JOE SATRIANI - Engines of Creation

502.

2000
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental, Electrónica
*****
Este álbum tiene algo muy particular. No se trata de un álbum típico de Satriani, sino más bien que de un experimento con elementos de música electrónica. Quizás para muchos fans les resultará difícil asimilar, ya que la propuesta de la placa escapa totalmente a las fórmulas ocupadas en discos anteriores, excepto en "Until We Say Goodbye", cuarto tema del disco, y que va muy por la línea de lo que nos tenía acostumbrado desde su primer álbum Not of This Earth.
Musicalmente Satriani nos sigue maravillando y sorprendiendo con su impecable técnica, pero ahora a través de canciones muy futuristas, flirteando con los más variados elementos tanto de la música electrónica, el pop, el tecno y el new age. Es un álbum alucinante y para nada predecible, difícil de entender a la primera pasada, pero que deja en claro que este artista no tiene complicaciones a la hora de expandir su ya notable capacidad musical.
Un álbum para descubrir nuevos sonidos y para deleitarse con todas las nuevas posibilidades que le abre a la guitarra, el influyente Satriani.

JOE SATRIANI - Crystal Planet

501.
1998
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
***
Séptima entrega de Satriani. Un disco largo, de casi 68 minutos de duración, con quince temas, algunos más inspirados que otros, pero nada que ya no hayamos escuchado antes. Repite la fórmula ganadora de discos anteriores, pero al alargarse tanto termina por aburrir. No es un mal disco, pero definitivamente no es lo mejor de Satriani. Hay un par de temas que escapan al promedio y se perfilan como verdaderos clásicos de “Satch” (también se le conoce así a Joe), como "A Train of Angels"; a mi juicio el mejor tema del disco, y "Ceremony", éste último con una parte muy parecida a un tema famoso de Deep Purple. Tampoco falta el clásico tema lento de tinte romántico y pausado, como lo es "Love Thing". Allí se nota claramente la repetición de una fórmula; es el típico tema lento de Joe. Canciones como "House Full of Bullets", la propia canción que lleva el nombre del disco, "Trundrumbalind", y varias más, pasan sin lograr crear mayor interés, y sin generar el asombro, la adrenalina ni la electricidad de canciones más memorables. Por suerte, el guitarrista volvería luego con Engines of Creation, donde tomaría más riesgos y en cierta manera se reinventaría, aunque muchos no entendieron su nueva propuesta que tanto se alejaba de todo lo que se escucha en Crystal Planet.

JOE SATRIANI

500.
1995
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
****
Hay un EP de 1984 titulado también como simplemente Joe Satriani, pero no tiene nada que ver con esta placa, sexto álbum de estudio de Satriani. (Quinto si no se considera a Time Machine, que es parte estudio, parte en vivo).
Este álbum es un trabajo bastante particular. No es tan electrizante como los primeros discos, aunque su nivel es alto como de costumbre. Es un disco un poco más lento y relajado que los anteriores, y donde se pueden apreciar las variadas influencias del músico, incluyendo jazz, música country y blues. Temas como "Look at Me", "Slow Down Blues" y "Sittin´ ´Round" nos dan pruebas irrefutables de lo anterior.
En cierto sentido, este álbum escapa bastante a las otras producciones del músico, que por supuesto también están plagadas de las influencias anteriormente señaladas, solo que en este álbum son más evidentes y mucho más marcadas.
Para los que prefieren al Satriani más acelerado y más directo al grano, quizás solamente el tema "Killer Bee Bop" se ajuste a sus deseos, aunque sigue siendo un tema difícil.

JOE SATRIANI - Time Machine

499.

1993
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
****
Disco compacto doble con alrededor de 140 minutos de música en total, y que trae varias sorpresas. El primer disco trae temas nuevos (para cuando salió el disco), e incluye el ya descontinuado EP Joe Satriani, de 1984, con las canciones "Banana Mango", "Dreaming # 11", "I Am Become Death" y "Saying Goodbye".
Hay varios temas que me gustaría destacar de esta primera parte, "Speed of Light", "Dweller on the Threshold" y el tema final, "Woodstock Jam", un tema de largos 16 minutos y bastante extraño.
El disco dos es totalmente en vivo y captura a Satriani en diferentes presentaciones. Destacan de esta parte, "Summer Song", "Flying in a Blue Dream", "Always With Me, Always With You", "Surfing With the Alien", "Rubina" y "Lords of Karma".
Sin duda, este álbum doble es un gran regalo para los fans, que difícilmente quedarán con gusto a poco con tanta música. Una verdadera sobredosis del talento y virtuosismo de uno de los guitarristas más importantes de fines de siglo 20.

JOE SATRIANI - The Extremist

498.
1992
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
****
Excelente disco instrumental del talentoso guitarrista americano Joe Satriani. Mezcla de rock, blues y metal, Joe nos deleita con diez temas de los más variados estilos. Hay temas rápidos, temas lentos y temas extraños. Para los que conocen la discografía de Satriani, este es un típico album de Satriani. Es a lo que nos tiene acostumbrado. No le doy cinco estrellas por que Surfing with the Alien y Not of this Earth son mejores albumes que este.

JOE SATRIANI - Flying in a Blue Dream

497.

1989
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
****
En este tercer álbum de estudio Satriani debuta como cantante. Y aunque el disco se mantiene en general como un trabajo instrumental, Satriani canta en seis de los dieciocho cortes del álbum. ¿Tantas canciones? En realidad no, porque algunos temas duran escasos minutos, el más corto de ellos de apenas 52 segundos. Por supuesto que también hay cortes de mayor duración.
Con respecto a como canta el guitarrista, la opinión generalizada es que su talento definitivamente está en la guitarra y no en el canto. Y no es que cante mal, pero lo cierto es que no posee una voz a la altura de su ejecución en guitarra.
Esta placa tiene grandes clásicos, como "The Mystical Potato Head Groove", "Day at the Beach (New Rays From An Ancient Sun)" y "Back to Shalla-Bal"; este último un tema tocado incontables veces en programas de deportes del canal de cable ESPN. Estos son para mí los temas más emblemáticos de este álbum y los más llamativos. Quizás también los que mejor recuerdan al genial disco anterior, Surfing with the Alien. El resto del álbum es más experimental, por decirlo de algun modo, donde el artista juega con variados estilos a la vez que canta, aunque no logra lucirse en ninguno de los temas donde imprime su voz. Quizás sea porque su guitarra dice tanto que su voz pareciera estar demás.
En fin, sumando y restando, Flying... cumple con las expectativas, pero no supera a los dos discos anteriores a pesar de las genialidades que posee.

JOE SATRIANI - Surfing With the Alien

496.
1987
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
*****
Disco impactante de principio a fin. Un trabajo con mucha onda, mucho groove y feeling. Tiene canciones geniales, con excepcionales arreglos, y con un sentido de la melodía soberbio. Pero es la formidable y perfecta manera de tocar de Satriani y su asombrosa capacidad para componer lo que deslumbra, teniendo en la época de su debut muy pocos referentes anteriores, no por nada el álbum hizo olas en el ambiente de los guitarristas, logrando Satriani ingresar con pleno derecho al círculo de los virtuosos más allá de cualquier odiosa duda.
Satriani nos vuelve a deslumbrar con su talento y virtuosismo induscutible, entregandonos temas poderosos, rockanoleros, y hasta fiesteros. Y a diferencia de lo que ocurre con otros guitarristas técnicamente demandantes, Satriani sabe ordenar su música para que esta no aburra ni caiga en la monotonía y lo predecible. Así tenemos temas rápidos, como "Crushing Day", algunos más romanticos, como "Always With Me, Always With You", entretenidos, como "Satch Boogie", tristes y extraños, como "Hill of the Skulls", y calmaditos (al menos en parte), como "Circles". Superior al debut y discutiblemente insuperable, Surfing se corona como la más imprescindible placa del músico. Esencial.

JOE SATRIANI - Not of this Earth

495.

1986
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
****1/2
Aunque en 1984 Joe Satriani lanza su EP homónimo, Not of this Earth es en realidad el primer álbum oficial.
Considerado como uno de los mejores guitarristas de rock de los ochenta y noventa, Satriani comenzó primero enseñando guitarra a talentos como Steve Vai, Kirk Hammett (Metallica) y Larry Lalonde (Possessed, Primus), entre otros, antes de concentrarse en su carrera solista.
Not of this Earth es una fiel muestra del sonido tan característico que Satriani logró patentar. También destaca por el hecho de venir con canciones de variadas intensidades y estilos, pasando de lo potente a lo relajado, y de lo extraño a lo hermoso.
Este es un álbum que ningún fanático de Satriani debiera perderse. Incluye los excelentes cortes "The Snake" y "Hordes of Locusts", ambos caminando por el lado más duro, claro está, sin desmerecer los demás cortes.
Pero a pesar de todo lo bueno que resulta ser este álbum, es con el siguiente trabajo, Surfing with the Alien, donde Satriani deslumbra de manera absoluta.

JOE JACKSON - Big World

494.

1986
Inglaterra
Pop
****
Interesante disco en vivo de un artista mejor conocido por sus hits "Steppin´Out" y "Always Something Breaking Us in Two", ambos del disco Night And Day, de 1982, que por nada más. Pero los que lo conocen saben que no se trata de un músico cualquiera. Jackson domina varios instrumentos, especialmente el piano, y posee a la vez una muy buena voz.
Lo singular de este disco es que está grabado directamente del show, sin posteriores remezclas, por lo tanto lo que se escucha es exactamente lo que fue en realidad el show. No se escucha el típico murmullo del público debido a que se le pidió a la gente que asistió al evento no meter alboroto. Así por lo menos lo especifica el librillo del álbum.
Este trabajo de quince temas no contiene los hits ya mencionados, así que no se molesten en buscarlos si sólo les interesan esos dos temas. Para el resto del mundo quizás deban escuchar el disco unas cuantas veces para enganchar con él, por lo menos eso me pasó a mí. De todos los temas, fíjense en el corte "Survival", que suena muy parecido a algo hecho por el grupo chileno Los Tres. El parecido resulta innegable. Pero aparte de ese tema, hay otros que llaman la atención no tanto por la música en sí, sino más bien por las influencias musicales de las cuales se nutre. Hay de todo en este álbum; jazz, soul, pop, tango, etc. Para descubrir.

JOAN BAEZ - The Best of Joan Baez

493.

1977
Estados Unidos
Folk
*****
Con su sorprendente y deslumbrante voz soprano, Joan Baez nos presenta una colección de doce temas con parte de su material más interesante. Tenemos algunas canciones en vivo y algunos covers, como "Imagine" de John Lennon y "Gracias a la Vida" de nuestra conocida Violeta Parra. Destaca también el corte "Diamonds and Rust", canción que posteriormente la banda inglesa Judas Priest volvería a grabar, y a la vez, uno de los cortes más conocidos de esta cantante folk. S.O.D. también haría su versión, ridículamente corta (5 segundos), empero, divertida, para el disco de 1985 Speak English or Die.

JIM CROCE - The Legendary Jim Croce

492.
No específicado
Estados Unidos
Soft Rock, Country, Pop
*****
Jim Croce nació en 10 de Enero de 1943 y falleció el 20 de Septiembre de 1973. Murió en un accidente de avión a los 30 años de edad y en el umbral del éxito comercial. Alcanzó a editar sólo tres álbumes de estudio; Jim and Ingrid, Life and Times, de 1973 y I Got a Name, lanzado en forma póstuma en 1974. Y aunque son solo tres los álbumes de Croce, hay una treintena de grandes éxitos, siendo ésta una más de ellas.
Esta compilación tiene 16 temas, destacando "You Don´t Mess Around With Jim", "Operator", "I Got a Name", "Photographs and Memories", "Bad Boy Leroy Brown" y el inmortal clásico (y no es que los demás temas no lo sean) "Time in a Bottle", en mi opinión una de las mejores canciones hechas alguna vez.
Una de los aspectos interesante de la música de Jim, es la simpleza y honestidad de sus temas, con canciones sobre el hombre común y la vida tal como es, sin aditivos. Y no es que se tratara de una pose de Jim, puesto que él mismo fue un hombre simple que trabajó duro para mantener a su esposa Ingrid y su pequeño hijo Adrian James.
Resulta triste pensar que tan increíble talento no tuviese unos años más de vida para poder seguir mostrándonos más hermosas canciones.

JETHRO TULL - Minstrel in the Gallery

491.

1975
Inglaterra
Rock Progresivo, Art Rock
***
Minstrel in the Gallery nos revela una buena dosis del siempre complejo y difícil de categorizar folk rock progresivo tan propio de esta banda, mezclando los distintos elementos de cada estilo, y creando al final composiciones que no resultan para nada asimilables a buenas y primeras.
Este es un álbum denso, espeso e impredecible y que desafía al oyente a una cuidadosa escucha. Además, no posee una canción ganchera, como Aqualung, del disco del mismo nombre, lo que hace aún más difícil la escucha. La canción "Baker St. Muse" de casi 17 minutos es todo un reto para todos aquellos que se aburren fácil pasado los 4 minutos.

JETHRO TULL - Aqualung

490.
1971
Inglaterra
Rock
****
Una de las características más relevantes de esta banda formada en Blackpool, Inglaterra, en 1967, es la inclusión de la flauta, tocada por el también guitarrista y cantante, Ian Anderson. No usual dentro del mundo del rock, la flauta dio a la banda un sonido muy particular y absolutamente distintivo. Sin importar aquello, nunca fueron valorados por la crítica especializada, pero sus fans pensaban de otra manera y lograron hacer de Jethro Tull todo un ícono de lo setenta, siendo bastante exitosos durante toda su carerra.
Aqualung, cuarto disco de estudio, es considerada la obra maestra de los ingleses. Trata sobre la relación existente entre el hombre y Dios, y como la religión organizada tendería a separarlos. A la vez es una mirada hacia el mundo de los vagabundos. Destaca el corte homónimo, sin lugar a dudas, la canción más conocida y más clásica del repertorio del grupo, que en cierta manera opaca al resto del disco, con excepción de "Locomotive Breath", otro corte clásico, y con el sonido inconfundible del grupo.

JEAN MICHEL JARRE - Oxygene 7-13

489.
1997
Francia
Electrónica
****
Oxygene 7-13 se llama así porque supuestamente sería la continuación del primer disco de Jarre, el famosísimo Oxygene, de 1976. Ese primer disco tenía seis partes, simplementes tituladas Oxygene 1, Oxygene 2 y así sucesivamente, al igual que la placa que ahora nos ocupa.
Al escuchar esta segunda parte resulta evidente que Jarre quizo volver a recrear la singular y muy especial atmósfera de su más célebre álbum, por cierto sin lograr cabalmente su propósito. Ahora, esto no significa que Oxygene 7-13 no merezca unas cuantas pasadas por el equipo estéreo. Lo que quiero dejar en claro es que el primer disco de Jarre es lo que es y no creo que sea posible volver a generar la atmósfera de aquél. Por un lado Oxygene suena mucho menos cristalino que el álbum que estamos comentando. El paso de los años y la tecnología ha mejorado mucho, lo que significa que quizás hoy se puedan hacer discos perfectos, pero no necesariamente mágicos. Si alguno de ustedes tiene la posibilidad de escuchar el primer disco de Jarre desde un vinilo entenderá perfectamente de qué estoy hablando. Personalmente, yo le hubiera puesto a este disco cualquier nombre, excepto uno que lo relacionara con el primero, como ocurrió al final. Así, no tendríamos que entrar en las siempre odiosas y polémicas comparaciones.
Pero olvidando todo lo anterior, creo que se trata de un buen álbum, que sin ser tan bueno como sus trabajos en los años setenta y ochenta, logra cautivar y más que nada logra dejar en claro que Jarre tenía cosas que mostrar en los noventa. De todos los temas, los más gancheros son Oxygene 8 y 10. Vale la pena revisarlos. Y el mejor, Oxygene 12.

JEAN MICHEL JARRE - Hong Kong

488.
1994
Francia
Electrónica
****1/2
Disco en vivo de un concierto de Jarre celebrado el 11 de Marzo de 1994 en la ciudad de Hong Kong. Allí el músico promociona su álbum de 1993, Chronologie. Y se nota, ya que toca cinco partes de ese álbum. También rescata algunos clásicos de siempre como "Equinoxe 4", "Oxygene 4" y "Rende - vous 4". ¿Que hay con el número cuatro? Incluso uno de los cortes de Chronologie es el cuarto. ¿Cábala? Quizás. Pero lo importante es que las versiones de los clásicos vienen con un sonido mucho más moderno que sus versiones originales. Esto hace que escuchar el disco sea una experiencia totalmente distinta a lo que significa escuchar el otro disco en vivo de Jarre en China, el The Concerts in China, de 1982. Y no es únicamente que se trate de temas distintos, porque hay temas que se repiten en ambas placas, sino que la atmósfera en ambos álbumes es totalmente distinta. En esta oportunidad Jarre, aparte de equiparse con toda su parafernalia tecnológica, incluye instrumentos más “tradicionales” como guitarras eléctricas, bajos y baterías, instrumentos más propios de una banda de rock, pero que logran realzar la música de Jarre a niveles insospechados. También es apoyado por un coro facilitado por la Hong Kong Opera Society, y toda una orquesta completa conducida por Cheng Chaiman. Ciertamente una importante puesta en escena que hace de este álbum una experiencia auditiva excepcional que creo que cualquier conocedor de Jarre podrá apreciar y valorar al igual que aquellos no tan familiarizados.

JEAN MICHEL JARRE - Chronologie

487.
1993
Francia
Electrónica
****
Otro interesante aporte de Jarre. Destaca "Chronologie part. 4", single que promocionaba el álbum a traves de un video bastante bueno. Caracteriza a este álbum la inclusión de elementos de otras corrientes musicales como el tecno y el rock, pero siempre manteniendo el sello característico del músico. Por ejemplo, en el corte Chronologie part. 5 se puede notar claramente la influencia de la música tecno más popular y bailable, al igual que le corte número seis. Quizás aquello no sea tan sorprendente tomando en consideración que Jarre es un artista de música electrónica y por ende está ligado al tecno, pero en cierta manera es como si Jarre se estuviera dejando influenciar por artistas que lo tienen a él como influencia. Más allá de eso

lo realmente sorprendente fue encontrar guitarras en esta placa ya que Jarre casi nunca las ocupa (con la excepción de cuando hace recitales en vivo). Podemos escucharlas en varios temas, pero donde más se notan es en el corte Chronologie part. 3.
Buen disco, pero de particular interés para los fans de Jarre más que para gente interesada en lo más importante de la obra del músico.

JEAN MICHEL JARRE - Waiting For Cousteau

486.
1990
Francia
Electrónica
***1/2
Album de tan sólo cuatro cortes, donde destaca el tema homónimo, de casi 47 minutos de duración. Es el tema más largo en la discografía de Jarre, lejos. Los tres temas restantes corresponden a Calypso, Calypso 2 y tres, y no se parecen para nada al tema largo.
Este trabajo está dedicado a Jacques-Yves Cousteau, el afamado investigador del mar, también francés como Jarre. El disco es bueno, aunque los cuarenta y siete minutos de Waiting... son un tanto excesivos. Podría aburrir al cabo de diez minutos, pues el tema jamás despega, pero si el oyente es asiduo a experimentar con sonoridades que inviten a la relajación y la meditación, el tema sirve de maravilla.
Como decía, el disco es bueno, y tiene la particularidad de no parecerse a otros discos del músico. En parte eso se debe al uso de baterías de acero en Calypso, que dan ese sonido que recuerda a Jamaica, a la vez de generar una vibra bastante optimista y distendida, que contrasta radicalmente con Waiting...
Un disco bastante especial, pero no creo que atrape a todos los fans de la misma manera.

JEAN MICHEL JARRE - Revolutions

485.
1988
Francia
Electrónica
***
Esta obra está compuesta de diez cortes, y a diferencia de otros álbumes esta vez Jarre no ha nombrado los temas con números (excepto los primeros cuatro cortes, Industrial Revolution: Overture, Part 1, 2 y 3), sino que los temas tienen nombres independientes del título del disco, como "London Kid", "Tokyo Kid", "Computer Weekend", "September" y "The Emigrant". ¿Por qué Jarre no a titulado a su obra de la manera que siempre lo ha hecho? Quien sabe, quizás lo haya hecho así simplemente para variar un poco.
Independiente de lo anterior, lo que aquí tenemos es una obra interesante, pero que no alcanza las alturas de los primeros álbumes. Es una obra con el sonido acostumbrado del gran músico francés, pero inyectando un poco más de vibra tecno pop, alejándose de los patrones decididamente más oscuros de algunas de sus composicioes previas. Esto último lo apreciamos sin problemas en "Revolution, Revolutions", un corte que definitivamente podría enajenar a algunos de sus fans debido a su excesivo tinte popero.
No es lo mejor del músico, pero tiene sus momentos.

JEAN MICHEL JARRE - Rendez-Vous

484.
1986
Francia
Electrónica
*****
Después de editar el más inaccesible y menos comercial de sus álbumes; el extraño Zoolook, Jarre decide retomar sus raíces y darle a la gente lo que realmente quiere escuchar. Así nace Rendez-Vous, un disco muy por la línea de los tres primeros trabajos.
Este quinto álbum de estudio del compositor francés tiene toda la onda y vibra de sus comienzos, y puede equipararse sin problema con Oxygene y Equinoxe. De apenas 35 minutos, resulta inolvidable de principio a fin, destacando Second Redez-vous, pieza de casi once minutos y una de las mejores de Jarre en toda su discografia.
Dejando de lado lo estrictamente musical les cuento que el tema Last Rendez-vous, con el cuál finaliza la obra, también es conocido como Ron´s Piece, en homenaje a Ron McNair, uno de los astronautas que murió en el desastre del transbordador espacial el 28 de Enero de 1986. Resulta que McNair iba a hacer historia al tocar una pieza en saxofón en el espacio, pero obviamente nunca logró su propósito. La interpretación de la pieza de Ron finalmente la interpretó Pierre Gossez.
Un disco memorable, de lo mejor de Jarre.

JEAN MICHEL JARRE - Zoolook

483.

1984
Francia
Electronica
***
Este es uno de los álbumes más raros de Jarre, si es que no es el más raro. Muy experimental, resulta bastante difícil de digerir. Muy poco comercial, esta mirada al zoológico se autodefine. Hipnótico y etéreo, Zoolook es realmente alternativo. Yo diría que es un álbum sólo para los fanáticos de Jarre, más que para el público general. Jarre aquí muestra una faceta que no volvería a mostrar, ya que posteriores trabajos serían todos mucho más fáciles de asimilar. No recomiendo este álbum para los que quieren descubrir a Jarre. Mejor sería que escucharan Oxygene, Equinoxe o Magnetic Fields, álbumes que definen más el típico sonido de Jarre.