KATATONIA - Discouraged Ones

533.
1998
Suecia
Doom Metal, Rock/Pop
****
Katatonia es una banda que comenzó como una agrupación inclinada hacia los esquemas death metal. Ya en este tercer álbum larga duración dejan de lado aquello e incorporan solamente voces suaves, aunque siguen manteniendo bastante pesadez y un sonido derechamente metálico.
Como su nombre da a entender, Katatonia se especializa en hacer composiciones llenas de melancolía y desánimo. ¡Temas catatónicos! Es como Pink Floyd, pero bastante más distorsionado. Creo que no hay un momento de alegría en todo lo que dura el disco, sin que este sea necesariamente depresivo, pero lo más importante es que atrapa y cautiva, entregando al oyente una suerte de doom psicodélico y lisérgico que quizás al principio cueste digerir, pero una vez que se asimila causa una muy buena impresión.

JULIAN COPE - Peggy Suicide

532.
1991
Inglaterra
Rock/Pop Alternativo
***
Originalmente Peggy Suicide apareció como un vinilo doble. Luego en su formato de disco compacto se redujo a un solo disco. Se trata de un álbum conceptual de largos 76 minutos sobre la Madre Tierra y sus sufrimientos, según las propias palabras de Cope. El nombre tan peculiar de Peggy Suicide es simplemente el apodo con que Cope denomina a la Tierra.

La mejor definición para la música de Peggy... es la de “Alternativa”, aunque "rara" y "extraña" también calzan a la perfección. La música es bastante intimista, con letras que reflejan claramente la postura política de Cope. Sumemos a eso una no despreciable dosis de locura y lo que tenemos es un álbum cuya escucha es una experiencia unica. Y no es un dato anexo sin importancia el hecho que Julian Cope sea un adicto al LSD, y con comprobados trastornos psíquicos, pues todo ello se refleja en la música.

Hay un aire psicodélico en toda la obra, lo que hace que no sea de fácil escucha para personas más inclinadas hacia patrones rítmicos más accesibles. Un disco extraño y amargo, pero muy interesante.

JUDAS PRIEST - Demolition

531.

2001
Inglaterra
Heavy Metal
*
Segunda entrega de estudio con el vocalista Ripper Owens. Excesivamente largo, con setenta tediosos minutos y trece temas de variada calidad sin que ninguno sea excepcional. Por lo menos en el disco anterior, Jugulator, habían dos temas realmente rescatables, pero aquí no hay nada. Posiblemente este sea considerado más adelante como el peor disco de la banda. Extenso, aburrido y falto de creatividad. Da la imprtesión que es hora de bajar la cortina y retirarse, o traer de vuelta a Rob Halford (cosa que finalmente se hizo) porque con este tipo de discos la banda no va a ninguna parte. Penoso.

JUDAS PRIEST - Priest, Live & Rare !!

530.
1998
Inglaterra
Heavy Metal
***
Tal como nos señala el título de este álbum, lo que aquí tenemos es Judas Priest en vivo y cosas raras, hasta ahora, difíciles de conseguir. La mayor parte del disco (nueve de los diez temas) es en vivo, con presentaciones rescatadas del 7 pulgadas Evening Star, y los 12 pulgadas Take on the World, Hot Rockin´, The Green Manalishi y Parental Guidance. De este último rescatan el tema "Turbo Lover" (único tema no en vivo) en una versión discotequera que a más de alguno sorprenderá, y que nos muestra lo más pop que llegó a ser la banda en los ochenta. Era la época y era la onda y todos los grandes grupos de heavy metal tuvieron desvaríos de esta índole, y bueno, a esta altura resulta algo totalmente divertido y que no hay que tomarse muy en serio.
En general creo que se trata de un buen disco, aunque de ninguna manera lo podríamos considerar como imprescindible, siendo Priest...Live! mejor opción a la hora de querer disfrutar del sonido en vivo de la banda. Por otro lado, la inclusión de dos versiones en vivo de "Breaking the Law" resulta redundante, aunque el fan más religioso de seguro las valorará como piezas de colección dignas de poseer.

JUDAS PRIEST - Jugulator

529.

1997
Inglaterra
Heavy Metal
**1/2

Jugulator es el primer disco de Judas Priest que no cuenta con los servicios vocales del mítico Rob Halford, el "Dios del Metal" según muchos. Dios partiría a formar su propia banda: Fight, y volvería a las líneas de Priest recién en el 2005 con el esperadísimo Angel of Retribution. Durante el retiro la banda continuó como si nada, y siete años pasaron desde Painkiller (el último disco con Halford de la época de mayor apogeo) para finalmente lanzar al mundo Jugulator. Dejando de lado comentarios sobre el infantil e irrisorio título, lo importante es que Jugulator presenta a un vocalista nuevo, y con la difícil labor de hacer olvidar a Rob Halford. No lo logra. Y no lo logra por la sencilla razón de que la figura de Halford es tán mítica, que no se trata de que si Ripper Owens canta mejor o no. Halford estuvo en cada uno de los álbumes de la banda hasta 1990 y es irremplazable. Punto. Owens lo hace excelentemente bien, pero no es Rob Halford ni tampoco posee su carisma. El álbum es el único de estudio en los noventa de Judas Priest (vamos a excluir a Painkiller de 1990), y después de esta muestra no volvería a grabar algo nuevo hasta el año 2001, cuando aparece Demolition. Como vemos, los muchachos han dejado de ser lo prolíficos que eran antes. Hay un disco doble en vivo de 1998, Live Meltdown, con el vocalista nuevo, y también hay otros álbumes recopilatoros de viejas glorias, pero en cuanto a canciones nuevas, Jugulator es lo único que tenemos de Judas bien entrados los noventa.

Este disco no es tan malo como se podría suponer. Está claro que la mejor época de la banda fue la de los años ochenta y setenta, y que poco o nada tenía que decir Judas en la decada de los noventa, pero este trabajo de diez cortes merece al menos el beneficio de la duda. Viene con un sonido bastante moderno, con algunos temas muy pesados y con una atmósfera bastante deprimente. No es un álbum con el cuál se enganche fácil, y exceptuando los cortes "Dead Meat" y en especial "Bullet Train", que es a mi parecer el mejor tema del disco, no hay aquí mucho que sea memorable, aunque, como decía, no se trata de una porquería de álbum. Una de las cosas destacables es todo el empeño que manifiesta Owens por emular a Halford, gritando y desgarrándose las cuerdas vocales hasta llegar a esas altísimas notas que a Halford le salían tan fácilmente. El tipo lo hace bien, pero no tiene un estilo propio ni resalta por él mismo. Sabe que su labor es apegarse a la forma de cantar de Halford. Al final de cuentas Jugulator no deja de ser un álbum más dentro de la extensa discografía de Judas Priest y no aporta gran cosa. Técnicamente bueno, pero falto de magia.

JUDAS PRIEST - Metal Works

528.

1993
Inglaterra
Heavy Metal
****
Disco compacto doble con todos los imprescindibles clásicos de la banda. Son 32 temas en total, y un verdadero “best of” que abarca gran parte de la carrera de Judas Priest. No hay ningún tema, eso sí, de los dos primeros álbumes (cuyos derechos no los tiene Columbia Records, compañía disquera de Judas Priest durante gran parte de su carrera), con la excepción de "Victim of Changes", tema que aparece en vivo en esta recopilación.
Frente a una recopilación de la magnitud de esta entrega la pregunta odiosa que uno no puede dejar de formularse es si hay algún otro tema que debió ser incluido, o mejor aún, si debió haberse dejado algún tema afuera. Creo que la colección resulta muy entretenida y acertada, aunque personalmente hubiera colocado a "Jawbreaker", del disco Defendes of the Faith y a "Riding on the Wind", del Screaming for Vengeance. Con respecto a dejar algún tema afuera, me parece que ninguno se lo merece. Pero bueno, es difícil darle el gusto a todo el mundo, por tanto me conformo con la placa tal como és, o sea, una muestra amplia de la música de Judas Priest.

Algo importante, los temas no están ordenados cronológicamente, más bien están bastante salpicados, lo que no deja apreciar la natural evolución de la banda. Ese sería el único punto en contra.

JUDAS PRIEST - Painkiller

527.

1990
Inglaterra
Heavy Metal
*****
Ya la hora de Judas Priest había pasado, atrás quedaban los legendarios discos Defenders of the Faith, Screaming for Vengeance y British Steel, por dar sólo unos cuantos ejemplos, y el heavy metal en el mundo moría lentamente a medida que un nuevo movimiento musical llamado Grunge amenazaba con comerse no sólo al metal, sino que a la industria musical por completo. Pero justo cuando el mundo metalero no daba un peso por las bandas heavy metal tradicionales y se dejaba seducir por el thrash más violento o por el más brutal death metal, sale al mercado Painkiller, y no queda títere con cabeza. Este disco es lejos el más pesado, violento y agresivo dentro del género de heavy metal tradicional. No pocos consideran que Judas Priest practicamente caminó por los senderos del thrash con él. Y lo más respetable es que lo hicieron con clase. Porque el álbum sigue sonando a Judas Priest. Es un tremendo disco que comienza con la poderosísima "Painkiller", rapidísimo tema comparable sólo con "Ram it Down", del disco del mismo nombre. Bajan las revoluciones un poco en el segundo tema, "Hell Patrol", pero luego vuelve el descontrol con "All Guns Blazing". Las guitarras de K.K. Downing y Glenn Tipton, considerados por muchos como la mejor dupla de heavy rock de la historia son simplemente fuera de este mundo. Alucinantes. Complicadísimos solos de guitarra y una fuerza desgarradora son la tónica del disco. ¿Y qué decir de Rob Halford? Aquí lo tenemos cantando como los mil demonios y como si estuviera poseido. Y es ciertamente la inclusión de Scott Travis, baterista que reemplazó al clásico, pero no tan eximio, Dave Holland, el que con su impecable y demandante técnica exige al resto de la banda como nunca antes. Siguiendo con las canciones, "Leather Rebel" vuelve a bajar las revoluciones un poco, pero la agresión sónica sigue latente en "Metal Meltdown". Las situación se calma de nuevo con "Night Crawler". De ahí para adelante el disco da un giro inesperado, pero en la dirección correcta, y si bien "Between the Hammer & the Anvil", "A Touch of Evil", "Battle Hymn" y "One Shot at Glory" no son tan demoledoras como las canciones iniciales, son canciones a la altura de la banda. Painkiller, es, sin lugar a dudas, uno de los mejores discos de Judas Priest, a la altura de los inmortales clásicos de los setentas y ochentas. Sería a la vez el fin de la época Halford, volviendo este quince años después para el disco Angel of Retribution del año 2005.

He aquí dos notables videos de este disco:

http://www.youtube.com/watch?v=JAagedeKdcQ (Painkiller) ¡Chacal!

http://www.youtube.com/watch?v=yYYhrN0m4Uk ( A Touch of Evil)

JUDAS PRIEST - Ram it Down

526.
1988
Inglaterra
Heavy Metal
***
Me pasa algo bien curioso con este álbum. Caundo lo escuché por primera vez me encantó el primer corte, titulado igual que el disco, y lo consideré como uno de los mejores de Judas en toda su carrera. ¡Que solos de guitarra tiene! Espectacular, alucinante. El impacto de esa canción fue tal en su momento que nunca me importó mucho el resto del disco, considerándolo malo. Hoy en día, escuchándolo de nuevo, me he percatado que esas canciones despreciadas no son tan malas después de todo, pero tampoco son la octava maravilla, y sigo manteniendo que el corte inicial es lo mejor del disco. En general, el disco tiene cierta inclinación popera, que a veces funciona, otras tantas no, pero también hay una buena dosis de rock duro potente y fresco, y yo diría que hasta fiestero, aunque jamás revelador o terriblemente innovador. Tanta buena onda se contrapone claramente con la melancolía y oscuridad algo depresiva de los álbumes setenteros. ¿Pero cómo diablos no iba a estar Judas Priest festivo si estaba vendiendo millones de discos y era una de las más importantes bandas de metal en aquel momento? Aquella festividad que no todos los fans apreciaron se nota claramente en "Come and Get It". Mucho mejor "Hard as Iron"; tema con cierto aire a "Leather Rebel" del disco Painkiller, que vendría dos años después. Luego de un par de temas más sin mayor interés nos sorprende "Johnny B. Goode", cover de la composición original del blusero Chuck Berry. Finaliza el disco con los cortes "Love You to Death" y "Monsters of Rock", ambos sin mayor gracia o magia. De hecho "Monsters of Rock" es un título demasiado pretencioso para una canción tan promedio. En resumen, un disco no imprescindible que tiene una canción insuperable que lamentablemente se pierde dentro de la mediocridad restante.

JUDAS PRIEST - Priest...Live !

525.

1987
Inglaterra
Heavy Metal
****
Segundo disco en vivo de Judas Priest. Recordemos que el primero fue Unleashed in the East, de 1979. En esta oportunidad Priest nos pasea por parte de su discografía, concentrándose en los discos Turbo, Defenders of the Faith y Screaming for Vengeance, a saber, los tres discos de estudio anteriores a este álbum en vivo. Los temas elegidos son clásicos de la banda y toda una delicia para los fans que vivieron la onda del heavy metal en los ochenta (me incluyo).
En cuanto al sonido, éste logra covencer de que se trata de un registro en vivo, a diferencia de Unleashed in the East, que suena como si hubiera sido muy intervenido. En Priest...Live! a sido diferente, recreando fehacientemente todo el despliegue de energía y fuerza que siempre caracterizó a esta banda. Excelente disco en vivo del cuál sólo se extrañan algunos cortes de la época setentera.

JUDAS PRIEST - Turbo

524.
1986
Inglaterra
Heavy Metal
***
Este debe ser el disco más controvertido, musicalmente hablando, en la carrera de Priest. Es el más popero de los albumes de Judas, el más condescendiente y el más taquillero. Y vino justo después del grandioso e impresionante Defenders of the Faith, un albúm que marcó a una generación entera de metaleros. Pero no nos apresuremos a crucificar a la banda sin antes comprender lo que estaba sucediendo en 1986. En esa época el heavy metal estaba en el peak de popularidad y la moda del momento era ser más taquillero y más fiestero, como Poison o Mötley Crüe. Bueno, Judas apostó a lo que estaba pasando en el momento y así nace Turbo. Ahora bien, quiero que entiendan que este no es un mal álbum. Es súper comercial, demasiado para Judas a mi parecer, pero no es malo, es simplemente poco convincente, siendo "Turbo Lover" y "Rock You All Around the World" lo mejor que tenemos aquí. Del resto, bueno, sólo podemos decir que suena como si la banda se hubiera perdido en la mitad del océano sin brújula, sin saber hacia dónde dirigirse. ¿Guitarras sintetizadas? Ciertamente aquello no era una buena idea. Mirando ahora en retrospectiva comprendemos que la apuesta popera fue un error, y que se pagó caro, expiandose los pecados solamente con el próximo disco de estudio Ram it Down.

JUDAS PRIEST - Defenders of the Faith

523.
1984
Inglaterra
Heavy Metal
*****
Este trabajo de Judas Priest está dentro de los álbumes que más ha marcado e influenciado mis gustos musicales. Si me gusta el metal, es culpa de este álbum. Es la semilla del cuál nace todo lo demás. También influyeron en la época Ozzy Osbourne e Iron Maiden, pero no tanto como este disco, que debe ser el primer disco de rock, en general, que me gustó.
Lo que más me impresionó de este disco fue la fuerza y furia que imprimía. Era un sonido y una manera de enfocar la música totalmente nueva para mí. A la vez me resultó alucinante, algo fuera de este mundo, y una movida de la cual yo sabía iba a ser partícipe.
El tema principal, "Freewheel Burning", es una descarga de adrenalina y energía aun para los estándares de hoy en día, y con unos solos de guitarra a cargo de la dupla K.K. Downing-Glenn Tipton que no tienen comparación. Más aún, basta con escuchar ese único tema para darse cuenta de todo el talento de esta importantísima banda que definió el heavy metal de los ochenta, entregando no solamente adrenalina y poder, sino que grandes canciones con gran sentido de la armonía, y con grandiosos solos de guitarra que jamás fueron igualados. "Jawbreaker"; el segundo tema, es un poco más lento que el tema introductor, pero igualmente poderoso. "Rock Hard Ride Free" muestra el lado más rockero de la banda. Prosigue el disco con la letal "The Sentinel". De ahí pasamos a "Love Bites" y la sugerente y rápida "Eat Me Alive". En el tema "Night Comes Down" se puede apreciar el lado más romántico y lento del grupo. Ese tema es una balada, eso sí, no ausente de gran fuerza. Nada sorpresivo puesto que Judas siempre se encargó de incluir en sus álbumes temas lentos, y de esa manera matizaron magistralmente sus trabajos. Termina el disco con los temas "Heavy Duty", un pesadísimo corte que define a la banda -caso de escuchar la letra- y el corte homónimo, un verdadero himno de rock. Absolutamente imprescindible, especialmente pata aquellos que lo escucharon en la época.

http://www.youtube.com/watch?v=_yq7Bs-eJIY

JUDAS PRIEST - Screaming for Vengeance

522.
1982
Inglaterra
Heavy Metal
*****
Es indisputable el hecho que Screaming for Vengeance es un clásico del metal ochenteno rivalizado únicamente por The Number of the Beast de Iron Maiden. Producido por Tom Allon, que ya venía trabajando con Priest desde Unleashed in the East y estuvo con la banda hasta Ram it Down, Screaming es el primer disco de Judas con un sonido indiscutiblemente demoledor, sonando más cristalino y mejor producido que cualquier álbum anterior. Gracias a aquello esta vez los espectaculares solos de guitarra de la dupla Downing-Tipton se escuchan como nunca antes. Cosa de escuchar “Riding on the Wind” y en especial el corte homónimo, muy adelantado a su época y vaticinando la explosión thrash metal que estaba a la vuelta de la esquina. Otros cortes imprescindibles (que con el tiempo se convirtieron en clásicos de las presentaciones en vivo), son “The Hellion” y “Electric Eye”. Pero es “You´ve Got Another Thing Comin´ ” el corte que está en la memoria colectiva de todos puesto que esa canción fue éxito radial. Un irrefutable clásico. El álbum también viene con un par de canciones de menor impacto y más lentas, como “Bloodstone” y “(Take these) Chains”, que carecen de espectacularidad aunque de ningún modo pueden ser consideradas relleno, siendo “Pain and Pleasure” quizás el único corte claramente inferior. Sin importar aquello, Judas Priest, con este álbum, definitivamente llegó al peak de su carrera, rematando dos años más tarde con Defenders of the Faith. Indispensable.

JUDAS PRIEST - Point of Entry

521.
1981
Inglaterra
Heavy Metal
***

Una de las cosas curiosas de este disco y que nada tiene que ver con la música, es que existan dos caratulas distintas del mismo. Una de ellas, y a mi juicio una de las peores carátulas de la banda, muestra un horizonte a lo lejos con un camino hecho de papel de impresión continua que se pierde en el infinito. Horrible. La otra carátula, que fue elegida para la versión europea del disco, muestra una punta que sale del lado derecho y unos colores extraños. Mejor que la otra, pero tampoco muy interesante.

Pero vamos a la música. Point of Entry es el séptimo disco de estudio de Judas Priest. Está justo antes de Screaming for Vengeance, y lo simpático es que no logra predecir lo que estaría por venírsenos encima. Cuesta creer que luego de este disco la banda lograra crear la que es considerada por muchos como su mejor placa, puesto que no nos da luces sobre el cambio que experimentaría la banda en su futuro más cercano. Más interesante aún, es notar que British Steel, el álbum anterior, nos da más claves para entender Screaming...

Pero Point of Entry tiene sus cartas debajo de la manga de todas maneras, aunque no muchas. Comienza con el hit "Heading Out the Highway"; uno de sus temas más conocidos junto con "Breaking the Law", del disco anterior. Luego viene "Don´t Go"; un tema que pasa sin pena ni gloria, y de ahí pasamos a "Hot Rockin´", otro de los temas más conocidos de este álbum, y ciertamente el mejor tema del disco. El resto tiene sus altos y bajos, manteniendo en todo momento el sello inconfundible de la banda, pero sumando y restando, al final de cuentas debemos reconocer que Point of Entry es menos que British Steel, y mucho menos que Screaming for Vengeance.

JUDAS PRIEST - British Steel

520.
1980
Inglaterra
Heavy Metal
****1/2
Esta sexta placa de estudio de Judas Priest siempre ha gozado del aprecio de la mayoría de los fans. Considerado entre los mejores discos de la banda, British Steel nos entrega nueve cortes -clásicos ya-, de esta importantísima banda del heavy metal. Comienza con "Rapid Fire"; un corte potente y rabioso que abre magistralmente el disco, luego sigue "Metal Gods"; otro gran clásico, para seguir con la que quizás sea la canción más conocida de la banda, "Breaking the Law"; todo un hit radial. De ahí para adelante el disco sigue manteniendo el interés, destacando cada uno de los cortes, en especial "Grinder", "United" y "Living After Midnight". Este último, otro hit radial. Termina el disco con "Steeler", un tema que va más o menos en la misma línea que el corte inicial. A mi parecer Steeler es el mejor tema del disco. ¿Habrá Yngwie Malmsteen sacado de allí el nombre para su banda pre carrera solista "Steeler"? Y con respecto a canciones no tan memorables, "You Don´t Have to be Old to be Wise" tendría que ser el tema a elegir. Atención especial merece "United", suerte de himno metalero imitado por la banda española Ángeles del Infierno en "Unidos por el Rock" del disco Pacto con el Diablo de 1984. He allí un claro ejemplo de la tremenda influencia de Judas Priest en el Metal.

Las ediciones Re-Masters del año 2001 que editó el sello Columbia con casi toda la discografía de la banda tenían la ventaja de contar con temas extra en cada álbum. Yo tengo la versión nueva. Aparecen dos bonus track; "Red, White & Blue", más "Grinder" en vivo. Red, White & Blue; un tema bastante patriótico, es una canción que había escrito la banda en sus inicios pero que fue grabada recién en 1985, no aparece en ningún disco de estudio. Ninguna de estas dos canciones aporta nada realmente imprescindible. Me quedo con el disco en su formato original.

JUDAS PRIEST - Unleashed in the East (Live in Japan)

519.

1979
Inglaterra
Heavy Metal
****
Controversia ha perseguido a este álbum desde siempre especulándose que está tremendamente intervenido en estudio y que en realidad no es tan en vivo como amerita serlo un disco con el rótulo de “live”. Condensando con nueve canciones parte de lo mejor de la primera época de Judas Priest, aquella de los setenta y que engloba cinco álbumes de culto, Unleashed, o Live in Japan, como también se le conoce, es la primera entrega en vivo de la banda y se extraña que no haya sido un disco doble puesto que claramente había en aquel entonces suficiente material para aquello. Desencadenando en el Este inmortales clásicos como “Victim of Changes”, “The Ripper”, “Running Wild” y “The Sinner”, entre otros, Unleashed es indispensable para el fan acérrimo. Las grabaciones de esta placa corresponden a dos recitales distintos, hechos en Koseinenkin Hall y Nakano Sunplaza Hall, ambos en Tokyo. A la vez, el álbum da el adiós al baterista Les Binks, que estuvo en la banda desde Stained Class.

JUDAS PRIEST - Hell Bent for Leather

518.

1978
Inglaterra
Heavy Metal
****

Hell Bent for Leather, que en castellano es algo así como "Determinado o resuelto desenfrenadamente hacia el cuero" (vaya título) tiene a la vez su versión inglesa llamada simplemente Killing Machine y la única diferencia entre ambos discos es que el primero viene con el cover de Fleetwood Mac "Green Manalishi (With the Two-Pronged Crown)". Aquello convierte a Hell Bent como el disco a elegir entre los dos. Quinto en la discografía, cierra magistralmente el primer periodo de la banda dejando para la posteridad cuatro clásicos: "Delivering the Goods", "Hell Bent for Leather", "Running Wild" y el ya mencionado corte de Fleetwood. En este periodo la banda se mostraba ya completamente afiatada y con un lineup que por primera vez se mantiene estable por más de un disco, participando nuevamente el baterista Les Binks, tal cómo lo había hecho en el disco anterior Stained Class. Quizás algo inferior a Stained Class, puesto que no representa en relación a él un salto gigantesco en términos creativos, Hell Bent sigue siendo un disco notable de la discografía de Judas, aunque para muchos no sea completamente esencial.

JUDAS PRIEST - Stained Class

517.
1978
Inglaterra
Heavy Metal
*****
Cuarto disco de estudio de estos dinosaurios del metal, y un gran avance con respecto a sus trabajos anteriores, desarrollando un sonido mucho más potente y derechamente heavy que se aleja de los comienzos rockeros y un tanto hippies de la banda. De todas maneras tiene un aura setentera que hila esta obra desde Rocka Rolla hasta Killing Machine, quinto álbum de estudio, también conocido como Hell Bent for Leather. Esos cinco primeros discos correponden a lo que podríamos catalogar como la primera etapa de Judas Priest, etapa que se captura en vivo (aunque con un dudoso sonido en vivo) en el disco Unleashed in the East.

Aparecen en Stained Class los clásicos cortes "Exciter", "White Heat, Red Hot" y "Better Than You Better Than Me", este último cover de un grupo llamado Spooky Tooth. Ese tema (en la versión Judas Priest) es bastante polémico porque supuestamente tenía mensajes al reves y habrían llevado al intento de suicidio de dos fans, uno de los cuales logró su objetivo. Eso gatilló a que en 1990 la banda fuera llevada a la corte junto con su disquera CBS Records por incitar al suicidio. Fueron declarados inocentes en Junio de 1993.

Temas polémicos aparte, Stained Class es considerado por muchos fans como el mejor disco de Judas Priest. Yo me inclino por el Screaming for Vengeance, pero sea como sea Stained Class resulta esencial.

JUDAS PRIEST - Sin After Sin

516.

1977
Inglaterra
Heavy Metal
****
Prácticamente toda la discografía setentera de Judas Priest es material esencial para cualquiera interesado en el desarrollo del Rock y el Metal, especialmente el Metal, porque mal que mal Judas Priest es y siempre será sinónimo de Heavy Metal, al igual que Iron Maiden. Este tercer álbum, al igual que el que le precede, es un clásico obligado, destacando el cover de "Diamonds and Rust" de la cantante norteamericana Joan Baez. Al igual que Sad Wings, el disco viene con un par de temas melancólicos y lentos, como son "Last Rose of Summer" y "Here Come the Tears", pero son cortes como "Sinner", "Starbreaker" y "Dissident Aggressor" los cuales nos muestran a la banda en su desplante más agresivo, como adelanto de lo que el mundo abría de conocer más adelante en álbumes como Screaming for Vengeance y Defenders of the Faith. Sin After Sin marca también el inicio de un nuevo contrato discográfico, esta vez con Columbia Records, dejando atrás a Gull Records.

JUDAS PRIEST - Sad Wings of Destiny

515.
1976
Inglaterra
Heavy Metal
****

Sad Wings of Destiny fue el primer gran álbum de Judas Priest, superando claramente al debut Rocka Rolla y dejando para la historia el primer clásico de la banda, por supuesto, "Victim of Changes", con que abre el disco. Otras canciones, como "The Ripper" y "Tyrant" se volvieron cásicas con el tiempo y otras como "Dreamer Deceiver" y "Epitaph" mostraron un lado melancólico desconocido en Rocka Rolla a la vez que demostraron que la banda tenía una amplitud y un trasfondo emocional realmente interesante, pero es con "Prelude", con ese piano infinitamente tristón y su genial y simple melodía, donde mejor podemos apreciar que la banda tenía en esta época muchas ideas en ebullición y creatividad desbordante. Y si hay que desechar algo aquí, solamente "Genocide" cumple con lo necesario, siendo aquella canción el único punto bajo de la placa. No es un disco tan impresionante en términos de producción como las clásicas placas de los ochenta, pero sin lugar a dudas se trata de uno de los discos fundamentales. Es, inexorablemente, la placa que separa a Judas Priest de la competencia augurando fama y fortuna para el devenir.

JUDAS PRIEST - Rocka Rolla

514.
1974
Inglaterra
Heavy Metal
****

Judas Priest es considerada la banda más importante del heavy metal después de Black Sabbath. Ícono del metal ahora clásico de los años 80, también compartió la escena con otro gran monstruo llamado Iron Maiden, a quienes se les considera terceros en importancia, aunque si hablamos de nivel de ventas, Maiden supera a todos.

Rocka Rolla es el primer disco de estudio y está ejecutado por Rob Halford en voces, K.K. Downing y Glenn Tipton en guitarras, Ian Hill en bajo y John Hinch en batería. Esta formación se mantendría casi intacta por dieciséis años (hasta el álbum Painkiller) habiendo cambios solamente de bateristas. Hinch tocaría únicamente en este álbum siendo ya reemplazado por Alan Moore para el siguiente esfuerzo Sad Wings of Destiny.

A pesar de que Rocka Rolla no es un álbum esencial en la discografía de Judas Priest, siendo la segunda entrega mucho más enfocada que esta -y posteriores discos muy superiores a los algo humildes comienzos-, sigue siendo un álbum que inconfundiblemente suena al Judas Priest de siempre gracias más que nada a la inconfundible voz de Halford. En esta etapa embrionaria Downing y Tipton todavía no dan muestras de lo que con los años pudieron hacer, pero logran encajar aquí y allá interesantes riffs y solos que son vaticinio de mejores cosas a venir.

Demás está decir que Judas Priest ha sido una influencia importantísima en la evolución del heavy metal siendo pilar fundamental en el desarrollo del thrash metal y death metal que nacieron como hijos bastardos del heavy metal confabulado inicialmente por Sabbath y del cual luego se nutrieron tanto Priest como Maiden, y al escuchar la canción "Winter/Deep Freeze/Winter Retreat/Cheater" se nota cómo esa influencia se materializó posteriormente. En ese tema, dividido en cuatro partes, se nota más que en ninguno, de dónde sacaron ideas bandas como Slayer. Esos sonidos de guitarra que parecen lamentos agónicos de almas sufrientes por los cuales se reconoce a Slayer tienen su génesis en "Winter...". Una escucha atenta revelará esto que estoy diciendo. Es, simplemente, impresionante la similitud del estilo.

Una aclaración que creo pertinente. Este disco y el segundo, Sad Wings of Destiny, no aparecen dentro de la discografía de la banda en una reedicion que se hizo en el 2001 de todos los álbumes hasta Painkiller. Incluso se sacó al mercado una caja con cuatro álbumes y que tenía espacio para los ocho restantes, que obviamente no incluían los primeros dos trabajos. Esto fue así porque la compañía disquera que primero fichó a Judas Priest, Gull Records, no ha querido ceder los derechos a Columbia, la compañía multinacional que edita los álbumes de Judas desde el tercer álbum, Sin After Sin. El o los dueños de ese pequeño sello que fichó a Judas en sus comienzos, hasta el día de hoy gozan de la venta de los primeros dos álbumes, más un best of de Judas Priest que seguramente hizo la banda para cumplir con el contrato disquero, y alguna que otra pieza de dudosa importancia.

JOURNEY - Greatest Hits Live

513.

1998
Estados Unidos
Hard Rock, Soft Rock, Rock/Pop
****
Disco en vivo con 16 temas previamente no disponibles correspondientes a recitales hechos en 1981 y 1983 en Houston, Texas; Norman, Oklahoma y Tokio, Japón.

Según cuenta Melinda Newman (de la revista Billboard) en el librillo del compacto, estas grabaciones fueron rescatadas de una bodega de la Sony y estaban hace harto rato perdidas y acumulando polvo. Cierto o no, lo importante es que el álbum final que salió de todo eso suena bastante bien, siendo la selección de los temas un repaso por lo más popular y conocido de Journey. No es de extrañar que le hayan añadido el “Greatest Hits” a un álbum que pudo haberse llamado simplemente como “Live”. Todo sea por enganchar a más gente con el disco, me imagino. En fin, aquí están prácticamente todas esas canciones tan recordadas por la juventud de los ochenta, como "Faithfully", "Who´s Crying Now", "Send Her My Love", "Separate Ways (Worlds Apart)" y "Open Arms". También hay algunos temas que no son tan conocidos, como "Still They Ride", "Line of Fire" y "Stone in Love".
Para los que tienen el famoso disco de grandes éxitos de Journey quizás esta placa no les llame mucho la atención, pues se repiten la mayoría de las canciones. Para los que disfrutan escuchando a sus bandas en un ambiente en vivo, notaran lo bien que ejecuta Journey su repertorio, destacando Steve Perry, que canta tal cual lo hace en estudio.

JOURNEY - Greatest Hits

512.
1988
Estados Unidos
Hard Rock, Soft Rock, Pop/Rock
*****
Con ventas de millones de discos, extensas giras mundiales y una no despreciable base de fans, Journey es una de las más grandes bandas de rock de todos los tiempos.
En este álbum se recopilan todos los éxitos radiales y hits, que no son pocos. Para mi gusto es un disco de singles, y no necesariamente lo mejor de la Journey, que tiene excelentes temas en su extensa discografía y que no van a encontrar aquí, como "Stone in Love", del disco Escape, en mi opinión uno de sus mejores temas de la banda.
Este álbum es un regalo perfecto para todos aquellos que fueron jóvenes en los años ochenta y/o para los que solo se interesan por los singles y nada más.

JOURNEY - Frontiers

511.
1983
Estados Unidos
Hard Rock, Soft Rock, Rock/Pop
****1/2
Esta súper banda, tremendamente exitosa, con ventas de millones de discos, con una docena de hits radiales y con un talento indiscutido, nos presenta uno de sus mejores trabajos. Empieza con la poderosa "Separate Ways (Worlds Apart)", para luego seguir con la romántica "Send Her My Love"; otro clásico de los ochenta que se sigue escuchando en las radios. "Faithfully" va por la misma línea. Son las power ballads, temas lentos, un tanto románticos, muy fáciles de digerir y muy comerciales, pero con el elemento rockero presente.
Journey supo mezclar el rock con el pop de una manera magistral. Y con esto lograron llegar al público masivo, pero lo hicieron no con temas desechables o con hits de una temporada. Lo hicieron escribiendo muy buena música y la gente lo supo apreciar. Parte importante de esta llegada a la gente, es la voz impresionante de Steve Perry, y la electrizante y brillante guitarra de Neal Schon, un verdadero maestro de las seis cuerdas. Ambos potencian a Journey tremendamente. Tanto es así que es difícil imaginar a Journey sin estos dos personajes. Y como no, después de la retirada de Steve Perry, la banda ya no volvería a ser la misma. Es que hay tipos que son irremplazables, y éste más que muchos.
Frontiers es un excelente álbum y nos muestra a Journey en el peak de su carrera, con mucha fuerza y convenciendo con temas muy melódicos, pero con garra, con una mística propia inconfundible, y con muy buen rock. Como alguna vez dijo Steve Perry: “Journey is not a fashion band” (Journey no es una banda de modas). Con eso daba a entender que una cosa eran los hits y los lentos de la banda, pero que Journey era más. Y definitivamente lo era. Una banda que supo llegar a la cima sin haberse vendido. Grandes.

JOURNEY - Escape

510.
1981
Estados Unidos
Hard Rock, Soft Rock, Rock/Pop
*****

Los comienzos de Journey estaban muy alejados de los que llegaría a ser la banda: grandes estrellas con ventas de millones de discos y con muchos éxitos radiales bajo la manga. Los tres primeros discos; Journey (1975), Look Into the Future (1976) y Next (1977), fueron poco exitosos y transitaban por el lado del rock progresivo siendo a la vez vehículos para las muestras del talento indiscutido del ex Santana Neal Schon. Pero es con la llegada de Steve Perry para el siguiente álbum Infinity (1978) que la fortuna del grupo empieza a cambiar favorablemente. Perry iniciaría lo que se conoce como la segunda etapa de Journey, que concluye con el disco Raised on Radio (1986), siendo esta la que llevaría a la banda a niveles de estrellato anteriormente impensados.

Escape es el cuarto disco de estudio de la segunda época y aquel con el cual la banda despegaría definitivamente. Es considerado al mismo tiempo el mejor disco del grupo y el tiempo ha demostrado que sigue siendo un clásico ochentero imperdible. Contiene los clásicos "Don´t Stop Believing", "Who´s Crying Now" y "Open Arms", todas canciones que llegaron a lugares privilegiados en las listas de popularidad. Pero lo interesante, y revelador, es que este álbum es mucho más que esas tres canciones, siendo "Stone in Love" y "Mother, Father" canciones que merecen estar dentro de las mejores composiciones de los norteamericanos, a pesar de no haber sido "hits". Notable, es la voz de Perry, claramente singular y única, al igual que el desplante de Schon en su guitarra. No por nada es considerado uno de los mejores guitarristas de música rock de los ochenta y su estatus sigue vigente a comienzos del siglo XXI.

Con poco relleno y con canciones que han demostrado su inmortalidad, Escape es el disco definitivo de Journey. Frontiers, que le sigue, es considerado también un clásico y de lo mejor, pero yo apuesto por Escape.

JOURNEY - Departure

509.

1980
Estados Unidos
Hard Rock
****
Con la acelerada y potente "Any Way You Want It" comienza este clásico álbum de la banda de San Francisco formada en 1973. Le sigue "Walks Like a Lady", un tema con toda una onda blusera. "Someday Soon", tercer corte, muestra a Gregg Rolie (teclado, armónica) cantando junto con Steve Perry, y en "People and Places" canta Neal Schon (guitarra) también junto a Perry. Esto es importante destacarlo porque generalmente Perry canta solo. Fue interesante notar que Rolie y Schon no lo hacen nada mal, aunque no se comparan con la aguda y característica voz de Perry.
Departure, sexto en la discografía, y tercero con Perry en voces, no es tan impactante como Escape; álbum que sigue a este y que resulta decisivo en la carrera Journey pues elevaría a la banda a nivel de superestrellas, pero resulta ser muy rockero, y muestra a un Journey que difiere del de las baladas que tanta gente asocia con la banda. Aparte de los temas ya mencionados, destacan también "I´m Cryin´" y "Line of Fire"; éste último un tema rápido, parecido al corte inicial.

JON AND VANGELIS - The Friends of Mr. Cairo

508.
1981
Inglaterra, Grecia
Electrónica, New Age, Art Rock
****1/2
Jon Anderson de Yes canta en este álbum con el famoso instrumentista y padre del new age, el Sr. Vangelis. Disco clásico donde aparecen los famosos temas "State of Independence", "The Friends of Mr. Cairo" y "I´ll Find My Way Home", esta última versionada ¿horriblemente? por el cantante puertoriqueño Chayane, quien simplemente le puso otra letra.
Este experimento de unificar a dos personalidades del mundo de la música y hacer este álbum conjuntamente resultó ser algo brillante. Creo que la voz de Anderson se acopla perfectamente a la música de Vangelis, aunque ambos compusieron para este álbum. La música se mueve dentro de la línea conocida de Vangelis, o sea, canciones suaves, con arreglos en teclado y sintetizador, que generan un ambiente de calma y paz. Música meditativa y cautivante, hermosa y extraña, muy recomendable para quienes gustan de los sonidos suaves.
El tema "Back to School" escapa un poco de todo lo demás del disco, y es el único un poco más movido.

Hay dos carátulas para este álbum.

JOHN SERRIE - Planetary Chronicles Volume II

507.

1994
Estados Unidos
Electrónica, New Age, Space Music
****
La especialidad de John Serrie es la música espacial. Este álbum es un fiel reflejo de aquello. Un disco extremadamente calmo y relajado que nos invita a la meditación y a la contemplación del cosmos en su insondable e infinita magnificencia.
La propuesta de Serrie camina por el lado de lo minimalista, y aquellos que buscan mayor complejidad de seguro se sentiran defraudados por el enfoque simplista de Serrie. No es música para armar una fiesta ni para liberar tensiones, simplemente para dejarse llevar y viajar por el universo.
Interesante, pero monótono.

JOHN LYDON - Psycho´s Path

506.
1997
Inglaterra
Rock/Pop, Dance Alternativo
**1/2
John Lydon es quien otrora fuera conocido como Johnny Rotten (Johnny Podrido), el carismático cantante de la famosa banda punk, The Sex Pistols. Por cierto el más talentoso de los miembros de la mítica banda inglesa, John Lydon también formaría Public Image Ltd. luego de que Sex Pistols se disolviera.
Psycho´s Path es la única producción como solista de Lydon. Se trata de un disco bastante especial y que poco o nada tiene que ver con el pasado punk del artista. Los quince temas que componen el disco van más de la mano con la experimentación electrónica, mezclada con algo de pop/rock, generando una suerte de música dance muy alternativa y de difícil asimilación. Desde luego, no se trata de un disco fácil, y cuesta enganchar con los temas.
Un punto interesante es que cuatro de los temas se repiten con sus respectivas mezclas; "Grave Ride", "Sun", "Psychopath" y "Stump". En Grave Ride participa Moby. También hay participación de The Chemical Brothers, pero en el tema "Open Up".
El mejor tema del disco a mi parecer es Sun, cuyo sonido en acordeón le da un toque muy especial. El resto requiere ser madurado con paciencia.

JOHN FARNHAM - Age of Reason

505.
1988
Australia
Pop
**1/2
John Farnham tuvo un súper éxito con la canción "You´re the Voice", que aparece en esta placa en una versión larga. Originalmente aquel tema apareció en el disco Whispering Jack, de 1986. La gente que gusta de la música pop de los años ochenta no tendrá problemas en reconocer ese verdadero himno de aquella época. Aparte de ese tema tan conocido no hay otras canciones fácilmente reconocibles en esta placa de pop oreja y de fácil enganche. No es un disco malo, pero se nota que vive a la sombra de You´re the Voice. Por algo se volvió a incluir en esta placa, aunque hay una versión del disco que no la incluye, optando por un cover de AC/DC "It´s a Long Way to the Top (If You Wanna Rock ´N Roll)"

"Listen to the Wind" es lo segundo mejor que tenemos, buen tema. El resto del disco tiene sus momentos, pero para ser sincero, les diré que no me pareció gran cosa.
En cuanto a la voz de Farnham, que no deja de ser excelente, aunque hay gente que piensa que es muy limitada, tiene similitud con la de Mike Reno, de Loverboy.
Pero haciendo un balance, Age of Reason no deja de ser un tanto aburrido.

JOE WALSH - Songs for a Dying Planet

504.
1992
Estados Unidos
Hard Rock
****
Disco de escasa repercusión comercial de un artista que llegó a tener sus hits en Estados Unidos a finales de los setenta y a comienzos de los ochenta. A seguido grabando desde esas fechas pero sin lograr mucha notoriedad, volviendo a la fama en 1994 cuando se reune con sus viejos amigos de The Eagles para el tour del disco que los traía de vuelta, el connotado Hell Freezes Over.
Aquí en Chile Joe Walsh es practicamente un desconocido, ¡aunque también es cierto que aquí se desconocen muchas cosas, y no solo cuestiones relacionadas con música! Joe, en su estilo distendido, relajado, irónico, pero divertido y honesto (cualidades que seguramente lo han acompañado desde que nació), nos presenta con esta placa titulada sombríamente como Canciones para un Planeta Moribundo, doce piezas irreverentes, con el tono acostumbrado de Joe, reflejado claramente en canciones como "Shut Up", "Vote for Me" y el tema homónimo del disco. En Vote for Me (Vote por mí) hace una divertida sátira de lo que significa parte del mundo de la política. Pero esto no resulta extraño al saber que Walsh ha pretendido llegar a la Casa Blanca dos veces, perdiendo en ambas.
Pero más allá de la figura de Walsh y su inteligente visión del mundo y las cosas, la música de este brillante guitarrista presenta variados matices, con canciones que van de un rock and roll de raíz country, hacia otras donde hay pinceladas mínimas, pero existentes, de gospel, como se aprecia en "The Friend Song". También hay pasajes lentos y armoniosos que hacen del disco una obra cuyo sonido puede llegar a mucha gente.
Un buen disco, sin lugar a dudas. Un dato más. El tema "Will You Still Love Me Tomorrow" es un cover escrito originalmente por G. Goffin y C. King e interpretado por decenas de artistas.

JOE WALSH - So What

503.
1975
Estados Unidos
Rock, Hard Rock
****
Joe Walsh es todo un personaje dentro del del mundo del rock. Bastante excéntrico, lanzó su carrera política en 1979 para ser presidente de Estados Unidos, prometiendo gasolina gratis para todo el mundo. No ganó. Volvió a las campañas por segunda vez más o menos por el año 1984. Volvió a perder.
Nacido en Wichita, Kansas, en 1947, este artista ha tenido una carrera musical bastante exitosa. Luego de tocar en algunas bandas durante los sesenta y parte de los setenta, inicia su carrera como solista en 1973. Excelente guitarrista, de un muy particular sentido del humor, también debuta en el álbum de The Eagles, Hotel California, el más famoso de la banda americana.
Musicalmente podríamos catalogar lo que hace Walsh como un rock con clase, un tanto suave y con un leve tinte country. Un álbum para escuchar atentamente ya que es mucho más de lo que parece a primera vista. Recomiendo el disco en su totalidad, pero resaltando el corte "Song for Emma", una hermosa y cautivante balada.

JOE SATRIANI - Engines of Creation

502.

2000
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental, Electrónica
*****
Este álbum tiene algo muy particular. No se trata de un álbum típico de Satriani, sino más bien que de un experimento con elementos de música electrónica. Quizás para muchos fans les resultará difícil asimilar, ya que la propuesta de la placa escapa totalmente a las fórmulas ocupadas en discos anteriores, excepto en "Until We Say Goodbye", cuarto tema del disco, y que va muy por la línea de lo que nos tenía acostumbrado desde su primer álbum Not of This Earth.
Musicalmente Satriani nos sigue maravillando y sorprendiendo con su impecable técnica, pero ahora a través de canciones muy futuristas, flirteando con los más variados elementos tanto de la música electrónica, el pop, el tecno y el new age. Es un álbum alucinante y para nada predecible, difícil de entender a la primera pasada, pero que deja en claro que este artista no tiene complicaciones a la hora de expandir su ya notable capacidad musical.
Un álbum para descubrir nuevos sonidos y para deleitarse con todas las nuevas posibilidades que le abre a la guitarra, el influyente Satriani.

JOE SATRIANI - Crystal Planet

501.
1998
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
***
Séptima entrega de Satriani. Un disco largo, de casi 68 minutos de duración, con quince temas, algunos más inspirados que otros, pero nada que ya no hayamos escuchado antes. Repite la fórmula ganadora de discos anteriores, pero al alargarse tanto termina por aburrir. No es un mal disco, pero definitivamente no es lo mejor de Satriani. Hay un par de temas que escapan al promedio y se perfilan como verdaderos clásicos de “Satch” (también se le conoce así a Joe), como "A Train of Angels"; a mi juicio el mejor tema del disco, y "Ceremony", éste último con una parte muy parecida a un tema famoso de Deep Purple. Tampoco falta el clásico tema lento de tinte romántico y pausado, como lo es "Love Thing". Allí se nota claramente la repetición de una fórmula; es el típico tema lento de Joe. Canciones como "House Full of Bullets", la propia canción que lleva el nombre del disco, "Trundrumbalind", y varias más, pasan sin lograr crear mayor interés, y sin generar el asombro, la adrenalina ni la electricidad de canciones más memorables. Por suerte, el guitarrista volvería luego con Engines of Creation, donde tomaría más riesgos y en cierta manera se reinventaría, aunque muchos no entendieron su nueva propuesta que tanto se alejaba de todo lo que se escucha en Crystal Planet.

JOE SATRIANI

500.
1995
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
****
Hay un EP de 1984 titulado también como simplemente Joe Satriani, pero no tiene nada que ver con esta placa, sexto álbum de estudio de Satriani. (Quinto si no se considera a Time Machine, que es parte estudio, parte en vivo).
Este álbum es un trabajo bastante particular. No es tan electrizante como los primeros discos, aunque su nivel es alto como de costumbre. Es un disco un poco más lento y relajado que los anteriores, y donde se pueden apreciar las variadas influencias del músico, incluyendo jazz, música country y blues. Temas como "Look at Me", "Slow Down Blues" y "Sittin´ ´Round" nos dan pruebas irrefutables de lo anterior.
En cierto sentido, este álbum escapa bastante a las otras producciones del músico, que por supuesto también están plagadas de las influencias anteriormente señaladas, solo que en este álbum son más evidentes y mucho más marcadas.
Para los que prefieren al Satriani más acelerado y más directo al grano, quizás solamente el tema "Killer Bee Bop" se ajuste a sus deseos, aunque sigue siendo un tema difícil.

JOE SATRIANI - Time Machine

499.

1993
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
****
Disco compacto doble con alrededor de 140 minutos de música en total, y que trae varias sorpresas. El primer disco trae temas nuevos (para cuando salió el disco), e incluye el ya descontinuado EP Joe Satriani, de 1984, con las canciones "Banana Mango", "Dreaming # 11", "I Am Become Death" y "Saying Goodbye".
Hay varios temas que me gustaría destacar de esta primera parte, "Speed of Light", "Dweller on the Threshold" y el tema final, "Woodstock Jam", un tema de largos 16 minutos y bastante extraño.
El disco dos es totalmente en vivo y captura a Satriani en diferentes presentaciones. Destacan de esta parte, "Summer Song", "Flying in a Blue Dream", "Always With Me, Always With You", "Surfing With the Alien", "Rubina" y "Lords of Karma".
Sin duda, este álbum doble es un gran regalo para los fans, que difícilmente quedarán con gusto a poco con tanta música. Una verdadera sobredosis del talento y virtuosismo de uno de los guitarristas más importantes de fines de siglo 20.

JOE SATRIANI - The Extremist

498.
1992
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
****
Excelente disco instrumental del talentoso guitarrista americano Joe Satriani. Mezcla de rock, blues y metal, Joe nos deleita con diez temas de los más variados estilos. Hay temas rápidos, temas lentos y temas extraños. Para los que conocen la discografía de Satriani, este es un típico album de Satriani. Es a lo que nos tiene acostumbrado. No le doy cinco estrellas por que Surfing with the Alien y Not of this Earth son mejores albumes que este.

JOE SATRIANI - Flying in a Blue Dream

497.

1989
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
****
En este tercer álbum de estudio Satriani debuta como cantante. Y aunque el disco se mantiene en general como un trabajo instrumental, Satriani canta en seis de los dieciocho cortes del álbum. ¿Tantas canciones? En realidad no, porque algunos temas duran escasos minutos, el más corto de ellos de apenas 52 segundos. Por supuesto que también hay cortes de mayor duración.
Con respecto a como canta el guitarrista, la opinión generalizada es que su talento definitivamente está en la guitarra y no en el canto. Y no es que cante mal, pero lo cierto es que no posee una voz a la altura de su ejecución en guitarra.
Esta placa tiene grandes clásicos, como "The Mystical Potato Head Groove", "Day at the Beach (New Rays From An Ancient Sun)" y "Back to Shalla-Bal"; este último un tema tocado incontables veces en programas de deportes del canal de cable ESPN. Estos son para mí los temas más emblemáticos de este álbum y los más llamativos. Quizás también los que mejor recuerdan al genial disco anterior, Surfing with the Alien. El resto del álbum es más experimental, por decirlo de algun modo, donde el artista juega con variados estilos a la vez que canta, aunque no logra lucirse en ninguno de los temas donde imprime su voz. Quizás sea porque su guitarra dice tanto que su voz pareciera estar demás.
En fin, sumando y restando, Flying... cumple con las expectativas, pero no supera a los dos discos anteriores a pesar de las genialidades que posee.

JOE SATRIANI - Surfing With the Alien

496.
1987
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
*****
Disco impactante de principio a fin. Un trabajo con mucha onda, mucho groove y feeling. Tiene canciones geniales, con excepcionales arreglos, y con un sentido de la melodía soberbio. Pero es la formidable y perfecta manera de tocar de Satriani y su asombrosa capacidad para componer lo que deslumbra, teniendo en la época de su debut muy pocos referentes anteriores, no por nada el álbum hizo olas en el ambiente de los guitarristas, logrando Satriani ingresar con pleno derecho al círculo de los virtuosos más allá de cualquier odiosa duda.
Satriani nos vuelve a deslumbrar con su talento y virtuosismo induscutible, entregandonos temas poderosos, rockanoleros, y hasta fiesteros. Y a diferencia de lo que ocurre con otros guitarristas técnicamente demandantes, Satriani sabe ordenar su música para que esta no aburra ni caiga en la monotonía y lo predecible. Así tenemos temas rápidos, como "Crushing Day", algunos más romanticos, como "Always With Me, Always With You", entretenidos, como "Satch Boogie", tristes y extraños, como "Hill of the Skulls", y calmaditos (al menos en parte), como "Circles". Superior al debut y discutiblemente insuperable, Surfing se corona como la más imprescindible placa del músico. Esencial.

JOE SATRIANI - Not of this Earth

495.

1986
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
****1/2
Aunque en 1984 Joe Satriani lanza su EP homónimo, Not of this Earth es en realidad el primer álbum oficial.
Considerado como uno de los mejores guitarristas de rock de los ochenta y noventa, Satriani comenzó primero enseñando guitarra a talentos como Steve Vai, Kirk Hammett (Metallica) y Larry Lalonde (Possessed, Primus), entre otros, antes de concentrarse en su carrera solista.
Not of this Earth es una fiel muestra del sonido tan característico que Satriani logró patentar. También destaca por el hecho de venir con canciones de variadas intensidades y estilos, pasando de lo potente a lo relajado, y de lo extraño a lo hermoso.
Este es un álbum que ningún fanático de Satriani debiera perderse. Incluye los excelentes cortes "The Snake" y "Hordes of Locusts", ambos caminando por el lado más duro, claro está, sin desmerecer los demás cortes.
Pero a pesar de todo lo bueno que resulta ser este álbum, es con el siguiente trabajo, Surfing with the Alien, donde Satriani deslumbra de manera absoluta.

JOE JACKSON - Big World

494.

1986
Inglaterra
Pop
****
Interesante disco en vivo de un artista mejor conocido por sus hits "Steppin´Out" y "Always Something Breaking Us in Two", ambos del disco Night And Day, de 1982, que por nada más. Pero los que lo conocen saben que no se trata de un músico cualquiera. Jackson domina varios instrumentos, especialmente el piano, y posee a la vez una muy buena voz.
Lo singular de este disco es que está grabado directamente del show, sin posteriores remezclas, por lo tanto lo que se escucha es exactamente lo que fue en realidad el show. No se escucha el típico murmullo del público debido a que se le pidió a la gente que asistió al evento no meter alboroto. Así por lo menos lo especifica el librillo del álbum.
Este trabajo de quince temas no contiene los hits ya mencionados, así que no se molesten en buscarlos si sólo les interesan esos dos temas. Para el resto del mundo quizás deban escuchar el disco unas cuantas veces para enganchar con él, por lo menos eso me pasó a mí. De todos los temas, fíjense en el corte "Survival", que suena muy parecido a algo hecho por el grupo chileno Los Tres. El parecido resulta innegable. Pero aparte de ese tema, hay otros que llaman la atención no tanto por la música en sí, sino más bien por las influencias musicales de las cuales se nutre. Hay de todo en este álbum; jazz, soul, pop, tango, etc. Para descubrir.

JOAN BAEZ - The Best of Joan Baez

493.

1977
Estados Unidos
Folk
*****
Con su sorprendente y deslumbrante voz soprano, Joan Baez nos presenta una colección de doce temas con parte de su material más interesante. Tenemos algunas canciones en vivo y algunos covers, como "Imagine" de John Lennon y "Gracias a la Vida" de nuestra conocida Violeta Parra. Destaca también el corte "Diamonds and Rust", canción que posteriormente la banda inglesa Judas Priest volvería a grabar, y a la vez, uno de los cortes más conocidos de esta cantante folk. S.O.D. también haría su versión, ridículamente corta (5 segundos), empero, divertida, para el disco de 1985 Speak English or Die.

JIM CROCE - The Legendary Jim Croce

492.
No específicado
Estados Unidos
Soft Rock, Country, Pop
*****
Jim Croce nació en 10 de Enero de 1943 y falleció el 20 de Septiembre de 1973. Murió en un accidente de avión a los 30 años de edad y en el umbral del éxito comercial. Alcanzó a editar sólo tres álbumes de estudio; Jim and Ingrid, Life and Times, de 1973 y I Got a Name, lanzado en forma póstuma en 1974. Y aunque son solo tres los álbumes de Croce, hay una treintena de grandes éxitos, siendo ésta una más de ellas.
Esta compilación tiene 16 temas, destacando "You Don´t Mess Around With Jim", "Operator", "I Got a Name", "Photographs and Memories", "Bad Boy Leroy Brown" y el inmortal clásico (y no es que los demás temas no lo sean) "Time in a Bottle", en mi opinión una de las mejores canciones hechas alguna vez.
Una de los aspectos interesante de la música de Jim, es la simpleza y honestidad de sus temas, con canciones sobre el hombre común y la vida tal como es, sin aditivos. Y no es que se tratara de una pose de Jim, puesto que él mismo fue un hombre simple que trabajó duro para mantener a su esposa Ingrid y su pequeño hijo Adrian James.
Resulta triste pensar que tan increíble talento no tuviese unos años más de vida para poder seguir mostrándonos más hermosas canciones.

JETHRO TULL - Minstrel in the Gallery

491.

1975
Inglaterra
Rock Progresivo, Art Rock
***
Minstrel in the Gallery nos revela una buena dosis del siempre complejo y difícil de categorizar folk rock progresivo tan propio de esta banda, mezclando los distintos elementos de cada estilo, y creando al final composiciones que no resultan para nada asimilables a buenas y primeras.
Este es un álbum denso, espeso e impredecible y que desafía al oyente a una cuidadosa escucha. Además, no posee una canción ganchera, como Aqualung, del disco del mismo nombre, lo que hace aún más difícil la escucha. La canción "Baker St. Muse" de casi 17 minutos es todo un reto para todos aquellos que se aburren fácil pasado los 4 minutos.

JETHRO TULL - Aqualung

490.
1971
Inglaterra
Rock
****
Una de las características más relevantes de esta banda formada en Blackpool, Inglaterra, en 1967, es la inclusión de la flauta, tocada por el también guitarrista y cantante, Ian Anderson. No usual dentro del mundo del rock, la flauta dio a la banda un sonido muy particular y absolutamente distintivo. Sin importar aquello, nunca fueron valorados por la crítica especializada, pero sus fans pensaban de otra manera y lograron hacer de Jethro Tull todo un ícono de lo setenta, siendo bastante exitosos durante toda su carerra.
Aqualung, cuarto disco de estudio, es considerada la obra maestra de los ingleses. Trata sobre la relación existente entre el hombre y Dios, y como la religión organizada tendería a separarlos. A la vez es una mirada hacia el mundo de los vagabundos. Destaca el corte homónimo, sin lugar a dudas, la canción más conocida y más clásica del repertorio del grupo, que en cierta manera opaca al resto del disco, con excepción de "Locomotive Breath", otro corte clásico, y con el sonido inconfundible del grupo.