchos este el mejor disco de Cannibal Corpse. Claramente superior a sus trabajos anteriores en cuanto a técnica y composición se refieren. Temas pesadísimos, rápidos y llenos de fuerza golpean la cabeza del oyente hasta llevarlo a un estado de malestar máximo o goce puro, dependiendo de las preferencias musicales. Una voz gutural, una gráfica perturbadora, guitarras afiladas, una batería a mil por hora y letras sobre los más diversos temas relacionados con la sangre, las violaciones y los asesinos en serie, son el menú con que Cannibal Corpse nos deleita. Música agresiva y maliciosa, no apta para abuelitos.
En cuanto a la banda, les cuento que el vocalista Chris Barnes dejó Cannibal después de este disco para formar Six Feet Under, una banda igual de pesada que esta pero más lenta. Otra cosa, la banda que aparece tocando en la película Pet Detective, de Jim Carrey, es Cannibal Corpse. Otra cosa más, Cannibal es la única banda de la historia que toque este tipo de música y que haya vendido más de un millón de copias de un disco, y que además haya aparecido en las listas de popularidad de la revista Billboard. Creo que el hecho de haber aparecido en una película ayudó mucho en ese sentido.
Por último, junto con Deicide y Morbid Angel hacen los Tres Grandes del Death Metal en la historia.

CANNIBAL CORPSE - Hammer Smashed Face

153.
1992
Estados Unidos
Death Metal
***
EP de cinco canciones que incluye material previamente no disponible. Comienza con la infame canción homónima, tema que aparece en el disco Tomb of the Mutilated, seguido por los covers The Exorcist; original de Possessed, y Zero the Hero; original de Black Sabbath. Termina con Meat Hook Sodomy y Shredded Humans. ¡Vaya con los títulos de estos dementes!
Esta colección de cinco temas no representa gran cosa dentro de la discografía de la banda y debiera ser de interés sólo para verdaderos fans, siendo el cover de Black Sabbath lo más destacable, no tanto por le bien que salió el tema, sino por como Chris Barnes asesina el tema con sus vomitivos gruñidos de ultratumba.

CANNIBAL CORPSE - Tomb of the Mutilated

152.

1992
Estados Unidos
Death Metal
****
Una vez un crítico de música dijo que si el vómito fuese una película, la música de Cannibal Corpse sería el sountrack. Una opinión valida, como cualquier otra, pero lo cierto es que refleja escaso aprecio por el death metal. Es cierto que la gráfica de la banda, sus ofensivos títulos de canciones, como por ejemplo, Entrails Ripped From a Virgin´s Cunt y Addicted to Vaginal Skin; que vienen en este álbum, y sus abominables letras, pueden hacer pensar a cualquier persona “normal” que esto es basura. Pero lo cierto es que hay un millón de personas allá fuera en el mundo de que seguro no piensan de la misma forma, y bueno, yo soy uno de ellos. Tengo que decir que personalmente nunca he enganchado con la temática gore (sanguinaria) de la banda, en parte porque detesto ver sangre y todo lo relacionado con mutaciones corporales. Pero eso no tiene nada que ver con lo que cinco tipos con dos guitarras, un bajo, una batería y una voz endemoniada puedan generar. Para mí la música es lo que vale, más allá de toda la parafernalia marketera detrás de ella, y lo cierto es que Cannibal Corpse, aunque cantaran sobre pajaritos y vaquitas pastando, seguirían siendo una banda brutal. Tomb of the Mutilated es la tercera entrega de la agrupación y uno de sus álbumes más controversiales. En realidad, los tres primeros álbumes, Eaten Back to Life, Butchered at Birth y éste, que comentamos ahora, son los que más revuelo causaron en su momento y más problemas le han generado a la banda, llegando a estar prohibidos en algunos países.

Tomb of the Mutilated es una patada en la cara y una muestra del verdadero espíritu del death metal más corrosivo, infame y ofensivo que pueda imaginarse. Esto no es para todo el mundo, y así debe entenderse.

CANNIBAL CORPSE - Butchered at Birth

151.
1991
Estados Unidos
Death Metal
**1/2
Segundo álbum de estudio de una de las más brutales bandas de la historia. Un trabajo uniforme, y no más que una muestra de intensísimo y abominable death metal de principio a fin, con escaso aporte melódico. No es lo mejor de la banda, aunque por tratarse de los comienzos del grupo tampoco debiéramos ser tan duros con ellos. Es un trabajo primitivo, aunque tocado correctamente, logrando llamar la atención.
Mejores entregas vendrían a futuro, destacando el que probablemente sea el mejor álbum de Cannibal Corpse, el virulento The Bleeding, de 1994. Comparen ambos discos y se darán cuenta de la supremacía de este último.

CAMOUFLAGE - Methods of Silence

150.

1989
Alemania
Tecno
****
Desde siempre supe del primer disco de Camouflage, y aunque había tenido la oportunidad de escuchar ésta, su segunda placa, por extrañas circunstancias nunca me animé a hacerlo. Hasta ahora.
Methods of Silence ha resultado ser una agradable sorpresa. Un disco tan bueno como su debut para Atlantic. Hay una canción conocida, el hit bailable Love is a Shield. Buen tema, pero no tan fuerte y efectivo como The Great Commandment, del disco anterior.
Esta segunda entrega viene a ser una continuación sensata y concordante con lo que ya venía haciendo el trío, y cualquiera que haya disfrutado de su primer álbum, encontrará aquí más motivos para seguir escuchándolos. Buenas canciones, buenas ideas, con un sonido altamente reconocible y con mayor experimentación que en Voices & Images.
Luego de este trabajo, Oliver Kreyssig dejaría la agrupación, y para el tercer disco Meanwhile (1990), Camouflage trabajaría como un dúo, pero apoyado por músicos de sesión. Bodega Bohemia aparecería en 1993 y Spice Crackers en 1995.

CAMOUFLAGE - Voices & Images

149.

1988
Alemania
Tecno
****1/2
El primer álbum del trío alemán compuesto por Marcus Meyn, Oliver Kreyssig y Heiko Maile. Contiene el hit radial The Great Commandment, canción no pocas veces confundida como propia de Depeche Mode. A primera escucha sin duda que es posible confundirse, pero una escuchada más atenta revelará que posee una vibra totalmente distinta y única que nada tiene que ver con Depeche Mode. Las dos bandas están involucradas fuertemente en música electrónica, esa es su similitud, pero cada una hace lo suyo con singular talento y sonido propio.
La crítica hunde bastante a esta banda considerándola (especialmente con este álbum), como un mero clon de la ya citada banda inglesa. Yo discrepo totalmente con esas apreciaciones facilonas y que solo escarban apenas la superficie.
Voices & Images es un álbum genial, con excelentes y cuidadas composiciones no carentes de gran sentimiento, algo muchas veces inpensado dentro del supuestamente frío y maquinal mundo tecno.
Camouflage ha sabido introducir a sus canciones verdadera savia, lo que hace que éstas sean claramente diferenciables unas de otras, destacando That Smiling Face; que abre el disco, Helpless, Helpless, Stranger Thoughts, From Ay to Bee y Where Has the Childhood Gone.
El disco tiene una innegable tendencia hacia la melancolía, pero sin llegar a ser triste, y se mantiene interesante a traves de cada una de las diez canciones. Definitivamente Camouflage ha demostrado que son más que un mero trío tecno con una canción conocida, y han podido crear un trabajo consistente y sólido que de seguro sorprenderá a más de alguno.

CACOPHONY - Go Off!

148.

1989
Estados Unidos
Speed Metal
**1/2
Este es el segundo y último disco de Cacophony. Al igual como el debut Speed Metal Symphony, es una soberbia muestra del innegable talento de sus dos guitarristas virtuosos, Marty Friedman y Jason Becker. Lamentablemente no alcanza las cotas de brillantez y genialidad de su predecesor.
Luego de este trabajo la banda se separaría oficialmente en 1990, con Friedman enrolándose en Megadeth, donde estaría durante toda la década delos noventa. Por su parte, Becker se enrolaría en la banda de David Lee Roth, aunque por poco tiempo, puesto que la enfermedad de Lou Gehrig le sería diagnosticada, impidiendo a la larga volver a tocar guitarra.

CACOPHONY - Speed Metal Symphony

147.
1987
Estados Unidos
Speed Metal, Heavy Metal

*****
Para aquellos que aprecian el virtuosismo y tecnicismo en guitarra este álbum es una obligación absoluta.
Con un acertado nombre de disco que deja claramente establecido de que trata el álbum, los insignes y asombrosos guitarristas Marty Friedman y Jason Becker, nos muestran en los siete cortes del trabajo una alucinante demostración de dominio y técnica pocas veces igualado. Una tras otra, las escalas y arpegios se suceden a una velocidad fuera de este mundo, dejando al oyente en un franco estado de incredulidad. No es posible tanta rapidez. Pero sí lo es. Pero lo realmente asombroso es que este disco debut de Cacophony no es una demostración desabrida y descolorida de talento auto indulgente, vacuo y sin dirección. El álbum, sorprendente como lo es en cuanto a técnica, posee a la vez inspiración y sentimiento, haciendo de su escucha un deleite.
Destacan todas las canciones, en especial Where My Fortune Lies, Concerto, y el tema homónimo, este último un espectacular instrumental de cerca de diez minutos que cierra magistralmente, lo que a mi parecer es uno de los mejores álbumes de este estilo de todos los tiempos.
Acompañan a Friedman y Becker, el talentoso baterista Atma Anur y Peter Marrino en las voces. El bajo está tocado por Friedman.

BURZUM - Det Som Engang Var

146.
1994
Noruega
Black Metal
****
Lo primero que alguna vez escuché de Burzum fue su EP Aske. En su oportunidad lo consideré bastante malévolo. Ahora que vengo a escuchar este disco, la segunda entrega oficial de Burzum, nuevamente debo utilizar el adjetivo de “malévolo” para definir la propuesta del singular artista que se esconde tras Burzum (Detalles de su persona ya están expuestos en el comentario del EP)

A pesar de la maldad que hay detrás de la fría y sombría muestra de primitivo black metal que es el disco, en general se trata de un trabajo sorprendentemente melódico que inmediatamente trae a la mente a la banda sueca Dissection, por supuesto que restándole la calidad técnica. El sonido de la guitarra y sus lúgubres acordes recuerdan a aquella mítica banda. ¿Quién influyó a quién? No sé, ambas bandas son de la misma época.
Volvamos al tema de la melodía. Quizás resulte difícil para algunos encontrarla, pero si uno es capaz de escuchar más allá de los desgarradores gritos del conde Grishnackh y el sonido amplio y punzante de las guitarras, podrá notar que aquí hay mucho más de lo que aparenta a primera vista. o escucha. Por ejemplo, el quinto tema es un instrumental seudo new age que cualquier persona podría apreciar. A la vez recuerda mucho a Mortiis y viceversa. Es cierto que ese es el único tema diferente en la producción, y que el resto muy difícilmente podría ser apreciado por un público masivo, pero al menos nos muestra a un artista que no tiene miedo en experimentar y que definitivamente tiene mucho que decir, aparte de enajenar al mundo con sus tormentosos lamentos. Para oídos aventureros.

BURZUM - Aske (EP)

145.

1993
Noruega
Black Metal
***
Burzum es el proyecto musical de Christian Vikernes, conocido también como Varg Vikernes, alias Count Grishnackh. No hay otros miembros en Burzum, trabajando Vikernes en solitario en casi toda la música, exceptuando este EP donde participa también Samoth, bajista de Emperor, Satyricon y Zyklon, entre otras bandas.
Vikernes es reconocido como una importante y trascendental figura dentro del black metal noruego, pero ha pasado a la historia no tanto por su música, sino más bien por haber asesinado a Euronymous, compañero suyo en la banda Mayhem. Hoy en día sigue componiendo música desde la cárcel.
Aske es un EP que nos muestra el demencial arte del Conde Grishnackh (nombre sacado de un libro de Tolkien). Musicalmente se trata de un black metal primitivo, de escasa técnica, pero con cierta inclinación experimental que se traduce en coqueteos con el dark ambient, la música industrial y la electrónica en general, elementos que se harían mayormente patentes en el disco de 1996, Filosofem. Pero su veta experimental de ningún modo resta la verdadera maldad que hay detrás de esta música, difícilmente apreciable por oídos comunes. El esquema musical es simple, pero la voz de Vikernes y sus gritos reflejan claramente su enferma y perturbada psique llena de odio y misantropía.
La producción es escasa, pero también es cierto el black metal noruego de inicios de los noventa buscaba ansiosamente sonar sucio y poco cristalino, tal como aquí escuchamos.
Queda claro que esto no es material para todo el mundo, ni siquiera para todos los amantes del heavy metal. La propuesta queda para oídos aventureros que deseen conocer la música de un asesino, un tipo que llevó más lejos que nadie la doctrina del black metal más como religión que como música.
Más allá de cualquier apreciación, es imposible ignorar algo de esta naturaleza puesto que no se trata de un disco más de heavy metal, sino de una verdadera expresión de maldad hecha música.

BRUTAL TRUTH - Extreme Conditions Demand Extreme Responses

144.
1992
Estados Unidos
Grindcore, Death Metal
*****
Si las condiciones extremas demandan efectivamente respuestas extremas, este álbum debut en definitiva es la respuesta más extrema que a Dan Lilker (bajista de Nuclear Assault) y compañía se les pudo haber ocurrido. Cerca de sesenta y siete minutos (incluyendo los bonus tracks)* de irreverente y apocalíptica sucesión de descarga de brutal energía llena de gritos desgarradores, velocidad apabullante, locura y nihilismo.
Musicalmente se parece mucho a un death metal asesino, pero esto es aun más extremo, ya que no solo incluye las obligadas voces guturales, sino que también sicóticos e insanos gritos. A veces se escuchan ambos tipos de voces a la vez, lo que hace de la música todavía más desagradable, por lo menos, para el oyente medio.
En cuanto a las letras, éstas tratan de variados temas, todos dentro de una corriente de pensamiento anti-sistema, anti-religioso, nihilista, libre pensante, tolerante y ecológico. Así se puede notar en temas como "Birth of Ignorance", "Denial of Existence", "Monetary Gain" y "Anti-Homophobe"; ésta última una canción donde hay una línea que lee; “Yo no soy gay, y no me importa si tú lo eres, vive tu vida en paz, y mándalos a la cresta si se ríen”. Ciertamente no se trata de la típica letra death metal, y eso hay que destacarlo.
En cuanto a la producción, la placa suena como un cañón, de sonido limpio y claro, aunque de todas maneras no se entienda casi nada de lo vocifera Kevin Sharpe, pero esa es la idea, que no se entienda nada. Por suerte el disco viene con las letras. Acompañan Brent McCarty en guitarra y Scott Lewis en batería.
Una verdadera carnicería musical no apta para oídos comerciales. Un disco que ya es considerado un clásico dentro de la maldita y nefasta corriente del grindcore. Memorable, para compartir en familia. Jajajajaja.

* En 1995 se volvió a editar este disco y con bonus tracks, que es el que revisamos aquí, aunque arriba está el año de la primera edición.

BRUJERIA - Brujerizmo

143.
2000
México
Death Metal, Thrash Metal
***
Brujeria es un proyecto musical liderado por Dino Cazares, guitarrista de Fear Factory. Han participado con él Billy Gould (ex Faith No More), Shane Embury (Napalm Death) y Nick Barker (Cradle of Filth, Dimmu Borgir). Ciertamente un proyecto de estrellas del underground y no tan underground.

Voces en español, sonido a lo Fear Factory, cortesía del guitarrista Dino Cazares, letras divertidas y una actitud muy: “Vayanse todos a la cresta”, es lo que nos entrega esta placa, tercera en la no muy prolífica carera del grupo.
Es divertido saber que este material es de México, país que nunca se ha caracterizado por sus bandas de Metal. Así que ya saben, hay más que rancheras y el Canal de las Estrellas en el país de los mariachis. Ahora bien, este disco no pasa de ser más que una bufonada simpática o una curiosidad dentro del universo musical. No hay que matar a nadie por esto. Aun así hay algunos temas que sobresalen como Raza de Odio y Anti-Castro. En síntesis, divertido, además de darle al metal un sentido del humor que rara vez se ve, o escucha.

BRUCE HORNSBY - Harbor Lights

142.
1993
Estados Unidos
AOR, Jazz Fusión, Rock/Pop
****
Bruce Hornsby tuvo tres Top 20 en 1986 de su primer álbum The Way It Is, siendo el tema del mismo nombre su mayor éxito. El mismo año ganaría un Grammy como mejor nuevo artista y su disco llegaría a vender dos millones de copias.
Harbor Lights es su cuarta producción y según sus propias palabras es un disco especial pues lo grabó en su casa, sin su banda de costumbre, The Range, y sin un productor. Pero más interesante resulta el hecho de que diversos músicos de gran renombre han trabajado en este álbum, como Jerry Garcia, el mismísimo Phil Collins, y Pat Metheny, entre otros. Al escuchar el disco se distingue claramente a este último en las intervenciones que hace en las dos canciones donde participa, Harbor Lights y China Doll. Sin duda, el sonido de la guitarra de Metheny difícilmente pasa inadvertido.
Un buen disco, de corte netamente jazzístico, de gran complejidad técnica como habría de esperarse, pero con un lado pop claramente discernible.

BRUCE DICKINSON - Accident of Birth

141.

1997
Inglaterra
Heavy Metal
****
A decir verdad no estaba muy entusiasmado con comentar este tercer álbum solista del mítico vocalista de Iron Maiden, debido en parte a que mi interés por Maiden llegó hasta el álbum Seventh Son Of a Seventh Son. Así, era difícil que me llegara a interesar siquiera por la carrera solista del vocalista de una banda que ya había olvidado. Pero me di el ánimo y puse la música de todas maneras.
Lo que más me agradó de este álbum es que no se parece para nada a Iron Maiden. Dickinson sin duda trató de darle al álbum un sonido propio, algo que dijera que se trataba de su proyecto como solista y que podía brillar con luces propias. Y lo logró con mucha gracia y talento. A la vez, Iron Maiden trataba de lograr algún tipo de convencimiento con el reemplazo de Dickinson, Blaze Bayley, sin lograr mayor impacto en el mundo del heavy metal. Sin lugar a dudas, la carrera de Dickinson como solista ha sido mucho más exitosa que la carrera de Maiden sin Dickinson, y eso habla muy bien de la voz y carisma de un hombre que le da a Iron Maiden una magia que nadie al parecer puede reemplazar.
En esta oportunidad Bruce nos entrega una buena dosis de enérgico heavy metal, muy tradicional, pero como dije, sin parecerse a Maiden, y con algunas influencias de los años noventa, especialmente en los riffs de guitarra. Esto se puede notar claramente en Welcome to the Pit, que recuerda un poco a Zakk Wylde, guitarrista de Ozzy.
Las canciones que más me gustaron fueron: "Road to Hell", "Man of Sorrows", "Accident of Birth", y "Art of Space", esta última un tema lento que finaliza magistralmente un disco que en general es bastante parejo pero que no logra caer en el aburrimiento. Muy destacable los solos de guitarra y los riffs, estos últimos le dan todo el peso y fuerza a un álbum que es mucho más de lo que alguna vez pensé que pudiera ser.

BREAD - Baby I´m - A Want You

140.

1972
Estados Unidos
Soft Rock
****
El más exitoso de los discos de esta popular banda de soft rock de los setenta. Contiene tres canciones que fueron éxitos radiales: Mother Freedom, Baby I´m A Want You y Everything I Own. Estas dos últimas en el más típico estilo de balada lenta que hizo famosa a la banda. Pero no solo hay baladas en este disco, también hay una buena dosis de rock and roll, como se puede apreciar en cortes como Down on My Knees y Nobody Like You. Nada excepcionalmente radical, pero que muestra una faceta distinta a la que generalmente se le asocia a la banda. Luego de este disco aparece la quinta producción de estudio, Guitar Man, que también se editó en 1972.
Al iniciarse 1973, David Gates y James Griffin, los fundadores de Bread, tienen una disputa acerca de como se estaban dividiendo los singles. Gates era el que escribiría la mayoría de ellos y quería seguir haciéndolo, situación con la cual Griffin no estaba de acuerdo. Debido a esto la banda se separa, y Gates y Griffin se dedican a sus particulares carreras como solistas, siendo Gates el más exitoso en la nueva aventura. Pero esto no sería el fin de Bread aún. La banda se reformaría en 1976 (con Gates y Griffin) y sacarían el sexto y último disco Lost Without Your Love, en 1977. La reunión duraría poco, pues las tensiones entre Gates y Griffin volverían a resurgir, y finalmente Griffin abandonaría la banda. Gates, siguió por un tiempo actuando bajo el nombre de Bread, siendo demandado por Griffin por utilizar el nombre de Bread, nombre del cual ambos fundadores eran dueños. Recién en 1984 se resolvería el caso.
Pero más allá de todos los problemas que pudo tener la banda, lo cierto es que dejaron un legado de excelente soft rock, con canciones por siempre clásicas del género, siendo este uno de sus álbumes más representativos.

BRAM STOKER`S DRACULA

139.
1992
Estados Unidos
Clásica
****
Esta es la banda sonora de la película del mismo nombre inspirada en la novela de Bram Stoker. Me gustó esta placa ya que cumple fielmente con el propósito que creo debe tener la banda sonora de una película de terror, y es la de asustarlo a uno y generar una vibra oscura alrededor de la sala donde uno este escuchando la obra. Musicalmente el registro está muy inclinado hacia el lado de la música clásica, con excepción del último tema, a cargo de Annie Lennox (ex The Eurythmics), que con un corte derechamente pop, da la cuota de paz y sosiego con la canción acertadamente titulada Love Song for a Vampire.
En general toda la música es muy relajada y suave, pero a la vez sombría y tenebrosa, efecto que se logra con los tristes lamentos de violines, los sonidos graves de un piano espectral y voces fantasmales. Y como no, tampoco falta el inesperado corte que sigue con algo totalmente imprevisto.
En algunas partes recuerda un poco a la música de La Profecía, otra notable placa del séptimo arte que recomiendo a ojo cerrado.
Volviendo al disco que ahora ocupa nuestro tiempo, es recomendable que se escuche a altas horas de la noche, para así potenciar aun más el efecto tenebroso de la obra.

BOLT THROWER - The Fourth Crusade

138.

1992
Inglaterra
Death Metal
***1/2
Bolt Thrower se formó en 1986 en Birmingham, Inglaterra. Y un dato curioso es que cuenta con una mujer entre sus filas, la bajista Jo Bench. Menciono esto porque no es común encontrar mujeres tocando en bandas de este estilo de música.

Al principio componían Bolt Thrower Alan West en las voces, Barry Thompson en la guitarra, Gavin Ward en bajo, y Andy Whale en la batería. Al poco tiempo se une Jo Bench para tocar el bajo, y Ward deja su instrumento por la guitarra. Así queda compuesto este quinteto, pero sólo por un tiempo. En 1988 Alan se alejaría, siendo reemplazado por Karl Willets.

Es álbum, cuarto en la carrera de la banda, es de un death metal muy apegado a la fórmula básica del género, o sea, voces guturales, riffs machacantes, doble bombo de batería, y todos los demás condimentos propios del estilo. Es un disco potente, fuerte, pero no tan extremo como otras bandas, especialmente en cuanto a la variable velocidad. Diría que la banda es ligeramente más pausada que algunos de los grupos gringos de la misma especie.

BLUE ÖYSTER CULT - Cult Classic

137.
1994
Estados Unidos
Hard Rock, Heavy Metal
***
Esta es una banda de rock clásico de los setenta que se formó en 1967 en Long Island, Nueva York. No conozco su discografía, y sólo tengo esta pequeña muestra de canciones clásicas de la banda, donde destacan los hits Don´t Fear the Reaper y Burning For You, ambas canciones que siempre fueron de mi grado, y la razón principal de por qué tengo este álbum.
La primera vez que escuché la placa no le encontré ninguna gracia, excepto la de tener las dos canciones que me gustaban. Pero de a poco fui descubriendo algunos temas más, como Godzilla, Astronomy (Metallica hizo un cover de esta canción) y Buck´s Boogie, que ahora me agradan bastante, especialmente éste último, que es un instrumental alucinante lleno de rock and roll.
En cuanto a la música en sí, la banda toca un hard rock mezclado con algo de heavy metal, pero con un tono más suave que en otras bandas de rock clásico.
El álbum trae catorce temas. Don´t Fear... y Godzilla vienen en dos versiones, en formato original y sin voces principales. Según el librillo del disco compacto, son para que uno mismo le ponga la voz. Sin lugar a dudas la excusa perfecta para hacer que los fans compren el álbum. Yo lo compré por otro motivo, así que en realidad esas versiones ni me van ni me vienen, además de que no me creo buen cantante y lo del karaoke nunca ha sido lo mío. En fin.

BLOODBATH - Breeding Death

136.

2000
Suecia
Death Metal
****

BLESSED DEATH - Destined For Extinction

135.
1987
Estados Unidos
Thrash Metal, Speed Metal
****
Blessed Death fue una agrupación que nunca logró ningún reconocimiento, perdiéndose en los anales del tiempo, pero para quienes los conocen y disfrutan de su música, es uno de los secretos mejor guardados del underground. Combinando la ferocidad de Slayer, Exodus y Dark Angel, Blessed Death no reinventa el thrash, pero lo hace tan bien que uno no entiende por qué no llegaron más lejos. Quizá la clave se encuentre en el nombre del disco, profético y visionario. “Destinado a extinguirse”, más que un simple nombre de disco, es el epitafio adelantado de la banda. Como dato curioso, les comento que discos como Nothing to Gain (Nada que ganar) de Vio-lence y Destined to Fail (destinado a fracasar, de una banda que no recuerdo en este momento) también han pasado al olvido sin pena ni gloria. Moraleja: No hay que subestimar el poder de un nombre. ¿Ustedes creen que Metallica hubiese llegado tan lejos si en vez de nombrar su primer disco como Kill ´Em All (Mátenlos a Todos), le hubieran puesto Surrender to All (Rendirse ante todos)? Yo creo que no. Volviendo al disco que nos compete ahora, Destined... logra su propósito de desencadenar un violento asalto musical, siguiendo la pauta de las bandas que mencioné al principio, pero sin destacarse por tener un sonido propio. La voz recuerda a Paul Baloff de Exodus, las guitarras suenan a Slayer, y en general, todo suena a otras bandas, pero aún así el disco resulta, al menos, entretenido.

BLESSED DEATH - Kill or be Killed

134.
1985
Estados Unidos
Thrash Metal, Speed Metal
***
Este es le primer disco de Blessed Death, una banda originaria e Nueva Jersey, Estados Unidos, y que alcanzó a grabar tres álbumes, aunque sólo editó dos. La tercera placa, Born to Die se grabó, pero nunca se lanzó. Tal como señala su título, ¡nació para morir!
Para ser primer disco esto está bastante bien, y al igual que el segundo disco, Destined for Extinction, mereció haber llegado más lejos. Quizás no muy lejos, pero al menos más lejos del lugar hasta donde llegó. Musicalmente, a pesar de no tratarse de ninguna maravilla, hay detrás de este álbum suficiente talento técnico como para ser tomado en serio. Ciertamente recuerdan mucho al antiguo Slayer, quizás no todo el tiempo, pero con suficiente frecuencia como para considerar la semejanza como el punto negativo del disco. Definitivamente no tiene sonido propio y la producción no es de lo mejor.
Donde sí destaca Blessed Death es en cuanto a complejidad musical. También destaca en las voces, a cargo de Larry Portelli, quien tiene un interesante registro y sabe gritar tanto como cantar.
Acompañan a Portelli, Jeff Anderson y Nick Fiorentino en guitarras, Kevin Powelson en bajo, y Chris Powelson en batería. Estos dos últimos, hermanos gemelos idénticos.

BLASPHEMY - Fallen Angel of Doom

133.
1990
Estados Unidos
Death Metal, Grindcore
**
Blasphemy es una banda de death metal primitivo con asomos de grindcore. Su nivel técnico es bastante bajo, y en general no tiene mucho que decir, aparte de meter una endiablada bulla apta sólo para oídos entrenados en las artes de la brutalidad sónica. Hay muchas bandas que superan a ésta en la siempre poco popular propuesta death metal. Además, la producción de la placa no los acompaña.

BLACKSTAR - Barbed Wired Soul

132.

1997
Inglaterra
Heavy Metal
****
Blackstar nace luego de la disolución de Carcass, siendo formada por los dos ex miembros de aquella banda, el vocalista Jeff Walker y el baterista Ken Owen.
Este es un disco muy interesante, muy fresco, original, lleno de ideas nuevas y muy, pero muy rockanrolero. La guitarra distorsionada nos recuerda que esto todavía es pesado, pero en ningún caso brutal. No se parece a Carcass ni en la voz, ni en la música. Para los fans de aquella banda podría ser una decepción, pero a la vez este trabajo es mucho más digerible para la masa que cualquier cosa hecha por Carcass, con excepción quizás de Swansong, último disco de Carcass.
Sea como sea recomiendo escuchar Barbed Wired Soul cuando se quiera subir el ánimo, por que el álbum tiene mucha onda y camina por el lado más alegre del metal, eso sí, sin ser jamás Happy Metal. (Léase Rhapsody, Sonata Arctica, Edguy, etc.)

BLACKMORE´S NIGHT - Shadow of the Moon

131.

1997
Inglaterra
New Age
****
Ritchie Blackmore es más conocido por haber sido el brillante guitarrista de Deep Purple y por haber fundado Rainbow que por sus experimentaciones con música con inclinación New Age. Para sorpresa de muchos, existe este gran álbum que no se parece a nada de lo que Ritchie nos tenía acostumbrado. De partida ni siquiera hay guitarras distorsionadas en esta placa, ni complejos solos de guitarra, ni nada que se acerque a lo que hacía en las bandas ya mencionadas. Blackmore´s Night es algo totalmente distinto para este viejo rockero, quién junto a su hermosa y joven esposa ha creado elegantes piezas de música muy influenciada por elementos medievales, paganos y celtas. Los temas son enriquecidos con la suave y melodiosa voz de su mujer, quién acerca la música hacia las fronteras del New Age, aunque si somos estrictos, jamás catalogaríamos esta música como New Age. Pero por lo menos sirve como aproximación, y así la he definido para ahorrarnos complicaciones.
La música es indudablemente excepcional, y no se podría esperar menos de uno de los más brillantes guitarristas de rock de todos los tiempos. Cada canción es una pieza de frágil delicadeza, de gran brillantez, deslumbrante y ensoñadora, melodiosa y fácil de asimilar. En cuanto a la voz, a ratos recuerda a Loreena Mckennitt, pero el parecido es solamente superficial.
En general, la música es casi toda en guitarra, adornada con instrumentos de viento y una ligera percusión. En el tema Writing on the Wall se aprecia una batería programada y sería el único punto en contra de este interesante álbum. En todo caso ese tema no es malo, y curioso, comienza con la misma introducción de un tema muy conocido de Marillion.

BLACK SABBATH - Reunion

130.
1998
Inglaterra
Heavy Metal
****
Grabado en vivo en el pueblo natal de la banda, Birmingham, Reunion, tal como señala su nombre, es un disco que trae de vuelta a la formación original de Black Sabbath; Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward. Es un disco mayoritariamente en vivo, con 16 canciones en ese formato, más dos temas nuevos de estudio, Psycho Man y Selling My Soul. Las canciones en vivo nos dan un repaso de lo más clásico de esta inmortal banda, incluyendo los atemporales cortes War Pigs, N.I.B., Sweet Leaf, Snowblind, Sabbath Bloody Sabbath, Iron Man y Paranoid, entre otros.
También hay un par de sorpresas, dos temas que salen del repertorio conocido de la banda, como Behind the Walls of Sleep y Dirty Women.
Y aunque gran parte de lo que este disco ofrece puede ser escuchado en el disco en vivo de Ozzy Osbourne, Speak of the Devil, el hecho de que aquí toquen los miembros originales le da a este disco una importancia mayúscula, aunque algunos piensen que no es más que un intento marketero para seguir lucrando con el nombre de la banda. En parte eso es cierto y explica el porqué de la inclusión de los dos temas nuevos de estudio. Pero también es cierto que este disco es el verdadero disco en vivo de Black Sabbath con sus miembros originales. Live Evil, de 1982, incluía a Ronnie James Dio en las voces, y Live at Last, de 1980, fue lanzado sin la aprobación de la banda. Así, Reunion, cumple con dos objetivos a veces difíciles de hacer congruentes, que son vender y a la vez entregar material de verdadera importancia, y no un reciclaje barato de glorias pasadas. Por otro lado, la banda suena excelentemente bien, estando a años luz del mediocre sonido de Live Evil.
En cierta manera, Reunion es algo así como una dulce venganza, y viene a coronar los casi treinta años de carrera de la banda al momento de su edición diciéndole al mundo: “Somos viejos dinosaurios del rock, pero aún sabemos dar un espectáculo de gran calidad”.

BLACK SABBATH - Dehumanizer

129.

1992
Inglaterra
Heavy Metal
***
Este es el disco de Sabbath que trae de vuelta Ronnie James Dio como cantante, y será por esta única vez. Al final tenemos tres discos de estudio de Sabbath donde participa “el enano maldito”: Heaven and Hell, Mob Rules y Dehumanizer. No me queda claro cual fue la idea de traer de vuelta a Dio, y porqué este no siguió en la banda después de terminar Dehumanizer.
Hay dos temas conocidos, T.V. Crimes, del cuál incluso había un video, y Time Machine, que es parte de la banda sonora de la película Wayne´s World. Buenos temas para un disco de buenas canciones pero que no convence del todo. Definitivamente la década de los noventa no fue la mejor para Sabbath en términos de creación artística. La de los ochenta fue interesante, aunque nadie puede negar que la gloria de estos veteranos estuvo en los setenta.
No es un mal disco en ningún caso, pero tiene escaso aporte. Un disco totalmente prescindible de rock duro sin mucha magia y que además tuvo escaso impacto comercial.