Album Reviews

Kingdom Come - Kingdom Come

2009-05-28T08:58:00.001-07:00

541.
1988
Alemania
Hard Rock, Heavy Metal
****
Cuando apareció este disco y los singles "Living Out of Touch" y “Get it On” se impusieron en las radios americanas (aquí en Chile también se escucharon) no pocos pensaron que se trataba de la vuelta en gloria y majestad de Led Zeppelin. Y era porque la voz de Lenny Wolf -cantante de Kingdom Come- se parecía en extremo a la de Robert Plant. Y no era sólo en timbre muy parecido, sino que Wolf imitaba también la forma de cantar de Plant, convirtiéndose en un calco casi perfecto. Así, al crear esta confusión, premeditada o no, Kingdom Come lograría ubicarse en el mapa musical, aunque a la larga perjudicaría al grupo una vez que la novedad empezó a pasar de moda. De hecho ya para el segundo álbum la banda había perdido lo que había ganado con el debut, desintegrándose para 1990. Wolf siguió manteniendo en vivo el nombre de su agrupación, reformándola, y editando Hands of Time el mismo año. Pero ya a esta altura Kingdom Come, o mejor dicho, Wolf, no tenía nada más que decir. Además por esos años el movimiento grunge empezaba a dar sus primeros pasos y aquello sepultaría las pretensiones de Wolf al menos en el mercado americano. Wolf se mantendría editando discos durante la década, pero no traspasarían las fronteras de su nativa Alemania en cuanto a impacto. Obviando el parecido en la voz a Led Zeppelin, se trata de diez buenos temas de vibrante rock and roll pseudo glam, pero con notable fuerza y garra, además de que el parecido a Led Zeppelin no va más allá de la voz, ya que en lo estrictamente instrumental esto suena mucho más hard rockero y diferente a lo que hacía Zeppelin. Mirando en retrospectiva este álbum y esta banda son parte de lo más freak de los ochenta y quizás, vaya a saber uno, Kingdom Come haya impulsado el nacimiento del nefasto movimiento de las bandas tributo. Dependiendo del prisma con que se mire, este álbum podría ser considerado como un trabajo de sólido hard rock o como verdadera basura que no merece siquiera el comentario.

King Diamond - Voodoo

2009-05-28T08:41:00.001-07:00

540.

1998
Dinamarca
Heavy Metal
***
Para todos aquellos familiarizados con la discografía del señor Diamond, Voodoo podría resultar en extremo aburrido. Musicalmente sigue tratándose de un excelente álbum, con toda la clase y técnica de siempre, en especial tratándose del siempre excelso trabajo en guitarra del compañero inseparable de King, Andy LaRoque, pero el problema es que Voodoo no aporta absolutamente nada nuevo. Es lo mismo de siempre, la misma fórmula musical ocupada anteriormente se vuelve a ocupar de nuevo aquí, haciendo del disco algo bastante predecible. Y como no, se trata de un álbum conceptual, algo que ya es sello particular de King. Únicamente los más fans debieran considerar a esta placa como necesaria adición a la colección de discos compactos, pero aquellos con un interés algo más tangencial se les urge revisar la discografía anterior de Diamond, en especial los cuatro primeros álbumes de estudio, y saltarse este álbum.

KING DIAMOND - The Spider´s Lullabye

2009-05-26T09:48:00.000-07:00

539.
1995
Dinamarca
Heavy Metal
***
Casi cinco años pasarían desde The Eye, de 1990, antes de que King volviera a lanzar un disco bajo su nombre. Pero la demora para Spider´s tiene una explicación. King reformaría Mercyful Fate a comienzos de los noventa concentrándose más en ese esfuerzo que en su carrera como solista. El retorno también nos trae nuevas caras, manteniéndose solamente al guitarrista Andy La Rocque como integrante original aparte de, obvio, el señor Diamond. Así, aparecen en escena Herb Simonsen en la otra guitarra líder, Chris Estes en bajo y como tecladista en algunos temas, y Darrin Anthony en batería. A pesar de que no se trata de un álbum imprescindible dentro de la carrera del músico, destacan al menos las canciones “From the Other Side”, “Killer”, “The Poltergeist” y “Six Feet Under”. El resto de las canciones carecen del impacto de esos cuatro cortes, aunque tampoco son desechables. De todas maneras fans de Diamond de seguro se sentirán como en casa ya que el álbum no difiere casi en nada de la propuesta acostumbrada.

KING DIAMOND - The Eye

2009-05-26T09:03:00.000-07:00

538.

1990
Dinamarca
Heavy Metal
****
Quinto álbum de estudio del Sr. King. No se aparta para nada de la fórmula ocupada en discos anteriores y de seguro será del agrado de aquellos que ya conocen su música. Se mantiene la formación de los dos discos anteriores con la excepción del baterista Mikkey Dee, quien es reemplazado por Snowy Shaw. Este trabajo sigue por el sendero de los álbumes conceptuales, algo muy característico en la extensa discografía de este artista, esta vez relatando la caza de brujas ocurrida durante la Inquisición Francesa (1450-1670). De los once temas de la placa destaca de sobremanera el número nueve, "Insanity", pieza instrumental compuesta por Andy La Rocque, excelente guitarrista de inmenso talento quién ya nos había sorprendido con "Something Wicked", instrumental que aparecía en Conspiracy.

Un buen álbum, pero podría resultar un tanto aburrido para los que ya conocen el estilo de Diamond, puesto que aquí no hay nada realmente nuevo. Ligeramente inferior a Conspiracy, sigue siendo un disco importante en la discografía de King y el último que podríamos considerar como verdadero clásico a pesar de que fans más ortodoxos posiblemente se quedarían únicamente con los cuatro primeros discos de estudio.

King Diamond - Conspiracy

2009-05-26T08:34:00.000-07:00

537.
1989
Dinamarca
Heavy Metal
*****
Temáticamente hablando Conspiracy es la continuación de la historia que se cuenta en Them. Aquello es relevante, quizás, únicamente para aquellos que saben inglés, y para este comentarista lo relevante no es la temática de las canciones, sino lo que ellas dicen a través de la música y no las letras. Así, como experiencia sónica, Conspiracy resulta ser parte de lo mejor de Diamond independientemente de la historia. A la par a Them; el disco anterior, y con el mismo personal, Diamond y compañía nos entregan diez vibrantes canciones llenas de fuerza, multiplicidad de cambios, memorables riffs, y las mejores ideas para un álbum simplemente avasallador, al menos para la época. Comienza con "At the Graves", que es una poderosa composición ideal como tema introductorio, para seguir con "Sleepless Nights", cuyo cambio a mitad de canción resulta magistral. Seguimos enganchados con "Lies", "A Visit From the Dead", "The Wedding Dream", hasta llegar a "Somethimg Weird"; un hermoso tema instrumental escrito por el talentoso guitarrista Andy La Rocque, y uno de los momentos más memorables de Conspiracy. Y hablando de momentos memorables, creo que es menester mencionar a Roberto Falcao, el hombre detrás de los teclados, y del cuál nunca vemos fotos en los librillos de los compactos. Falcao sin duda da al álbum la tenebrosidad necesaria, que podemos palpar claramente en "Let it be Done", penúltimo corte, que al mismo tiempo sirve de espectacular introducción para el último corte, "Cremation". Aquella es la canción más pesada del álbum y posiblemente la que más se quede grabada en el cerebro gracias a su ganchero, pero machacador riff.

Mirando es retrospectiva, Conspiracy podría ser considerado como el último gran álbum de Diamond. Desde este punto en adelante, no hay mucho de la discografía de Diamond que se pueda considerar imprescindible.

KING DIAMOND - Them

2008-07-07T08:08:00.000-07:00

536.
1988
Dinamarca
Heavy Metal
****1/2

En esta placa se produce el primer cambio de integrantes importante, siendo Michael Denner (guitarra), reemplazado por Pete Blakk, y Timi Hansen (bajo), reemplazado por Hal Patino. Así, King de desvincula completamente de Mercyful Fate ya que recordemos que Denner y Hansen eran originalmente de esa banda y acompañaron a Diamond en su aventura solista los dos primeros discos. Anclado como digno tercer álbum de estudio, es considerado la última placa esencial dentro de la discografía del músico. Nuevamente ampliando los horizontes de lo terrorífico y del más allá, Them continúa la fiel tradición de disco conceptual, esta vez adentrándonos en una historia sobre una abuelita que pasó su buena temporada en una casa de orates. Se supone que la vieja está poseída y que habla con espíritus del más allá. En fin, temáticas a las que Diamond a esta altura ya nos tiene acostumbrados. Pero independientemente de la efectividad de la historia Them resulta ser un álbum clave dentro de la discografía de King y cierra su época más esplendorosa.

KING DIAMOND - Abigail

2008-07-06T21:12:00.000-07:00

535.

1987

Dinamarca

Heavy Metal

****

Considerada la obra maestra de King Diamond, Abigail es la segunda entrega solista del músico. Disco conceptual, trata, en parte, de la bruja ficticia Abigail La Fey. Los músicos que lo acompañan en esta nueva aventura son los mismos que los de la primera placa, Fatal Portrait. En cuanto a sonido se nota un alejamiento de los patrones que recordaban a Mercyful Fate en aquel primer disco. Abigail es a la vez más cristalino, más rápido, más thrashero y se nota que está mejor producido. Técnicamente desafiante, Abigail entrega una buena dosis de maestría en guitarra cortesía de la dupla Michael Denner – Andy La Rocque. Tan inspirados son algunos solos de guitarra que fácilmente hacen olvidar toda la verborrea satánica del Sr. King, pasando la historia de la bruja a segundo plano. Y para aquellos que no saben inglés, menos les podría importar la historia, porque lo que realmente vale aquí es la calidad de las composiciones como un todo y no sólo un aspecto de ellas. Junto al primer y tercer disco, Abigail es esencial dentro de la discografía de Diamond.

KING DIAMOND - Fatal Portrait

2008-07-06T19:47:00.000-07:00

534.
1986
Dinamarca
Heavy Metal
*****
Luego de dos discos esenciales junto a Mercyful Fate; "Melissa" y "Don´t Break the Oath", King Diamond se alejaría de la banda por razones de diferencias musicales y lanzaría su carrera solista apoyado por dos miembros de Mercyful: el guitarrista Michael Denner y el bajista Timi Hansen. Añadiría también al talentoso guitarrista Andy La Rocque quien a la postre se convertiría en el único miembro estable en el nuevo proyecto del señor King. Acompañaría en la aventura el también talentoso Mikkey Dee en batería. Años después encontraría más fama y fortuna junto a Motörhead.

Fatal Portrait tomaría las cosas donde se dejaron con Mercyful, siendo la entrega bastante similar a los dos primeros discos tanto a nivel musical como temático. Quizás no tan excesivamente satánico, pero siempre abocado a temáticas relacionadas con lo oculto, Fatal Portrait sigue al menos con la idea de "álbum conceptual" a la que King siempre ha rendido culto. Y al igual que en Mercyful, destaca, como siempre ha sido, la voz operística y con rangos múltiples, única dentro del Heavy Metal, del Sr. King. Algunos la adoran, otros tantos la odian… cosa que suele ocurrir con aquellos artistas que se atreven a ser únicos dentro de un estilo. Claramente no es la típica voz metalera. Por otro lado, las composiciones siguen un patrón clásico donde no falta el solo de guitarra técnico cortesía de Denner y La Rocque.

Posiblemente algo pasado de moda y carente del impacto de cuando fue editado por primera vez, Fatal Portrait sigue siendo uno de los mejores discos solistas de King (junto con Abigail y Them que hacen así la Tripleta Demoníaca Esencial de Diamond) y es escucha obligatoria para cualquier fan de metal que se precie de tal.

Ediciones posteriores de este álbum incluyen un tema extra llamado “The Lake”, que a diferencia de temas extras que lo único que hacen es llenar espacio en el disco, esta canción es realmente buena y no destruye el concepto original de nueve canciones.

KATATONIA - Discouraged Ones

2007-06-12T17:13:00.000-07:00

533.
1998
Suecia
Doom Metal, Rock/Pop
****
Katatonia es una banda que comenzó como una agrupación inclinada hacia los esquemas death metal. Ya en este tercer álbum larga duración dejan de lado aquello e incorporan solamente voces suaves, aunque siguen manteniendo bastante pesadez y un sonido derechamente metálico.
Como su nombre da a entender, Katatonia se especializa en hacer composiciones llenas de melancolía y desánimo. ¡Temas catatónicos! Es como Pink Floyd, pero bastante más distorsionado. Creo que no hay un momento de alegría en todo lo que dura el disco, sin que este sea necesariamente depresivo, pero lo más importante es que atrapa y cautiva, entregando al oyente una suerte de doom psicodélico y lisérgico que quizás al principio cueste digerir, pero una vez que se asimila causa una muy buena impresión.

JULIAN COPE - Peggy Suicide

2007-06-12T16:55:00.000-07:00

532.
1991
Inglaterra
Rock/Pop Alternativo
***
Originalmente Peggy Suicide apareció como un vinilo doble. Luego en su formato de disco compacto se redujo a un solo disco. Se trata de un álbum conceptual de largos 76 minutos sobre la Madre Tierra y sus sufrimientos, según las propias palabras de Cope. El nombre tan peculiar de Peggy Suicide es simplemente el apodo con que Cope denomina a la Tierra.

La mejor definición para la música de Peggy... es la de “Alternativa”, aunque "rara" y "extraña" también calzan a la perfección. La música es bastante intimista, con letras que reflejan claramente la postura política de Cope. Sumemos a eso una no despreciable dosis de locura y lo que tenemos es un álbum cuya escucha es una experiencia unica. Y no es un dato anexo sin importancia el hecho que Julian Cope sea un adicto al LSD, y con comprobados trastornos psíquicos, pues todo ello se refleja en la música.

Hay un aire psicodélico en toda la obra, lo que hace que no sea de fácil escucha para personas más inclinadas hacia patrones rítmicos más accesibles. Un disco extraño y amargo, pero muy interesante.

JUDAS PRIEST - Demolition

2007-06-08T06:32:00.000-07:00

531.

2001
Inglaterra
Heavy Metal
*
Segunda entrega de estudio con el vocalista Ripper Owens. Excesivamente largo, con setenta tediosos minutos y trece temas de variada calidad sin que ninguno sea excepcional. Por lo menos en el disco anterior, Jugulator, habían dos temas realmente rescatables, pero aquí no hay nada. Posiblemente este sea considerado más adelante como el peor disco de la banda. Extenso, aburrido y falto de creatividad. Da la imprtesión que es hora de bajar la cortina y retirarse, o traer de vuelta a Rob Halford (cosa que finalmente se hizo) porque con este tipo de discos la banda no va a ninguna parte. Penoso.

JUDAS PRIEST - Priest, Live & Rare !!

2007-06-08T06:21:00.000-07:00

530.
1998
Inglaterra
Heavy Metal
***
Tal como nos señala el título de este álbum, lo que aquí tenemos es Judas Priest en vivo y cosas raras, hasta ahora, difíciles de conseguir. La mayor parte del disco (nueve de los diez temas) es en vivo, con presentaciones rescatadas del 7 pulgadas Evening Star, y los 12 pulgadas Take on the World, Hot Rockin´, The Green Manalishi y Parental Guidance. De este último rescatan el tema "Turbo Lover" (único tema no en vivo) en una versión discotequera que a más de alguno sorprenderá, y que nos muestra lo más pop que llegó a ser la banda en los ochenta. Era la época y era la onda y todos los grandes grupos de heavy metal tuvieron desvaríos de esta índole, y bueno, a esta altura resulta algo totalmente divertido y que no hay que tomarse muy en serio.
En general creo que se trata de un buen disco, aunque de ninguna manera lo podríamos considerar como imprescindible, siendo Priest...Live! mejor opción a la hora de querer disfrutar del sonido en vivo de la banda. Por otro lado, la inclusión de dos versiones en vivo de "Breaking the Law" resulta redundante, aunque el fan más religioso de seguro las valorará como piezas de colección dignas de poseer.

JUDAS PRIEST - Jugulator

2007-06-08T05:54:00.000-07:00

529.

1997
Inglaterra
Heavy Metal
**1/2

Jugulator es el primer disco de Judas Priest que no cuenta con los servicios vocales del mítico Rob Halford, el "Dios del Metal" según muchos. Dios partiría a formar su propia banda: Fight, y volvería a las líneas de Priest recién en el 2005 con el esperadísimo Angel of Retribution. Durante el retiro la banda continuó como si nada, y siete años pasaron desde Painkiller (el último disco con Halford de la época de mayor apogeo) para finalmente lanzar al mundo Jugulator. Dejando de lado comentarios sobre el infantil e irrisorio título, lo importante es que Jugulator presenta a un vocalista nuevo, y con la difícil labor de hacer olvidar a Rob Halford. No lo logra. Y no lo logra por la sencilla razón de que la figura de Halford es tán mítica, que no se trata de que si Ripper Owens canta mejor o no. Halford estuvo en cada uno de los álbumes de la banda hasta 1990 y es irremplazable. Punto. Owens lo hace excelentemente bien, pero no es Rob Halford ni tampoco posee su carisma. El álbum es el único de estudio en los noventa de Judas Priest (vamos a excluir a Painkiller de 1990), y después de esta muestra no volvería a grabar algo nuevo hasta el año 2001, cuando aparece Demolition. Como vemos, los muchachos han dejado de ser lo prolíficos que eran antes. Hay un disco doble en vivo de 1998, Live Meltdown, con el vocalista nuevo, y también hay otros álbumes recopilatoros de viejas glorias, pero en cuanto a canciones nuevas, Jugulator es lo único que tenemos de Judas bien entrados los noventa.

Este disco no es tan malo como se podría suponer. Está claro que la mejor época de la banda fue la de los años ochenta y setenta, y que poco o nada tenía que decir Judas en la decada de los noventa, pero este trabajo de diez cortes merece al menos el beneficio de la duda. Viene con un sonido bastante moderno, con algunos temas muy pesados y con una atmósfera bastante deprimente. No es un álbum con el cuál se enganche fácil, y exceptuando los cortes "Dead Meat" y en especial "Bullet Train", que es a mi parecer el mejor tema del disco, no hay aquí mucho que sea memorable, aunque, como decía, no se trata de una porquería de álbum. Una de las cosas destacables es todo el empeño que manifiesta Owens por emular a Halford, gritando y desgarrándose las cuerdas vocales hasta llegar a esas altísimas notas que a Halford le salían tan fácilmente. El tipo lo hace bien, pero no tiene un estilo propio ni resalta por él mismo. Sabe que su labor es apegarse a la forma de cantar de Halford. Al final de cuentas Jugulator no deja de ser un álbum más dentro de la extensa discografía de Judas Priest y no aporta gran cosa. Técnicamente bueno, pero falto de magia.

JUDAS PRIEST - Metal Works

2007-06-08T05:40:00.000-07:00

528.

1993
Inglaterra
Heavy Metal
****
Disco compacto doble con todos los imprescindibles clásicos de la banda. Son 32 temas en total, y un verdadero “best of” que abarca gran parte de la carrera de Judas Priest. No hay ningún tema, eso sí, de los dos primeros álbumes (cuyos derechos no los tiene Columbia Records, compañía disquera de Judas Priest durante gran parte de su carrera), con la excepción de "Victim of Changes", tema que aparece en vivo en esta recopilación.
Frente a una recopilación de la magnitud de esta entrega la pregunta odiosa que uno no puede dejar de formularse es si hay algún otro tema que debió ser incluido, o mejor aún, si debió haberse dejado algún tema afuera. Creo que la colección resulta muy entretenida y acertada, aunque personalmente hubiera colocado a "Jawbreaker", del disco Defendes of the Faith y a "Riding on the Wind", del Screaming for Vengeance. Con respecto a dejar algún tema afuera, me parece que ninguno se lo merece. Pero bueno, es difícil darle el gusto a todo el mundo, por tanto me conformo con la placa tal como és, o sea, una muestra amplia de la música de Judas Priest.

Algo importante, los temas no están ordenados cronológicamente, más bien están bastante salpicados, lo que no deja apreciar la natural evolución de la banda. Ese sería el único punto en contra.

JUDAS PRIEST - Painkiller

2007-06-01T11:46:00.001-07:00

527.

1990
Inglaterra
Heavy Metal
*****
Ya la hora de Judas Priest había pasado, atrás quedaban los legendarios discos Defenders of the Faith, Screaming for Vengeance y British Steel, por dar sólo unos cuantos ejemplos, y el heavy metal en el mundo moría lentamente a medida que un nuevo movimiento musical llamado Grunge amenazaba con comerse no sólo al metal, sino que a la industria musical por completo. Pero justo cuando el mundo metalero no daba un peso por las bandas heavy metal tradicionales y se dejaba seducir por el thrash más violento o por el más brutal death metal, sale al mercado Painkiller, y no queda títere con cabeza. Este disco es lejos el más pesado, violento y agresivo dentro del género de heavy metal tradicional. No pocos consideran que Judas Priest practicamente caminó por los senderos del thrash con él. Y lo más respetable es que lo hicieron con clase. Porque el álbum sigue sonando a Judas Priest. Es un tremendo disco que comienza con la poderosísima "Painkiller", rapidísimo tema comparable sólo con "Ram it Down", del disco del mismo nombre. Bajan las revoluciones un poco en el segundo tema, "Hell Patrol", pero luego vuelve el descontrol con "All Guns Blazing". Las guitarras de K.K. Downing y Glenn Tipton, considerados por muchos como la mejor dupla de heavy rock de la historia son simplemente fuera de este mundo. Alucinantes. Complicadísimos solos de guitarra y una fuerza desgarradora son la tónica del disco. ¿Y qué decir de Rob Halford? Aquí lo tenemos cantando como los mil demonios y como si estuviera poseido. Y es ciertamente la inclusión de Scott Travis, baterista que reemplazó al clásico, pero no tan eximio, Dave Holland, el que con su impecable y demandante técnica exige al resto de la banda como nunca antes. Siguiendo con las canciones, "Leather Rebel" vuelve a bajar las revoluciones un poco, pero la agresión sónica sigue latente en "Metal Meltdown". Las situación se calma de nuevo con "Night Crawler". De ahí para adelante el disco da un giro inesperado, pero en la dirección correcta, y si bien "Between the Hammer & the Anvil", "A Touch of Evil", "Battle Hymn" y "One Shot at Glory" no son tan demoledoras como las canciones iniciales, son canciones a la altura de la banda. Painkiller, es, sin lugar a dudas, uno de los mejores discos de Judas Priest, a la altura de los inmortales clásicos de los setentas y ochentas. Sería a la vez el fin de la época Halford, volviendo este quince años después para el disco Angel of Retribution del año 2005.

He aquí dos notables videos de este disco:

http://www.youtube.com/watch?v=JAagedeKdcQ (Painkiller) ¡Chacal!

http://www.youtube.com/watch?v=yYYhrN0m4Uk ( A Touch of Evil)

JUDAS PRIEST - Ram it Down

2007-06-01T10:42:00.000-07:00

526.
1988
Inglaterra
Heavy Metal
***
Me pasa algo bien curioso con este álbum. Caundo lo escuché por primera vez me encantó el primer corte, titulado igual que el disco, y lo consideré como uno de los mejores de Judas en toda su carrera. ¡Que solos de guitarra tiene! Espectacular, alucinante. El impacto de esa canción fue tal en su momento que nunca me importó mucho el resto del disco, considerándolo malo. Hoy en día, escuchándolo de nuevo, me he percatado que esas canciones despreciadas no son tan malas después de todo, pero tampoco son la octava maravilla, y sigo manteniendo que el corte inicial es lo mejor del disco. En general, el disco tiene cierta inclinación popera, que a veces funciona, otras tantas no, pero también hay una buena dosis de rock duro potente y fresco, y yo diría que hasta fiestero, aunque jamás revelador o terriblemente innovador. Tanta buena onda se contrapone claramente con la melancolía y oscuridad algo depresiva de los álbumes setenteros. ¿Pero cómo diablos no iba a estar Judas Priest festivo si estaba vendiendo millones de discos y era una de las más importantes bandas de metal en aquel momento? Aquella festividad que no todos los fans apreciaron se nota claramente en "Come and Get It". Mucho mejor "Hard as Iron"; tema con cierto aire a "Leather Rebel" del disco Painkiller, que vendría dos años después. Luego de un par de temas más sin mayor interés nos sorprende "Johnny B. Goode", cover de la composición original del blusero Chuck Berry. Finaliza el disco con los cortes "Love You to Death" y "Monsters of Rock", ambos sin mayor gracia o magia. De hecho "Monsters of Rock" es un título demasiado pretencioso para una canción tan promedio. En resumen, un disco no imprescindible que tiene una canción insuperable que lamentablemente se pierde dentro de la mediocridad restante.

JUDAS PRIEST - Priest...Live !

2007-06-01T10:36:00.000-07:00

525.

1987
Inglaterra
Heavy Metal
****
Segundo disco en vivo de Judas Priest. Recordemos que el primero fue Unleashed in the East, de 1979. En esta oportunidad Priest nos pasea por parte de su discografía, concentrándose en los discos Turbo, Defenders of the Faith y Screaming for Vengeance, a saber, los tres discos de estudio anteriores a este álbum en vivo. Los temas elegidos son clásicos de la banda y toda una delicia para los fans que vivieron la onda del heavy metal en los ochenta (me incluyo).
En cuanto al sonido, éste logra covencer de que se trata de un registro en vivo, a diferencia de Unleashed in the East, que suena como si hubiera sido muy intervenido. En Priest...Live! a sido diferente, recreando fehacientemente todo el despliegue de energía y fuerza que siempre caracterizó a esta banda. Excelente disco en vivo del cuál sólo se extrañan algunos cortes de la época setentera.

JUDAS PRIEST - Turbo

2007-06-01T08:56:00.000-07:00

524.
1986
Inglaterra
Heavy Metal
***
Este debe ser el disco más controvertido, musicalmente hablando, en la carrera de Priest. Es el más popero de los albumes de Judas, el más condescendiente y el más taquillero. Y vino justo después del grandioso e impresionante Defenders of the Faith, un albúm que marcó a una generación entera de metaleros. Pero no nos apresuremos a crucificar a la banda sin antes comprender lo que estaba sucediendo en 1986. En esa época el heavy metal estaba en el peak de popularidad y la moda del momento era ser más taquillero y más fiestero, como Poison o Mötley Crüe. Bueno, Judas apostó a lo que estaba pasando en el momento y así nace Turbo. Ahora bien, quiero que entiendan que este no es un mal álbum. Es súper comercial, demasiado para Judas a mi parecer, pero no es malo, es simplemente poco convincente, siendo "Turbo Lover" y "Rock You All Around the World" lo mejor que tenemos aquí. Del resto, bueno, sólo podemos decir que suena como si la banda se hubiera perdido en la mitad del océano sin brújula, sin saber hacia dónde dirigirse. ¿Guitarras sintetizadas? Ciertamente aquello no era una buena idea. Mirando ahora en retrospectiva comprendemos que la apuesta popera fue un error, y que se pagó caro, expiandose los pecados solamente con el próximo disco de estudio Ram it Down.

JUDAS PRIEST - Defenders of the Faith

2007-06-01T08:41:00.000-07:00

523.
1984
Inglaterra
Heavy Metal
*****
Este trabajo de Judas Priest está dentro de los álbumes que más ha marcado e influenciado mis gustos musicales. Si me gusta el metal, es culpa de este álbum. Es la semilla del cuál nace todo lo demás. También influyeron en la época Ozzy Osbourne e Iron Maiden, pero no tanto como este disco, que debe ser el primer disco de rock, en general, que me gustó.
Lo que más me impresionó de este disco fue la fuerza y furia que imprimía. Era un sonido y una manera de enfocar la música totalmente nueva para mí. A la vez me resultó alucinante, algo fuera de este mundo, y una movida de la cual yo sabía iba a ser partícipe.
El tema principal, "Freewheel Burning", es una descarga de adrenalina y energía aun para los estándares de hoy en día, y con unos solos de guitarra a cargo de la dupla K.K. Downing-Glenn Tipton que no tienen comparación. Más aún, basta con escuchar ese único tema para darse cuenta de todo el talento de esta importantísima banda que definió el heavy metal de los ochenta, entregando no solamente adrenalina y poder, sino que grandes canciones con gran sentido de la armonía, y con grandiosos solos de guitarra que jamás fueron igualados. "Jawbreaker"; el segundo tema, es un poco más lento que el tema introductor, pero igualmente poderoso. "Rock Hard Ride Free" muestra el lado más rockero de la banda. Prosigue el disco con la letal "The Sentinel". De ahí pasamos a "Love Bites" y la sugerente y rápida "Eat Me Alive". En el tema "Night Comes Down" se puede apreciar el lado más romántico y lento del grupo. Ese tema es una balada, eso sí, no ausente de gran fuerza. Nada sorpresivo puesto que Judas siempre se encargó de incluir en sus álbumes temas lentos, y de esa manera matizaron magistralmente sus trabajos. Termina el disco con los temas "Heavy Duty", un pesadísimo corte que define a la banda -caso de escuchar la letra- y el corte homónimo, un verdadero himno de rock. Absolutamente imprescindible, especialmente pata aquellos que lo escucharon en la época.

http://www.youtube.com/watch?v=_yq7Bs-eJIY

JUDAS PRIEST - Screaming for Vengeance

2007-06-01T07:43:00.000-07:00

522.
1982
Inglaterra
Heavy Metal
*****
Es indisputable el hecho que Screaming for Vengeance es un clásico del metal ochenteno rivalizado únicamente por The Number of the Beast de Iron Maiden. Producido por Tom Allon, que ya venía trabajando con Priest desde Unleashed in the East y estuvo con la banda hasta Ram it Down, Screaming es el primer disco de Judas con un sonido indiscutiblemente demoledor, sonando más cristalino y mejor producido que cualquier álbum anterior. Gracias a aquello esta vez los espectaculares solos de guitarra de la dupla Downing-Tipton se escuchan como nunca antes. Cosa de escuchar “Riding on the Wind” y en especial el corte homónimo, muy adelantado a su época y vaticinando la explosión thrash metal que estaba a la vuelta de la esquina. Otros cortes imprescindibles (que con el tiempo se convirtieron en clásicos de las presentaciones en vivo), son “The Hellion” y “Electric Eye”. Pero es “You´ve Got Another Thing Comin´ ” el corte que está en la memoria colectiva de todos puesto que esa canción fue éxito radial. Un irrefutable clásico. El álbum también viene con un par de canciones de menor impacto y más lentas, como “Bloodstone” y “(Take these) Chains”, que carecen de espectacularidad aunque de ningún modo pueden ser consideradas relleno, siendo “Pain and Pleasure” quizás el único corte claramente inferior. Sin importar aquello, Judas Priest, con este álbum, definitivamente llegó al peak de su carrera, rematando dos años más tarde con Defenders of the Faith. Indispensable.

JUDAS PRIEST - Point of Entry

2007-05-31T09:43:00.000-07:00

521.
1981
Inglaterra
Heavy Metal
***

Una de las cosas curiosas de este disco y que nada tiene que ver con la música, es que existan dos caratulas distintas del mismo. Una de ellas, y a mi juicio una de las peores carátulas de la banda, muestra un horizonte a lo lejos con un camino hecho de papel de impresión continua que se pierde en el infinito. Horrible. La otra carátula, que fue elegida para la versión europea del disco, muestra una punta que sale del lado derecho y unos colores extraños. Mejor que la otra, pero tampoco muy interesante.

Pero vamos a la música. Point of Entry es el séptimo disco de estudio de Judas Priest. Está justo antes de Screaming for Vengeance, y lo simpático es que no logra predecir lo que estaría por venírsenos encima. Cuesta creer que luego de este disco la banda lograra crear la que es considerada por muchos como su mejor placa, puesto que no nos da luces sobre el cambio que experimentaría la banda en su futuro más cercano. Más interesante aún, es notar que British Steel, el álbum anterior, nos da más claves para entender Screaming...

Pero Point of Entry tiene sus cartas debajo de la manga de todas maneras, aunque no muchas. Comienza con el hit "Heading Out the Highway"; uno de sus temas más conocidos junto con "Breaking the Law", del disco anterior. Luego viene "Don´t Go"; un tema que pasa sin pena ni gloria, y de ahí pasamos a "Hot Rockin´", otro de los temas más conocidos de este álbum, y ciertamente el mejor tema del disco. El resto tiene sus altos y bajos, manteniendo en todo momento el sello inconfundible de la banda, pero sumando y restando, al final de cuentas debemos reconocer que Point of Entry es menos que British Steel, y mucho menos que Screaming for Vengeance.

JUDAS PRIEST - British Steel

2007-05-31T09:13:00.000-07:00

520.
1980
Inglaterra
Heavy Metal
****1/2
Esta sexta placa de estudio de Judas Priest siempre ha gozado del aprecio de la mayoría de los fans. Considerado entre los mejores discos de la banda, British Steel nos entrega nueve cortes -clásicos ya-, de esta importantísima banda del heavy metal. Comienza con "Rapid Fire"; un corte potente y rabioso que abre magistralmente el disco, luego sigue "Metal Gods"; otro gran clásico, para seguir con la que quizás sea la canción más conocida de la banda, "Breaking the Law"; todo un hit radial. De ahí para adelante el disco sigue manteniendo el interés, destacando cada uno de los cortes, en especial "Grinder", "United" y "Living After Midnight". Este último, otro hit radial. Termina el disco con "Steeler", un tema que va más o menos en la misma línea que el corte inicial. A mi parecer Steeler es el mejor tema del disco. ¿Habrá Yngwie Malmsteen sacado de allí el nombre para su banda pre carrera solista "Steeler"? Y con respecto a canciones no tan memorables, "You Don´t Have to be Old to be Wise" tendría que ser el tema a elegir. Atención especial merece "United", suerte de himno metalero imitado por la banda española Ángeles del Infierno en "Unidos por el Rock" del disco Pacto con el Diablo de 1984. He allí un claro ejemplo de la tremenda influencia de Judas Priest en el Metal.

Las ediciones Re-Masters del año 2001 que editó el sello Columbia con casi toda la discografía de la banda tenían la ventaja de contar con temas extra en cada álbum. Yo tengo la versión nueva. Aparecen dos bonus track; "Red, White & Blue", más "Grinder" en vivo. Red, White &amp; Blue; un tema bastante patriótico, es una canción que había escrito la banda en sus inicios pero que fue grabada recién en 1985, no aparece en ningún disco de estudio. Ninguna de estas dos canciones aporta nada realmente imprescindible. Me quedo con el disco en su formato original.

JUDAS PRIEST - Unleashed in the East (Live in Japan)

2007-05-30T16:40:00.000-07:00

519.

1979
Inglaterra
Heavy Metal
****
Controversia ha perseguido a este álbum desde siempre especulándose que está tremendamente intervenido en estudio y que en realidad no es tan en vivo como amerita serlo un disco con el rótulo de “live”. Condensando con nueve canciones parte de lo mejor de la primera época de Judas Priest, aquella de los setenta y que engloba cinco álbumes de culto, Unleashed, o Live in Japan, como también se le conoce, es la primera entrega en vivo de la banda y se extraña que no haya sido un disco doble puesto que claramente había en aquel entonces suficiente material para aquello. Desencadenando en el Este inmortales clásicos como “Victim of Changes”, “The Ripper”, “Running Wild” y “The Sinner”, entre otros, Unleashed es indispensable para el fan acérrimo. Las grabaciones de esta placa corresponden a dos recitales distintos, hechos en Koseinenkin Hall y Nakano Sunplaza Hall, ambos en Tokyo. A la vez, el álbum da el adiós al baterista Les Binks, que estuvo en la banda desde Stained Class.

JUDAS PRIEST - Hell Bent for Leather

2007-05-29T22:07:00.000-07:00

518.

1978
Inglaterra
Heavy Metal
****

Hell Bent for Leather, que en castellano es algo así como "Determinado o resuelto desenfrenadamente hacia el cuero" (vaya título) tiene a la vez su versión inglesa llamada simplemente Killing Machine y la única diferencia entre ambos discos es que el primero viene con el cover de Fleetwood Mac "Green Manalishi (With the Two-Pronged Crown)". Aquello convierte a Hell Bent como el disco a elegir entre los dos. Quinto en la discografía, cierra magistralmente el primer periodo de la banda dejando para la posteridad cuatro clásicos: "Delivering the Goods", "Hell Bent for Leather", "Running Wild" y el ya mencionado corte de Fleetwood. En este periodo la banda se mostraba ya completamente afiatada y con un lineup que por primera vez se mantiene estable por más de un disco, participando nuevamente el baterista Les Binks, tal cómo lo había hecho en el disco anterior Stained Class. Quizás algo inferior a Stained Class, puesto que no representa en relación a él un salto gigantesco en términos creativos, Hell Bent sigue siendo un disco notable de la discografía de Judas, aunque para muchos no sea completamente esencial.

JUDAS PRIEST - Stained Class

2007-05-29T21:53:00.000-07:00

517.
1978
Inglaterra
Heavy Metal
*****
Cuarto disco de estudio de estos dinosaurios del metal, y un gran avance con respecto a sus trabajos anteriores, desarrollando un sonido mucho más potente y derechamente heavy que se aleja de los comienzos rockeros y un tanto hippies de la banda. De todas maneras tiene un aura setentera que hila esta obra desde Rocka Rolla hasta Killing Machine, quinto álbum de estudio, también conocido como Hell Bent for Leather. Esos cinco primeros discos correponden a lo que podríamos catalogar como la primera etapa de Judas Priest, etapa que se captura en vivo (aunque con un dudoso sonido en vivo) en el disco Unleashed in the East.

Aparecen en Stained Class los clásicos cortes "Exciter", "White Heat, Red Hot" y "Better Than You Better Than Me", este último cover de un grupo llamado Spooky Tooth. Ese tema (en la versión Judas Priest) es bastante polémico porque supuestamente tenía mensajes al reves y habrían llevado al intento de suicidio de dos fans, uno de los cuales logró su objetivo. Eso gatilló a que en 1990 la banda fuera llevada a la corte junto con su disquera CBS Records por incitar al suicidio. Fueron declarados inocentes en Junio de 1993.

Temas polémicos aparte, Stained Class es considerado por muchos fans como el mejor disco de Judas Priest. Yo me inclino por el Screaming for Vengeance, pero sea como sea Stained Class resulta esencial.

JUDAS PRIEST - Sin After Sin

2007-05-29T21:20:00.000-07:00

516.

1977
Inglaterra
Heavy Metal
****
Prácticamente toda la discografía setentera de Judas Priest es material esencial para cualquiera interesado en el desarrollo del Rock y el Metal, especialmente el Metal, porque mal que mal Judas Priest es y siempre será sinónimo de Heavy Metal, al igual que Iron Maiden. Este tercer álbum, al igual que el que le precede, es un clásico obligado, destacando el cover de "Diamonds and Rust" de la cantante norteamericana Joan Baez. Al igual que Sad Wings, el disco viene con un par de temas melancólicos y lentos, como son "Last Rose of Summer" y "Here Come the Tears", pero son cortes como "Sinner", "Starbreaker" y "Dissident Aggressor" los cuales nos muestran a la banda en su desplante más agresivo, como adelanto de lo que el mundo abría de conocer más adelante en álbumes como Screaming for Vengeance y Defenders of the Faith. Sin After Sin marca también el inicio de un nuevo contrato discográfico, esta vez con Columbia Records, dejando atrás a Gull Records.

JUDAS PRIEST - Sad Wings of Destiny

2007-03-29T11:24:00.000-07:00

515.
1976
Inglaterra
Heavy Metal
****

Sad Wings of Destiny fue el primer gran álbum de Judas Priest, superando claramente al debut Rocka Rolla y dejando para la historia el primer clásico de la banda, por supuesto, "Victim of Changes", con que abre el disco. Otras canciones, como "The Ripper" y "Tyrant" se volvieron cásicas con el tiempo y otras como "Dreamer Deceiver" y "Epitaph" mostraron un lado melancólico desconocido en Rocka Rolla a la vez que demostraron que la banda tenía una amplitud y un trasfondo emocional realmente interesante, pero es con "Prelude", con ese piano infinitamente tristón y su genial y simple melodía, donde mejor podemos apreciar que la banda tenía en esta época muchas ideas en ebullición y creatividad desbordante. Y si hay que desechar algo aquí, solamente "Genocide" cumple con lo necesario, siendo aquella canción el único punto bajo de la placa. No es un disco tan impresionante en términos de producción como las clásicas placas de los ochenta, pero sin lugar a dudas se trata de uno de los discos fundamentales. Es, inexorablemente, la placa que separa a Judas Priest de la competencia augurando fama y fortuna para el devenir.

JUDAS PRIEST - Rocka Rolla

2007-03-28T14:00:00.000-07:00

514.
1974
Inglaterra
Heavy Metal
****

Judas Priest es considerada la banda más importante del heavy metal después de Black Sabbath. Ícono del metal ahora clásico de los años 80, también compartió la escena con otro gran monstruo llamado Iron Maiden, a quienes se les considera terceros en importancia, aunque si hablamos de nivel de ventas, Maiden supera a todos.

Rocka Rolla es el primer disco de estudio y está ejecutado por Rob Halford en voces, K.K. Downing y Glenn Tipton en guitarras, Ian Hill en bajo y John Hinch en batería. Esta formación se mantendría casi intacta por dieciséis años (hasta el álbum Painkiller) habiendo cambios solamente de bateristas. Hinch tocaría únicamente en este álbum siendo ya reemplazado por Alan Moore para el siguiente esfuerzo Sad Wings of Destiny.

A pesar de que Rocka Rolla no es un álbum esencial en la discografía de Judas Priest, siendo la segunda entrega mucho más enfocada que esta -y posteriores discos muy superiores a los algo humildes comienzos-, sigue siendo un álbum que inconfundiblemente suena al Judas Priest de siempre gracias más que nada a la inconfundible voz de Halford. En esta etapa embrionaria Downing y Tipton todavía no dan muestras de lo que con los años pudieron hacer, pero logran encajar aquí y allá interesantes riffs y solos que son vaticinio de mejores cosas a venir.

Demás está decir que Judas Priest ha sido una influencia importantísima en la evolución del heavy metal siendo pilar fundamental en el desarrollo del thrash metal y death metal que nacieron como hijos bastardos del heavy metal confabulado inicialmente por Sabbath y del cual luego se nutrieron tanto Priest como Maiden, y al escuchar la canción "Winter/Deep Freeze/Winter Retreat/Cheater" se nota cómo esa influencia se materializó posteriormente. En ese tema, dividido en cuatro partes, se nota más que en ninguno, de dónde sacaron ideas bandas como Slayer. Esos sonidos de guitarra que parecen lamentos agónicos de almas sufrientes por los cuales se reconoce a Slayer tienen su génesis en "Winter...". Una escucha atenta revelará esto que estoy diciendo. Es, simplemente, impresionante la similitud del estilo.

Una aclaración que creo pertinente. Este disco y el segundo, Sad Wings of Destiny, no aparecen dentro de la discografía de la banda en una reedicion que se hizo en el 2001 de todos los álbumes hasta Painkiller. Incluso se sacó al mercado una caja con cuatro álbumes y que tenía espacio para los ocho restantes, que obviamente no incluían los primeros dos trabajos. Esto fue así porque la compañía disquera que primero fichó a Judas Priest, Gull Records, no ha querido ceder los derechos a Columbia, la compañía multinacional que edita los álbumes de Judas desde el tercer álbum, Sin After Sin. El o los dueños de ese pequeño sello que fichó a Judas en sus comienzos, hasta el día de hoy gozan de la venta de los primeros dos álbumes, más un best of de Judas Priest que seguramente hizo la banda para cumplir con el contrato disquero, y alguna que otra pieza de dudosa importancia.

JOURNEY - Greatest Hits Live

2007-03-27T21:57:00.000-07:00

513.

1998
Estados Unidos
Hard Rock, Soft Rock, Rock/Pop
****
Disco en vivo con 16 temas previamente no disponibles correspondientes a recitales hechos en 1981 y 1983 en Houston, Texas; Norman, Oklahoma y Tokio, Japón.

Según cuenta Melinda Newman (de la revista Billboard) en el librillo del compacto, estas grabaciones fueron rescatadas de una bodega de la Sony y estaban hace harto rato perdidas y acumulando polvo. Cierto o no, lo importante es que el álbum final que salió de todo eso suena bastante bien, siendo la selección de los temas un repaso por lo más popular y conocido de Journey. No es de extrañar que le hayan añadido el “Greatest Hits” a un álbum que pudo haberse llamado simplemente como “Live”. Todo sea por enganchar a más gente con el disco, me imagino. En fin, aquí están prácticamente todas esas canciones tan recordadas por la juventud de los ochenta, como "Faithfully", "Who´s Crying Now", "Send Her My Love", "Separate Ways (Worlds Apart)" y "Open Arms". También hay algunos temas que no son tan conocidos, como "Still They Ride", "Line of Fire" y "Stone in Love".
Para los que tienen el famoso disco de grandes éxitos de Journey quizás esta placa no les llame mucho la atención, pues se repiten la mayoría de las canciones. Para los que disfrutan escuchando a sus bandas en un ambiente en vivo, notaran lo bien que ejecuta Journey su repertorio, destacando Steve Perry, que canta tal cual lo hace en estudio.

JOURNEY - Greatest Hits

2007-03-27T21:50:00.000-07:00

512.
1988
Estados Unidos
Hard Rock, Soft Rock, Pop/Rock
*****
Con ventas de millones de discos, extensas giras mundiales y una no despreciable base de fans, Journey es una de las más grandes bandas de rock de todos los tiempos.
En este álbum se recopilan todos los éxitos radiales y hits, que no son pocos. Para mi gusto es un disco de singles, y no necesariamente lo mejor de la Journey, que tiene excelentes temas en su extensa discografía y que no van a encontrar aquí, como "Stone in Love", del disco Escape, en mi opinión uno de sus mejores temas de la banda.
Este álbum es un regalo perfecto para todos aquellos que fueron jóvenes en los años ochenta y/o para los que solo se interesan por los singles y nada más.

JOURNEY - Frontiers

2007-03-27T21:44:00.000-07:00

511.
1983
Estados Unidos
Hard Rock, Soft Rock, Rock/Pop
****1/2
Esta súper banda, tremendamente exitosa, con ventas de millones de discos, con una docena de hits radiales y con un talento indiscutido, nos presenta uno de sus mejores trabajos. Empieza con la poderosa "Separate Ways (Worlds Apart)", para luego seguir con la romántica "Send Her My Love"; otro clásico de los ochenta que se sigue escuchando en las radios. "Faithfully" va por la misma línea. Son las power ballads, temas lentos, un tanto románticos, muy fáciles de digerir y muy comerciales, pero con el elemento rockero presente.
Journey supo mezclar el rock con el pop de una manera magistral. Y con esto lograron llegar al público masivo, pero lo hicieron no con temas desechables o con hits de una temporada. Lo hicieron escribiendo muy buena música y la gente lo supo apreciar. Parte importante de esta llegada a la gente, es la voz impresionante de Steve Perry, y la electrizante y brillante guitarra de Neal Schon, un verdadero maestro de las seis cuerdas. Ambos potencian a Journey tremendamente. Tanto es así que es difícil imaginar a Journey sin estos dos personajes. Y como no, después de la retirada de Steve Perry, la banda ya no volvería a ser la misma. Es que hay tipos que son irremplazables, y éste más que muchos.
Frontiers es un excelente álbum y nos muestra a Journey en el peak de su carrera, con mucha fuerza y convenciendo con temas muy melódicos, pero con garra, con una mística propia inconfundible, y con muy buen rock. Como alguna vez dijo Steve Perry: “Journey is not a fashion band” (Journey no es una banda de modas). Con eso daba a entender que una cosa eran los hits y los lentos de la banda, pero que Journey era más. Y definitivamente lo era. Una banda que supo llegar a la cima sin haberse vendido. Grandes.

JOURNEY - Escape

2007-03-27T20:59:00.000-07:00

510.
1981
Estados Unidos
Hard Rock, Soft Rock, Rock/Pop
*****

Los comienzos de Journey estaban muy alejados de los que llegaría a ser la banda: grandes estrellas con ventas de millones de discos y con muchos éxitos radiales bajo la manga. Los tres primeros discos; Journey (1975), Look Into the Future (1976) y Next (1977), fueron poco exitosos y transitaban por el lado del rock progresivo siendo a la vez vehículos para las muestras del talento indiscutido del ex Santana Neal Schon. Pero es con la llegada de Steve Perry para el siguiente álbum Infinity (1978) que la fortuna del grupo empieza a cambiar favorablemente. Perry iniciaría lo que se conoce como la segunda etapa de Journey, que concluye con el disco Raised on Radio (1986), siendo esta la que llevaría a la banda a niveles de estrellato anteriormente impensados.

Escape es el cuarto disco de estudio de la segunda época y aquel con el cual la banda despegaría definitivamente. Es considerado al mismo tiempo el mejor disco del grupo y el tiempo ha demostrado que sigue siendo un clásico ochentero imperdible. Contiene los clásicos "Don´t Stop Believing", "Who´s Crying Now" y "Open Arms", todas canciones que llegaron a lugares privilegiados en las listas de popularidad. Pero lo interesante, y revelador, es que este álbum es mucho más que esas tres canciones, siendo "Stone in Love" y "Mother, Father" canciones que merecen estar dentro de las mejores composiciones de los norteamericanos, a pesar de no haber sido "hits". Notable, es la voz de Perry, claramente singular y única, al igual que el desplante de Schon en su guitarra. No por nada es considerado uno de los mejores guitarristas de música rock de los ochenta y su estatus sigue vigente a comienzos del siglo XXI.

Con poco relleno y con canciones que han demostrado su inmortalidad, Escape es el disco definitivo de Journey. Frontiers, que le sigue, es considerado también un clásico y de lo mejor, pero yo apuesto por Escape.

JOURNEY - Departure

2007-03-27T20:43:00.000-07:00

509.

1980
Estados Unidos
Hard Rock
****
Con la acelerada y potente "Any Way You Want It" comienza este clásico álbum de la banda de San Francisco formada en 1973. Le sigue "Walks Like a Lady", un tema con toda una onda blusera. "Someday Soon", tercer corte, muestra a Gregg Rolie (teclado, armónica) cantando junto con Steve Perry, y en "People and Places" canta Neal Schon (guitarra) también junto a Perry. Esto es importante destacarlo porque generalmente Perry canta solo. Fue interesante notar que Rolie y Schon no lo hacen nada mal, aunque no se comparan con la aguda y característica voz de Perry.
Departure, sexto en la discografía, y tercero con Perry en voces, no es tan impactante como Escape; álbum que sigue a este y que resulta decisivo en la carrera Journey pues elevaría a la banda a nivel de superestrellas, pero resulta ser muy rockero, y muestra a un Journey que difiere del de las baladas que tanta gente asocia con la banda. Aparte de los temas ya mencionados, destacan también "I´m Cryin´" y "Line of Fire"; éste último un tema rápido, parecido al corte inicial.

JON AND VANGELIS - The Friends of Mr. Cairo

2007-03-27T20:26:00.000-07:00

508.
1981
Inglaterra, Grecia
Electrónica, New Age, Art Rock
****1/2
Jon Anderson de Yes canta en este álbum con el famoso instrumentista y padre del new age, el Sr. Vangelis. Disco clásico donde aparecen los famosos temas "State of Independence", "The Friends of Mr. Cairo" y "I´ll Find My Way Home", esta última versionada ¿horriblemente? por el cantante puertoriqueño Chayane, quien simplemente le puso otra letra.
Este experimento de unificar a dos personalidades del mundo de la música y hacer este álbum conjuntamente resultó ser algo brillante. Creo que la voz de Anderson se acopla perfectamente a la música de Vangelis, aunque ambos compusieron para este álbum. La música se mueve dentro de la línea conocida de Vangelis, o sea, canciones suaves, con arreglos en teclado y sintetizador, que generan un ambiente de calma y paz. Música meditativa y cautivante, hermosa y extraña, muy recomendable para quienes gustan de los sonidos suaves.
El tema "Back to School" escapa un poco de todo lo demás del disco, y es el único un poco más movido.

Hay dos carátulas para este álbum.

JOHN SERRIE - Planetary Chronicles Volume II

2007-03-27T20:24:00.000-07:00

507.

1994
Estados Unidos
Electrónica, New Age, Space Music
****
La especialidad de John Serrie es la música espacial. Este álbum es un fiel reflejo de aquello. Un disco extremadamente calmo y relajado que nos invita a la meditación y a la contemplación del cosmos en su insondable e infinita magnificencia.
La propuesta de Serrie camina por el lado de lo minimalista, y aquellos que buscan mayor complejidad de seguro se sentiran defraudados por el enfoque simplista de Serrie. No es música para armar una fiesta ni para liberar tensiones, simplemente para dejarse llevar y viajar por el universo.
Interesante, pero monótono.

JOHN LYDON - Psycho´s Path

2007-03-02T14:49:00.000-08:00

506.
1997
Inglaterra
Rock/Pop, Dance Alternativo
**1/2
John Lydon es quien otrora fuera conocido como Johnny Rotten (Johnny Podrido), el carismático cantante de la famosa banda punk, The Sex Pistols. Por cierto el más talentoso de los miembros de la mítica banda inglesa, John Lydon también formaría Public Image Ltd. luego de que Sex Pistols se disolviera.
Psycho´s Path es la única producción como solista de Lydon. Se trata de un disco bastante especial y que poco o nada tiene que ver con el pasado punk del artista. Los quince temas que componen el disco van más de la mano con la experimentación electrónica, mezclada con algo de pop/rock, generando una suerte de música dance muy alternativa y de difícil asimilación. Desde luego, no se trata de un disco fácil, y cuesta enganchar con los temas.
Un punto interesante es que cuatro de los temas se repiten con sus respectivas mezclas; "Grave Ride", "Sun", "Psychopath" y "Stump". En Grave Ride participa Moby. También hay participación de The Chemical Brothers, pero en el tema "Open Up".
El mejor tema del disco a mi parecer es Sun, cuyo sonido en acordeón le da un toque muy especial. El resto requiere ser madurado con paciencia.

JOHN FARNHAM - Age of Reason

2007-03-02T14:28:00.000-08:00

505.
1988
Australia
Pop
**1/2
John Farnham tuvo un súper éxito con la canción "You´re the Voice", que aparece en esta placa en una versión larga. Originalmente aquel tema apareció en el disco Whispering Jack, de 1986. La gente que gusta de la música pop de los años ochenta no tendrá problemas en reconocer ese verdadero himno de aquella época. Aparte de ese tema tan conocido no hay otras canciones fácilmente reconocibles en esta placa de pop oreja y de fácil enganche. No es un disco malo, pero se nota que vive a la sombra de You´re the Voice. Por algo se volvió a incluir en esta placa, aunque hay una versión del disco que no la incluye, optando por un cover de AC/DC "It´s a Long Way to the Top (If You Wanna Rock ´N Roll)"

"Listen to the Wind" es lo segundo mejor que tenemos, buen tema. El resto del disco tiene sus momentos, pero para ser sincero, les diré que no me pareció gran cosa.
En cuanto a la voz de Farnham, que no deja de ser excelente, aunque hay gente que piensa que es muy limitada, tiene similitud con la de Mike Reno, de Loverboy.
Pero haciendo un balance, Age of Reason no deja de ser un tanto aburrido.

JOE WALSH - Songs for a Dying Planet

2007-03-01T20:36:00.000-08:00

504.
1992
Estados Unidos
Hard Rock
****
Disco de escasa repercusión comercial de un artista que llegó a tener sus hits en Estados Unidos a finales de los setenta y a comienzos de los ochenta. A seguido grabando desde esas fechas pero sin lograr mucha notoriedad, volviendo a la fama en 1994 cuando se reune con sus viejos amigos de The Eagles para el tour del disco que los traía de vuelta, el connotado Hell Freezes Over.
Aquí en Chile Joe Walsh es practicamente un desconocido, ¡aunque también es cierto que aquí se desconocen muchas cosas, y no solo cuestiones relacionadas con música! Joe, en su estilo distendido, relajado, irónico, pero divertido y honesto (cualidades que seguramente lo han acompañado desde que nació), nos presenta con esta placa titulada sombríamente como Canciones para un Planeta Moribundo, doce piezas irreverentes, con el tono acostumbrado de Joe, reflejado claramente en canciones como "Shut Up", "Vote for Me" y el tema homónimo del disco. En Vote for Me (Vote por mí) hace una divertida sátira de lo que significa parte del mundo de la política. Pero esto no resulta extraño al saber que Walsh ha pretendido llegar a la Casa Blanca dos veces, perdiendo en ambas.
Pero más allá de la figura de Walsh y su inteligente visión del mundo y las cosas, la música de este brillante guitarrista presenta variados matices, con canciones que van de un rock and roll de raíz country, hacia otras donde hay pinceladas mínimas, pero existentes, de gospel, como se aprecia en "The Friend Song". También hay pasajes lentos y armoniosos que hacen del disco una obra cuyo sonido puede llegar a mucha gente.
Un buen disco, sin lugar a dudas. Un dato más. El tema "Will You Still Love Me Tomorrow" es un cover escrito originalmente por G. Goffin y C. King e interpretado por decenas de artistas.

JOE WALSH - So What

2007-03-01T20:32:00.000-08:00

503.
1975
Estados Unidos
Rock, Hard Rock
****
Joe Walsh es todo un personaje dentro del del mundo del rock. Bastante excéntrico, lanzó su carrera política en 1979 para ser presidente de Estados Unidos, prometiendo gasolina gratis para todo el mundo. No ganó. Volvió a las campañas por segunda vez más o menos por el año 1984. Volvió a perder.
Nacido en Wichita, Kansas, en 1947, este artista ha tenido una carrera musical bastante exitosa. Luego de tocar en algunas bandas durante los sesenta y parte de los setenta, inicia su carrera como solista en 1973. Excelente guitarrista, de un muy particular sentido del humor, también debuta en el álbum de The Eagles, Hotel California, el más famoso de la banda americana.
Musicalmente podríamos catalogar lo que hace Walsh como un rock con clase, un tanto suave y con un leve tinte country. Un álbum para escuchar atentamente ya que es mucho más de lo que parece a primera vista. Recomiendo el disco en su totalidad, pero resaltando el corte "Song for Emma", una hermosa y cautivante balada.

JOE SATRIANI - Engines of Creation

2007-03-01T20:29:00.000-08:00

502.

2000
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental, Electrónica
*****
Este álbum tiene algo muy particular. No se trata de un álbum típico de Satriani, sino más bien que de un experimento con elementos de música electrónica. Quizás para muchos fans les resultará difícil asimilar, ya que la propuesta de la placa escapa totalmente a las fórmulas ocupadas en discos anteriores, excepto en "Until We Say Goodbye", cuarto tema del disco, y que va muy por la línea de lo que nos tenía acostumbrado desde su primer álbum Not of This Earth.
Musicalmente Satriani nos sigue maravillando y sorprendiendo con su impecable técnica, pero ahora a través de canciones muy futuristas, flirteando con los más variados elementos tanto de la música electrónica, el pop, el tecno y el new age. Es un álbum alucinante y para nada predecible, difícil de entender a la primera pasada, pero que deja en claro que este artista no tiene complicaciones a la hora de expandir su ya notable capacidad musical.
Un álbum para descubrir nuevos sonidos y para deleitarse con todas las nuevas posibilidades que le abre a la guitarra, el influyente Satriani.

JOE SATRIANI - Crystal Planet

2007-03-01T20:24:00.000-08:00

501.
1998
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
***
Séptima entrega de Satriani. Un disco largo, de casi 68 minutos de duración, con quince temas, algunos más inspirados que otros, pero nada que ya no hayamos escuchado antes. Repite la fórmula ganadora de discos anteriores, pero al alargarse tanto termina por aburrir. No es un mal disco, pero definitivamente no es lo mejor de Satriani. Hay un par de temas que escapan al promedio y se perfilan como verdaderos clásicos de “Satch” (también se le conoce así a Joe), como "A Train of Angels"; a mi juicio el mejor tema del disco, y "Ceremony", éste último con una parte muy parecida a un tema famoso de Deep Purple. Tampoco falta el clásico tema lento de tinte romántico y pausado, como lo es "Love Thing". Allí se nota claramente la repetición de una fórmula; es el típico tema lento de Joe. Canciones como "House Full of Bullets", la propia canción que lleva el nombre del disco, "Trundrumbalind", y varias más, pasan sin lograr crear mayor interés, y sin generar el asombro, la adrenalina ni la electricidad de canciones más memorables. Por suerte, el guitarrista volvería luego con Engines of Creation, donde tomaría más riesgos y en cierta manera se reinventaría, aunque muchos no entendieron su nueva propuesta que tanto se alejaba de todo lo que se escucha en Crystal Planet.

JOE SATRIANI

2007-03-01T20:18:00.000-08:00

500.
1995
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
****
Hay un EP de 1984 titulado también como simplemente Joe Satriani, pero no tiene nada que ver con esta placa, sexto álbum de estudio de Satriani. (Quinto si no se considera a Time Machine, que es parte estudio, parte en vivo).
Este álbum es un trabajo bastante particular. No es tan electrizante como los primeros discos, aunque su nivel es alto como de costumbre. Es un disco un poco más lento y relajado que los anteriores, y donde se pueden apreciar las variadas influencias del músico, incluyendo jazz, música country y blues. Temas como "Look at Me", "Slow Down Blues" y "Sittin´ ´Round" nos dan pruebas irrefutables de lo anterior.
En cierto sentido, este álbum escapa bastante a las otras producciones del músico, que por supuesto también están plagadas de las influencias anteriormente señaladas, solo que en este álbum son más evidentes y mucho más marcadas.
Para los que prefieren al Satriani más acelerado y más directo al grano, quizás solamente el tema "Killer Bee Bop" se ajuste a sus deseos, aunque sigue siendo un tema difícil.

JOE SATRIANI - Time Machine

2007-03-01T20:12:00.000-08:00

499.

1993
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
****
Disco compacto doble con alrededor de 140 minutos de música en total, y que trae varias sorpresas. El primer disco trae temas nuevos (para cuando salió el disco), e incluye el ya descontinuado EP Joe Satriani, de 1984, con las canciones "Banana Mango", "Dreaming # 11", "I Am Become Death" y "Saying Goodbye".
Hay varios temas que me gustaría destacar de esta primera parte, "Speed of Light", "Dweller on the Threshold" y el tema final, "Woodstock Jam", un tema de largos 16 minutos y bastante extraño.
El disco dos es totalmente en vivo y captura a Satriani en diferentes presentaciones. Destacan de esta parte, "Summer Song", "Flying in a Blue Dream", "Always With Me, Always With You", "Surfing With the Alien", "Rubina" y "Lords of Karma".
Sin duda, este álbum doble es un gran regalo para los fans, que difícilmente quedarán con gusto a poco con tanta música. Una verdadera sobredosis del talento y virtuosismo de uno de los guitarristas más importantes de fines de siglo 20.

JOE SATRIANI - The Extremist

2007-03-01T20:10:00.000-08:00

498.
1992
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
****
Excelente disco instrumental del talentoso guitarrista americano Joe Satriani. Mezcla de rock, blues y metal, Joe nos deleita con diez temas de los más variados estilos. Hay temas rápidos, temas lentos y temas extraños. Para los que conocen la discografía de Satriani, este es un típico album de Satriani. Es a lo que nos tiene acostumbrado. No le doy cinco estrellas por que Surfing with the Alien y Not of this Earth son mejores albumes que este.

JOE SATRIANI - Flying in a Blue Dream

2007-03-01T20:02:00.000-08:00

497.

1989
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
****
En este tercer álbum de estudio Satriani debuta como cantante. Y aunque el disco se mantiene en general como un trabajo instrumental, Satriani canta en seis de los dieciocho cortes del álbum. ¿Tantas canciones? En realidad no, porque algunos temas duran escasos minutos, el más corto de ellos de apenas 52 segundos. Por supuesto que también hay cortes de mayor duración.
Con respecto a como canta el guitarrista, la opinión generalizada es que su talento definitivamente está en la guitarra y no en el canto. Y no es que cante mal, pero lo cierto es que no posee una voz a la altura de su ejecución en guitarra.
Esta placa tiene grandes clásicos, como "The Mystical Potato Head Groove", "Day at the Beach (New Rays From An Ancient Sun)" y "Back to Shalla-Bal"; este último un tema tocado incontables veces en programas de deportes del canal de cable ESPN. Estos son para mí los temas más emblemáticos de este álbum y los más llamativos. Quizás también los que mejor recuerdan al genial disco anterior, Surfing with the Alien. El resto del álbum es más experimental, por decirlo de algun modo, donde el artista juega con variados estilos a la vez que canta, aunque no logra lucirse en ninguno de los temas donde imprime su voz. Quizás sea porque su guitarra dice tanto que su voz pareciera estar demás.
En fin, sumando y restando, Flying... cumple con las expectativas, pero no supera a los dos discos anteriores a pesar de las genialidades que posee.

JOE SATRIANI - Surfing With the Alien

2007-01-05T05:39:00.000-08:00

496.
1987
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
*****
Disco impactante de principio a fin. Un trabajo con mucha onda, mucho groove y feeling. Tiene canciones geniales, con excepcionales arreglos, y con un sentido de la melodía soberbio. Pero es la formidable y perfecta manera de tocar de Satriani y su asombrosa capacidad para componer lo que deslumbra, teniendo en la época de su debut muy pocos referentes anteriores, no por nada el álbum hizo olas en el ambiente de los guitarristas, logrando Satriani ingresar con pleno derecho al círculo de los virtuosos más allá de cualquier odiosa duda.
Satriani nos vuelve a deslumbrar con su talento y virtuosismo induscutible, entregandonos temas poderosos, rockanoleros, y hasta fiesteros. Y a diferencia de lo que ocurre con otros guitarristas técnicamente demandantes, Satriani sabe ordenar su música para que esta no aburra ni caiga en la monotonía y lo predecible. Así tenemos temas rápidos, como "Crushing Day", algunos más romanticos, como "Always With Me, Always With You", entretenidos, como "Satch Boogie", tristes y extraños, como "Hill of the Skulls", y calmaditos (al menos en parte), como "Circles". Superior al debut y discutiblemente insuperable, Surfing se corona como la más imprescindible placa del músico. Esencial.

JOE SATRIANI - Not of this Earth

2007-01-04T22:23:00.000-08:00

495.

1986
Estados Unidos
Hard Rock Instrumental
****1/2
Aunque en 1984 Joe Satriani lanza su EP homónimo, Not of this Earth es en realidad el primer álbum oficial.
Considerado como uno de los mejores guitarristas de rock de los ochenta y noventa, Satriani comenzó primero enseñando guitarra a talentos como Steve Vai, Kirk Hammett (Metallica) y Larry Lalonde (Possessed, Primus), entre otros, antes de concentrarse en su carrera solista.
Not of this Earth es una fiel muestra del sonido tan característico que Satriani logró patentar. También destaca por el hecho de venir con canciones de variadas intensidades y estilos, pasando de lo potente a lo relajado, y de lo extraño a lo hermoso.
Este es un álbum que ningún fanático de Satriani debiera perderse. Incluye los excelentes cortes "The Snake" y "Hordes of Locusts", ambos caminando por el lado más duro, claro está, sin desmerecer los demás cortes.
Pero a pesar de todo lo bueno que resulta ser este álbum, es con el siguiente trabajo, Surfing with the Alien, donde Satriani deslumbra de manera absoluta.

JOE JACKSON - Big World

2007-01-04T22:18:00.000-08:00

494.

1986
Inglaterra
Pop
****
Interesante disco en vivo de un artista mejor conocido por sus hits "Steppin´Out" y "Always Something Breaking Us in Two", ambos del disco Night And Day, de 1982, que por nada más. Pero los que lo conocen saben que no se trata de un músico cualquiera. Jackson domina varios instrumentos, especialmente el piano, y posee a la vez una muy buena voz.
Lo singular de este disco es que está grabado directamente del show, sin posteriores remezclas, por lo tanto lo que se escucha es exactamente lo que fue en realidad el show. No se escucha el típico murmullo del público debido a que se le pidió a la gente que asistió al evento no meter alboroto. Así por lo menos lo especifica el librillo del álbum.
Este trabajo de quince temas no contiene los hits ya mencionados, así que no se molesten en buscarlos si sólo les interesan esos dos temas. Para el resto del mundo quizás deban escuchar el disco unas cuantas veces para enganchar con él, por lo menos eso me pasó a mí. De todos los temas, fíjense en el corte "Survival", que suena muy parecido a algo hecho por el grupo chileno Los Tres. El parecido resulta innegable. Pero aparte de ese tema, hay otros que llaman la atención no tanto por la música en sí, sino más bien por las influencias musicales de las cuales se nutre. Hay de todo en este álbum; jazz, soul, pop, tango, etc. Para descubrir.

JOAN BAEZ - The Best of Joan Baez

2007-01-04T22:11:00.000-08:00

493.

1977
Estados Unidos
Folk
*****
Con su sorprendente y deslumbrante voz soprano, Joan Baez nos presenta una colección de doce temas con parte de su material más interesante. Tenemos algunas canciones en vivo y algunos covers, como "Imagine" de John Lennon y "Gracias a la Vida" de nuestra conocida Violeta Parra. Destaca también el corte "Diamonds and Rust", canción que posteriormente la banda inglesa Judas Priest volvería a grabar, y a la vez, uno de los cortes más conocidos de esta cantante folk. S.O.D. también haría su versión, ridículamente corta (5 segundos), empero, divertida, para el disco de 1985 Speak English or Die.

JIM CROCE - The Legendary Jim Croce

2007-01-04T22:07:00.000-08:00

492.
No específicado
Estados Unidos
Soft Rock, Country, Pop
*****
Jim Croce nació en 10 de Enero de 1943 y falleció el 20 de Septiembre de 1973. Murió en un accidente de avión a los 30 años de edad y en el umbral del éxito comercial. Alcanzó a editar sólo tres álbumes de estudio; Jim and Ingrid, Life and Times, de 1973 y I Got a Name, lanzado en forma póstuma en 1974. Y aunque son solo tres los álbumes de Croce, hay una treintena de grandes éxitos, siendo ésta una más de ellas.
Esta compilación tiene 16 temas, destacando "You Don´t Mess Around With Jim", "Operator", "I Got a Name", "Photographs and Memories", "Bad Boy Leroy Brown" y el inmortal clásico (y no es que los demás temas no lo sean) "Time in a Bottle", en mi opinión una de las mejores canciones hechas alguna vez.
Una de los aspectos interesante de la música de Jim, es la simpleza y honestidad de sus temas, con canciones sobre el hombre común y la vida tal como es, sin aditivos. Y no es que se tratara de una pose de Jim, puesto que él mismo fue un hombre simple que trabajó duro para mantener a su esposa Ingrid y su pequeño hijo Adrian James.
Resulta triste pensar que tan increíble talento no tuviese unos años más de vida para poder seguir mostrándonos más hermosas canciones.

JETHRO TULL - Minstrel in the Gallery

2007-01-04T22:02:00.000-08:00

491.

1975
Inglaterra
Rock Progresivo, Art Rock
***
Minstrel in the Gallery nos revela una buena dosis del siempre complejo y difícil de categorizar folk rock progresivo tan propio de esta banda, mezclando los distintos elementos de cada estilo, y creando al final composiciones que no resultan para nada asimilables a buenas y primeras.
Este es un álbum denso, espeso e impredecible y que desafía al oyente a una cuidadosa escucha. Además, no posee una canción ganchera, como Aqualung, del disco del mismo nombre, lo que hace aún más difícil la escucha. La canción "Baker St. Muse" de casi 17 minutos es todo un reto para todos aquellos que se aburren fácil pasado los 4 minutos.

JETHRO TULL - Aqualung

2007-01-04T21:48:00.000-08:00

490.
1971
Inglaterra
Rock
****
Una de las características más relevantes de esta banda formada en Blackpool, Inglaterra, en 1967, es la inclusión de la flauta, tocada por el también guitarrista y cantante, Ian Anderson. No usual dentro del mundo del rock, la flauta dio a la banda un sonido muy particular y absolutamente distintivo. Sin importar aquello, nunca fueron valorados por la crítica especializada, pero sus fans pensaban de otra manera y lograron hacer de Jethro Tull todo un ícono de lo setenta, siendo bastante exitosos durante toda su carerra.
Aqualung, cuarto disco de estudio, es considerada la obra maestra de los ingleses. Trata sobre la relación existente entre el hombre y Dios, y como la religión organizada tendería a separarlos. A la vez es una mirada hacia el mundo de los vagabundos. Destaca el corte homónimo, sin lugar a dudas, la canción más conocida y más clásica del repertorio del grupo, que en cierta manera opaca al resto del disco, con excepción de "Locomotive Breath", otro corte clásico, y con el sonido inconfundible del grupo.

JEAN MICHEL JARRE - Oxygene 7-13

2006-11-07T11:11:00.000-08:00

489.
1997
Francia
Electrónica
****
Oxygene 7-13 se llama así porque supuestamente sería la continuación del primer disco de Jarre, el famosísimo Oxygene, de 1976. Ese primer disco tenía seis partes, simplementes tituladas Oxygene 1, Oxygene 2 y así sucesivamente, al igual que la placa que ahora nos ocupa.
Al escuchar esta segunda parte resulta evidente que Jarre quizo volver a recrear la singular y muy especial atmósfera de su más célebre álbum, por cierto sin lograr cabalmente su propósito. Ahora, esto no significa que Oxygene 7-13 no merezca unas cuantas pasadas por el equipo estéreo. Lo que quiero dejar en claro es que el primer disco de Jarre es lo que es y no creo que sea posible volver a generar la atmósfera de aquél. Por un lado Oxygene suena mucho menos cristalino que el álbum que estamos comentando. El paso de los años y la tecnología ha mejorado mucho, lo que significa que quizás hoy se puedan hacer discos perfectos, pero no necesariamente mágicos. Si alguno de ustedes tiene la posibilidad de escuchar el primer disco de Jarre desde un vinilo entenderá perfectamente de qué estoy hablando. Personalmente, yo le hubiera puesto a este disco cualquier nombre, excepto uno que lo relacionara con el primero, como ocurrió al final. Así, no tendríamos que entrar en las siempre odiosas y polémicas comparaciones.
Pero olvidando todo lo anterior, creo que se trata de un buen álbum, que sin ser tan bueno como sus trabajos en los años setenta y ochenta, logra cautivar y más que nada logra dejar en claro que Jarre tenía cosas que mostrar en los noventa. De todos los temas, los más gancheros son Oxygene 8 y 10. Vale la pena revisarlos. Y el mejor, Oxygene 12.

JEAN MICHEL JARRE - Hong Kong

2006-11-07T11:05:00.000-08:00

488.
1994
Francia
Electrónica
****1/2
Disco en vivo de un concierto de Jarre celebrado el 11 de Marzo de 1994 en la ciudad de Hong Kong. Allí el músico promociona su álbum de 1993, Chronologie. Y se nota, ya que toca cinco partes de ese álbum. También rescata algunos clásicos de siempre como "Equinoxe 4", "Oxygene 4" y "Rende - vous 4". ¿Que hay con el número cuatro? Incluso uno de los cortes de Chronologie es el cuarto. ¿Cábala? Quizás. Pero lo importante es que las versiones de los clásicos vienen con un sonido mucho más moderno que sus versiones originales. Esto hace que escuchar el disco sea una experiencia totalmente distinta a lo que significa escuchar el otro disco en vivo de Jarre en China, el The Concerts in China, de 1982. Y no es únicamente que se trate de temas distintos, porque hay temas que se repiten en ambas placas, sino que la atmósfera en ambos álbumes es totalmente distinta. En esta oportunidad Jarre, aparte de equiparse con toda su parafernalia tecnológica, incluye instrumentos más “tradicionales” como guitarras eléctricas, bajos y baterías, instrumentos más propios de una banda de rock, pero que logran realzar la música de Jarre a niveles insospechados. También es apoyado por un coro facilitado por la Hong Kong Opera Society, y toda una orquesta completa conducida por Cheng Chaiman. Ciertamente una importante puesta en escena que hace de este álbum una experiencia auditiva excepcional que creo que cualquier conocedor de Jarre podrá apreciar y valorar al igual que aquellos no tan familiarizados.

JEAN MICHEL JARRE - Chronologie

2006-11-07T10:56:00.000-08:00

487.
1993
Francia
Electrónica
****
Otro interesante aporte de Jarre. Destaca "Chronologie part. 4", single que promocionaba el álbum a traves de un video bastante bueno. Caracteriza a este álbum la inclusión de elementos de otras corrientes musicales como el tecno y el rock, pero siempre manteniendo el sello característico del músico. Por ejemplo, en el corte Chronologie part. 5 se puede notar claramente la influencia de la música tecno más popular y bailable, al igual que le corte número seis. Quizás aquello no sea tan sorprendente tomando en consideración que Jarre es un artista de música electrónica y por ende está ligado al tecno, pero en cierta manera es como si Jarre se estuviera dejando influenciar por artistas que lo tienen a él como influencia. Más allá de eso

lo realmente sorprendente fue encontrar guitarras en esta placa ya que Jarre casi nunca las ocupa (con la excepción de cuando hace recitales en vivo). Podemos escucharlas en varios temas, pero donde más se notan es en el corte Chronologie part. 3.
Buen disco, pero de particular interés para los fans de Jarre más que para gente interesada en lo más importante de la obra del músico.

JEAN MICHEL JARRE - Waiting For Cousteau

2006-11-07T10:51:00.000-08:00

486.
1990
Francia
Electrónica
***1/2
Album de tan sólo cuatro cortes, donde destaca el tema homónimo, de casi 47 minutos de duración. Es el tema más largo en la discografía de Jarre, lejos. Los tres temas restantes corresponden a Calypso, Calypso 2 y tres, y no se parecen para nada al tema largo.
Este trabajo está dedicado a Jacques-Yves Cousteau, el afamado investigador del mar, también francés como Jarre. El disco es bueno, aunque los cuarenta y siete minutos de Waiting... son un tanto excesivos. Podría aburrir al cabo de diez minutos, pues el tema jamás despega, pero si el oyente es asiduo a experimentar con sonoridades que inviten a la relajación y la meditación, el tema sirve de maravilla.
Como decía, el disco es bueno, y tiene la particularidad de no parecerse a otros discos del músico. En parte eso se debe al uso de baterías de acero en Calypso, que dan ese sonido que recuerda a Jamaica, a la vez de generar una vibra bastante optimista y distendida, que contrasta radicalmente con Waiting...
Un disco bastante especial, pero no creo que atrape a todos los fans de la misma manera.

JEAN MICHEL JARRE - Revolutions

2006-11-07T10:42:00.000-08:00

485.
1988
Francia
Electrónica
***
Esta obra está compuesta de diez cortes, y a diferencia de otros álbumes esta vez Jarre no ha nombrado los temas con números (excepto los primeros cuatro cortes, Industrial Revolution: Overture, Part 1, 2 y 3), sino que los temas tienen nombres independientes del título del disco, como "London Kid", "Tokyo Kid", "Computer Weekend", "September" y "The Emigrant". ¿Por qué Jarre no a titulado a su obra de la manera que siempre lo ha hecho? Quien sabe, quizás lo haya hecho así simplemente para variar un poco.
Independiente de lo anterior, lo que aquí tenemos es una obra interesante, pero que no alcanza las alturas de los primeros álbumes. Es una obra con el sonido acostumbrado del gran músico francés, pero inyectando un poco más de vibra tecno pop, alejándose de los patrones decididamente más oscuros de algunas de sus composicioes previas. Esto último lo apreciamos sin problemas en "Revolution, Revolutions", un corte que definitivamente podría enajenar a algunos de sus fans debido a su excesivo tinte popero.
No es lo mejor del músico, pero tiene sus momentos.

JEAN MICHEL JARRE - Rendez-Vous

2006-11-07T10:38:00.000-08:00

484.
1986
Francia
Electrónica
*****
Después de editar el más inaccesible y menos comercial de sus álbumes; el extraño Zoolook, Jarre decide retomar sus raíces y darle a la gente lo que realmente quiere escuchar. Así nace Rendez-Vous, un disco muy por la línea de los tres primeros trabajos.
Este quinto álbum de estudio del compositor francés tiene toda la onda y vibra de sus comienzos, y puede equipararse sin problema con Oxygene y Equinoxe. De apenas 35 minutos, resulta inolvidable de principio a fin, destacando Second Redez-vous, pieza de casi once minutos y una de las mejores de Jarre en toda su discografia.
Dejando de lado lo estrictamente musical les cuento que el tema Last Rendez-vous, con el cuál finaliza la obra, también es conocido como Ron´s Piece, en homenaje a Ron McNair, uno de los astronautas que murió en el desastre del transbordador espacial el 28 de Enero de 1986. Resulta que McNair iba a hacer historia al tocar una pieza en saxofón en el espacio, pero obviamente nunca logró su propósito. La interpretación de la pieza de Ron finalmente la interpretó Pierre Gossez.
Un disco memorable, de lo mejor de Jarre.

JEAN MICHEL JARRE - Zoolook

2006-11-07T10:30:00.000-08:00

483.

1984
Francia
Electronica
***
Este es uno de los álbumes más raros de Jarre, si es que no es el más raro. Muy experimental, resulta bastante difícil de digerir. Muy poco comercial, esta mirada al zoológico se autodefine. Hipnótico y etéreo, Zoolook es realmente alternativo. Yo diría que es un álbum sólo para los fanáticos de Jarre, más que para el público general. Jarre aquí muestra una faceta que no volvería a mostrar, ya que posteriores trabajos serían todos mucho más fáciles de asimilar. No recomiendo este álbum para los que quieren descubrir a Jarre. Mejor sería que escucharan Oxygene, Equinoxe o Magnetic Fields, álbumes que definen más el típico sonido de Jarre.

JEAN MICHEL JARRE - Magnetic Fields

2006-11-07T10:21:00.000-08:00

482.
1981
Francia
Electrónica
*****
Jarre tiene un catálogo de discos bastante amplio, pero no todo su material es igualmente apreciado por la crítica y los fans. Casi todo el mundo considera que sus primeras obras son lo mejor de sus creaciones. Yo tambié me inclino por esta opinión y diría que los tres primeros álbumes son como una trilogía perfecta. Tres álbumes que se complementan entre sí y hacen que su escucha sea más que obligada para quienes pretendan interiorizarse sobre los comienzos de quien es considerado por muchos como padre de la música electrónica, aunque en el más estricto rigor aquél título debiera ser consignado en el músico clásico y vanguardista Karl Heinz Stockhausen. Este disco, como es la costrumbre de Jarre, se trata de una obra dividida simplemente en partes. Cinco partes en esta oportunidad, siendo Magnetic Fields Part 1, la parte más larga, con casi 18 minutos, que para nada aburren ya que ese corte tiene muchos matices e incluso cambia de ritmo de tal manera que pareciera como si la segunda parte comenzara, pero no es así.
Es un álbum corto, de casi apenas 36 minutos y que sigue muy de cerca a sus dos trabajos anteriores en cuanto a feeling y onda.

JEAN MICHEL JARRE - Equinoxe

2006-11-07T08:47:00.000-08:00

481.
1978
Francia
Electrónica
*****
Segundo álbum oficial del maestro compositor y tecladista, J.M. Jarre, hijo de Maurice Jarre, connotado compositor de música clásica.
Este álbum es la continuación natural al primer álbum, Oxygene, aunque ambos discos no se parecen en cuanto a sonido. Cada uno es excepcionalmente brillante por cuenta propia. Yo creo que ambos álbumes son fundamentales dentro de la carrera del músico francés, aunque podríamos incluir también a Magnetic Fields, el tercer álbum, para así completar la trilogía perfecta de la mejor y más cautivante época del gran músico.
Equinoxe, al igual que Oxygene, se divide en partes, ocho en esta oportunidad, simplemente llamadas Equinoxe Part I, Part II y así sucesivamente. En realidad, se trata de un solo tema de ocho partes. Una de las más destacables es la tercera, donde el álbum despega definitivamente después de dos partes que sirven a modo de introducción.
Es increíble la capacidad del músico para dar vida a su música electrónica y espacial, imprimiendo un sello inconfundible en cada nota, sin caer en pasajes inescrutables o de muy difícil asimilación. Creo que esa es la mayor habilidad de Jarre; su innegable capacidad para hacer masiva y popular una propuesta musicalmente excelsa, llena de magia, dinamismo y virtuosismo compositor.
Excelente.

JEAN MICHEL JARRE - Oxygene

2006-10-24T04:45:00.000-07:00

480.
1976
Francia
Electrónica
*****

Aquí sí que no necesitamos introducciones ya que Jean Michel Jarre, nacido el 24 de Agosto de 1948 en Lyon, Francia, es, por lejos, el artista más famoso de ese país, con ventas superiores a los 50 millones de discos. Es al mismo tiempo considerado el padre de la música electrónica y sus mega espectáculos en vivo son únicos en su clase. Para aquellos no familiarizados con este artista se urge que lo chequeen, en especial con sus primeros cinco álbumes, aunque, hilando fino, es Oxygene, el debut, el álbum más importante y aquel que definitivamente merece la mayor atención. Dividido en seis partes, Oxygene es en verdad una sola canción y desde su comienzo hasta el final lleva al oyente a los más fascinantes parajes. La parte 4 es, desde luego, la más conocida, siendo aquel corte un éxito a nivel internacional en su época. El resto del disco puede que no sea parte de los "hits", pero de todas maneras es brillante y de calidad insuperable. Este es lejos, pero absolutamente lejos, el mejor álbum de música instrumental en teclado y maquinas de la historia. Tiene un feeling sumamente especial, y la capacidad de simplemente hacer volar al oyente como ningún otro álbum parecido. Es un disco que atrapa, envuelve e hipnotiza como una visión nunca antes vista. Espectacular, melancólico, alienígena, etéreo, alucinante, se recomienda incluso a aquellos que no simpatizan con los teclados ni nada que se acerque siquiera un paso a la electrónica. Absolutamente imprescindible, no pocos consideran que Jarre nunca pudo superarlo.

JEAN - LUC PONTY - The Gift of Time

2006-10-24T04:36:00.000-07:00

479.
1987
Francia
Jazz Fusión
****

The Gift of Time sigue la misma línea que el trabajo anterior Fables, o sea, jazz fusión melódico de fácil escucha. Destacando con el corte "New Resolutions", el álbum no es representativo de la larga carrera del músico, sin embargo, al igual que Fables, es un buen punto de partida para los oyentes casuales. En este trabajo de sonido puro y cristalino, el violín de Ponty destaca por sobre cualquier instrumento, tomando absoluta preponderancia. Con algunos pasajes absolutamente brillantes es, a pesar de la evidente inclinación comercial, un disco altamente recomendable.

JEAN - LUC PONTY - Fables

2006-10-24T04:30:00.000-07:00

478.
1985
Francia
Jazz Fusión
****

Jean - Luc Ponty nació el 29 de Septiembre de 1942 en Avranches, Francia. Genio musical desde los cinco años, aprendió violín de su padre y piano de su madre. A los dieciséis es aceptado en el Conservatorio Nacional Superior de Música de Paris, y de allí pasaría a trabajar con una importante orquesta por tres años. Luego vendría su larga y exitosa carrera como músico jazz siendo pionero en el uso del violín en ese género musical. Ha colaborado también con artistas de la talla de Frank Zappa, Elton John y John McLaughlin. Su primer álbum data de 1964. Fables, que ciertamente no es considerado como de los mejores, conjuga el talento único de Ponty con elementos y texturas electrónicas que dan al álbum un sonido muy limpio y cristalino. De fácil escucha, puristas del jazz ciertamente lo podrían considerar un trabajo excesivamente popero, sin embargo, para oyentes casuales de Ponty este disco es un buen punto de partida, para seguir luego con The Gift of Time, de 1987, que sigue la línea estructural presente en este trabajo.

JASON BECKER - Perpetual Burn

2006-10-24T04:13:00.000-07:00

477.
1988
Estados Unidos
Heavy Metal Instrumental
*****
A mucha gente le desagradan los álbumes enteramente instrumentales porque después del tercer tema se empiezan a aburrir, especialmente si se trata de guitarristas virtuosos con ganas de demostrarle al mundo lo bien que tocan. Tanto egocentrismo de verdad patea, así que la postura de hacerle el quite a los instrumentistas en guitarra es perfectamente entendible.
Por suerte, tenemos casos como el que nos ocupa ahora que son excepciones a lo dicho anteriormente. Perpetual Burn es un impresionante álbum de virtuosismo desbordante, con ocho canciones que son cada una de ellas verdaderas obras de arte y que, además, están todas supeditadas bajo un esquema tal que ninguna idea pareciera estar fuera de lugar, o peor, abocadas al desorden. De principio a fin el álbum es consistente y no se pierde en demostraciones de virtuosismo que no van a ninguna parte. Becker supo hacer magistralmente dos cosas, una es mostrar una técnica pocas veces igualada, y segundo, no aburrir a su público mientras hacía lo primero. Y ese es el merito mayor de este álbum que claramente sobresale de la media.
Musicalmente, Jason Becker se mueve dentro del terreno de los esquemas de música clásica, siendo extremadamente virtuoso, complicado, melódico y armonioso, todo a la vez. Definitivamente un tipo que hace lo que quiere con la guitarra. Es una lástima que haya sufrido de la enfermedad degenerativa Lou Gehrig a comienzos de los noventa, lo que le impidió seguir evolucionando y deslumbrando al mundo con su inigualable técnica. Sin embargo, continuó editando álbumes, aunque es con Perpetual Burn, su debut después de haber participado con Marty Friedman en Cacophony, el álbum esencial.
Becker también tocó con David Lee Roth, quien sabiamente lo enroló en sus filas. Fue durante esta época con Roth que empieza a enfermar Becker.

JAN HAMMER - Beyond the Mind´s Eye

2006-10-23T10:07:00.000-07:00

476.
1992
Checoslovakia
Electrónica, Instrumental
***1/2
Jan Hammer nació en Praga, Checoslovakia, en 1948. Emigraría a Estados Unidos en 1968 cuando la Unión Soviética invade su país, y se radicaría permanentemente en el país del norte, lugar donde logra su mayor fama. Hammer es conocido más que nada por haber sido el compositor e intérprete de la música instrumental de la serie de televisión de los ochenta, Miami Vice. Lo cierto es que Hammer venía trabajando ya hace rato con gran variedad de artistas y dejó su huella en el mundo del jazz, donde frecuentemente se situa a su obra, aunque los puristas del género difícilmente considerarían la música, al menos de este disco, jazzística.
Aunque se trata de un disco básicamente instrumental, el último corte, "Seeds of Life", es una versión vocal de "Seeds", el primer corte. Canta Chris Thompson.

JAMES ASHER - The Great Wheel

2006-10-23T09:56:00.000-07:00

475.
1989
Inglaterra
New Age, Instrumental
****1/2
Este es el primer álbum de James Asher, un artista proveniente de una familia de músicos profesionales y que empezó a tocar violín a los siete años. Tiempo después alternaría entre batería y teclado en diversas agrupaciones de rock.
El primer single que editó Asher lo produjo el guitarrista de The Who, Pete Townshend. Asher, y en cierta manera devolviendo el favor a Townshend, tocaría batería en su disco Empty Glass. (1980).
Al principio, Asher componía música para películas y para series de televisión británicas. Y fue sólo después de decidir inmiscuirse más profunda y seriamente en la música, que lanza su debut comercial The Great Wheel. Este álbum dio a conocer al mundo el nombre de Asher, llegando a escalar hasta la posición 13 del ranking new age, y manteníendose allí por dos años.
Destaca el tema homónimo, una pieza de casi 30 minutos que a pesar de su extensa duración no se hace un trámite tedioso, debido creo yo, al gran efecto envolvente y ensoñador que posee la canción.
Un excelente disco, muy relajado y pacífico, que no está demás tener para cuando uno quiere descansar sosegadamente.

LOS JAIVAS - Hijos de la Tierra

2006-10-23T09:13:00.000-07:00

474.

1995
Chile
Rock, Folk Sudaméricano
***
Formada en la ciudad de Viña del Mar, Chile, en 1963, por Eduardo “Gato” Alquinta, Mario Mutis y los hermanos Eduardo, Claudio y Gabriel Parra, Los Jaivas, originalmente llamados The High & Bass, es una banda que en Chile no necesita introducciones. Muy famosos no sólo en su tierra natal, sino que en todo el mundo, hacen parte de su exitosa carrera en Argentina y luego Francia. El primer disco oficial, "El Volantín", aparece recién en 1970, pero es "Alturas de Macchu Picchu", de 1981, el álbum más conocido, y sin lugar a dudas, su obra más popular, a pesar de que la larga discografía de la banda tiene placas tan buenas o mejores que esa.

Hijos de la Tierra, que no es parte de la discografía imprescindible, fue grabado y mezclado en Francia, y cuenta con la participación en batería de Juanita Parra, hija de Gabriel Parra, el baterista original muerto en un accidente automovilístico en 1988. "Litoreña" y "Bosques Virginales", de ocho y diez minutos respectivamente, son de lo mejor de la placa, destacando por su evidente inclinación progresiva, pero otros cortes, como el homónimo y "Arde el Amazonas" no despiertan la misma magia que los anteriores. Como el nombre original del grupo, este es un disco con "altos y bajos". En general, para quienes no conocen la discografía de la banda, este es un mal álbum para empezar, recomendándose todos los álbumes de los setenta y parte de los de los ochenta.

JADIS - As Daylight Fades

2006-10-17T12:01:00.000-07:00

473.

1998
Inglaterra
Rock Progresivo
**

Si al escuchar Jadis se viene inmediatamente Marillion a la mente, no es casualidad, considerando que Steve Rothery, guitarrista de Marillion, participó en los primeros demos. La banda se formó a fines de los ochenta por el vocalista y guitarrista Gary Chandler y por el baterista Stephen Christey. Su primer álbum, More Than Meets the Eye, de 1992, contó a la vez con la participación de colegas de los también progresivos I.Q. John Wetton (King Crimson, Asia) también le dio la mano a Jadis participando en el álbum Samersault. As Daylight Fades es un disco en vivo grabado en 1996, posee diez canciones, y aunque no resulta ser muy interesante a la luz de trabajos de otras bandas progresivas mucho más consolidadas, debiera al menos interesar en su justa medida a los fans del progresivo . Las comparaciones con Marillion se hacen evidentes al escuchar la placa, y esto, sin lugar a dudas, es negativo, ya que resta originalidad. Sin embargo, la música es de calidad.

JACO PASTORIUS

2006-10-17T11:57:00.000-07:00

472.

1976
Estados Unidos
Jazz Fusión
****1/2
Jaco Pastorius nació como John Francis Pastorius el primero de Diciembre de 1951 en la ciudad de Norristown, Pensylvania. Murió debido a una paliza que le propinaron el 21 de Septiembre de 1987 cuando trataba de ingresar a un club en Fort Lauderdale, Florida. Al momento de su muerte, Pastorius era una adicto a las drogas y el alcohol -un problema generado por problemas mentales-, y era considerado un paria de la industria musical debido a embarazosos episodios donde estuvo involucrado años antes. También se dice que vivió en la calle sus últimos días.
Pero no siempre fue tan trágica la vida de este artista, habiendo alcanzado en los años setenta a hacerse de un nombre como un virtuoso del bajo sin trastes. Tocó con otro grande del jazz fusión, Pat Metheny, y también fue parte de Weather Report.
Este álbum es el debut para Jaco, y es a la vez considerado su obra maestra. Es un disco mayoritariamente instrumental y una muestra del innegable talento de Pastorius en el bajo, instrumento que dominaba a la perfección y con el cual lograba transmitir verdadera pasión. Pero no es solo el bajo de Pastorius lo único destacable, siendo la ejecución del resto de los instrumentos involucrados tan excelsa y virtuosa como la del bajista.
Como habría de esperarse, el estilo de Pastorius es muy complejo y requiere de una escucha atenta para apreciar la real dimensión de su prolija y difícil ejecución.
Sin lugar a dudas, un disco altamente recomendable.

IRON MAIDEN - Brave New World

2006-10-17T07:45:00.000-07:00

471.
2000
Inglaterra
Heavy Metal
***1/2
Después de estar ausente de Iron Maiden en dos discos; los regulares Factor X y Virtual XI, vuelve Bruce Dickinson con sus viejos compañeros de mil batallas, esta vez, más que seguro, para levantar la carrera de la mítica banda. Junto con él vuelve además el guitarrista Adrian Smith.
Mucho se habló de que este álbum traía de vuelta el sonido de Maiden que se había perdido por una década completa, y que volvía la cruda y fiera fuerza de la época de oro, y que por fin la banda apuntaba con un álbum para el deleite de los fans.
Yo estoy de acuerdo con que este álbum es lo mejor desde Seventh Son of a Seventh Son (1988) y también concuerdo que con Bruce Dickinson da a la banda mayor convencimiento, y también con que se vuelve a las raíces con temas poderosos, largos, épicos y llenos de la magia de Maiden, pero aún así no supera a los trabajos clásicos, cosa virtualmente imposible. Lo bueno es que Maiden retoma el camino y aunque no se reeinventa al menos hace olvidar los discos de la era Bayley.

IRON MAIDEN - Virtual XI

2006-10-17T07:22:00.000-07:00

470.
1998
Inglaterra
Heavy Metal
*1/2
Segundo disco para el vocalista Blaze Bayley, y decimoprimera placa de estudio para la legendaria banda liderada por “El Jefe”, Steve Harris, bajista de la mítica agrupación. Aparte de "The Clansman" y "Don´t Look at the Eyes of a Stranger" no hay aquí mucho que recuerde a la gloria de antaño ni que convenza de manera categórica. El disco carece de vida y suena cansado, claramente el reflejo fehaciente de un periodo de juventud creativa que no puede volver a generarse. No imprescindible, excepto para los fans más acérrimos, e incluso ellos tendrán que admitir que el disco es la sombra de los clásicos, Virtual XI marcaría a la vez el fin de la corta era Bayley, volviendo Bruce Dickinson en Brave New World (2000), quizás, como último recurso para revivir a la bestia. Y para garantizar la vuelta a la vida retornaría además el guitarrista Adrian Smith, convirtiéndose Maiden en un sexteto.

IRON MAIDEN - Best of the Beast

2006-10-16T21:37:00.000-07:00

469.
1996
Inglaterra
Heavy Metal
***

Que este compilado de 16 canciones corresponda a lo mejor de Maiden es discutible. Más que lo mejor, lo que aquí tenemos son los hits, y ambas cosas no siempre son la misma cosa. Por ejemplo, canciones como "Can I Play With Madness", "Bring Your Daughter...To the Slaughter" y "Running Free" puede que sean favoritos de muchos fans, pero no se comparan con canciones de evidente mejor calidad y peso como "Alexander the Great", "To Tame a Land" y "The Prophecy", que no aparecen por ningua parte. Por otro lado, ambas variables, "hits" y "lo mejor" calzan en "Hallowed by Thy Name", "The Trooper", "The Clairvoyant", "Aces High", "Run to the Hills" y "The Number of the Beast", pero se produce un desequilibrio con "Be Quick or be Dead", "2 Minutes to Midnight", "Man on the Edge", "Virus", todas canciones que son discutiblemente parte de lo mejor de Maiden. Además, no hay ninguna canción extraída del álbum Killers, lo que es extraño, considerando la importancia de ese álbum, estimado por no pocos como la obra maestra de Maiden. Fans con interés casual en Maiden encontrarán aquí parte importante de las canciones más conocidas, pero para el fanático más comprometido esta colección probablemente representará una muestra muy incompleta para llevar bajo su alero el rótulo de "lo mejor de". Para ellos se sugiere conseguir la versión doble de este álbum. Aquella trae un total de 27 canciones y suple en algo las falencias de éste.

IRON MAIDEN - The X Factor

2006-10-16T21:08:00.000-07:00

468.
1995
Inglaterra
Heavy Metal
**
The X Faxtor marca el debut para el vocalista Blaze Bayley, encargado de la difícil tarea de reemplazar convincentemente al cantante de la época de oro Bruce Dickinson. Lamentablemente no logra su cometido en este álbum ni tampoco en Virtual XI; los dos álbumes que contarían con el aporte de Bayley. Décimo en la larga discografía, es el más extraño y oscuro de los trabajos de los ingleses. Ciertamente escapa de todo lo hecho antes y después y aunque en estricto rigor no es un mal álbum, no suena a Maiden, sino que a algo parecido. El sonido es opaco y la ambientación un tanto gris y depresiva, y quizás eso refleja un poco la situación que estaba viviendo el grupo en la época. Se iba Dickinson, y ya las cosas no serían como antes. Sin ningún corte realmente memorable X brilla sólo a ratos, sin lograr despegar jamás. Además, con setenta minutos de duración, resulta excesivamete largo y tedioso. Quizás la carátula, que muestra a un Eddie brutalmente mutilado, sea el reflejo más fiel de la situación de Maiden en este periodo. El monstruo sigue vivo, pero está partido en dos. Definitivamente Eddie contenido sólo por una camisa de seguridad (Piece of Mind) y Eddie Faraón (Powerslave) representaron, conscientemente o no, a la banda en su época de poder máximos, época que en este trabajo se ve más lejana que nunca.

IRON MAIDEN - A Real Dead One

2006-10-16T20:42:00.000-07:00

467.
1993
Inglaterra
Heavy Metal
****
Live After Death, de 1985, es considerado como el más importante de los discos de Iron Maiden en vivo, pero no por eso los fanáticos querrán saltarse tanto A Real Live One y A Real Dead One. Estos dos discos, lanzados el mismo año, recopilan por separado dos momentos claramente distinguibles dentro de la carrera de la banda, y si A Real Live One hace hincapié en los álbumes Seventh Son of a Seventh Son y Fear of the Dark, A Real Dead One se concentra en canciones del primer disco, más las imposibles de dejar afuera "The Number of the Beast" y "Run to the Hills", y otras canciones hasta Piece of Mind, haciendo caso omiso de Killers. Y esto resulta una lata porque Killers es un álbum grandioso y no hubiera estado demás la inclusión de algún corte de ese disco. Sin embargo, con Killers o si él, y a pesar de que Bruce Dickinson es mejor cantante que Paul Di´Anno, las canciones del primer disco, con excepción del instrumental "Transylvania", siguen siendo mejores en sus versiones originales.

IRON MAIDEN - Fear of the Dark

2006-10-16T20:04:00.000-07:00

466.
1992
Inglaterra
Heavy Metal
***1/2
Fear of the Dark es el último disco donde cantaría Bruce Dickinson hasta su retorno en 2000. Definitivamente no el más inspirado de los trabajos post era clásica (desde el disco homónimo hasta Seventh Son), al menos sale mejor parado que No Prayer for the Dying, disco inmediatamente anterior, y reconocido casi universalmente como el punto más bajo en la brillante y estelar carrera de Maiden, aunque, por supuesto, aquella es una opinión discutible. Lo que no es discutible es el hecho de que ni Fear ni No Prayer logran alcanzar las cotas de inspiración de antaño, siendo ambos álbumes la vaga sombra de monumentos tales como Piece of Mind o Powerslave. Sin embargo, al menos Fear sale airoso con unas cuantas canciones, principalmente los tres cortes iniciales: "Be Quick or be Dead", "From Here to Eternity" y "Afraid to Shoot Strangers", más el tema final "Fear of the Dark", corte que con el tiempo se transformaría en un favorito de las presentaciones en vivo. Pero canciones como "Chains of Misery" y "Judas be my Guide" carecen de brillo y no aportan al álbum más que espacio de relleno. Sintiéndose ya una baja muy notoria en cuanto a la calidad de las composiciones, este noveno álbum de estudio de Maiden despide quizá no en la mejor forma el primer periodo con Bruce Dickinson en voces, pero de todas maneras está lejos de ser considerado un mal álbum, sólo que comparado con las inmortales obras, todo lo bueno en él se ve violentamente opacado.

IRON MAIDEN - Seventh Son of a Seventh Son

2006-10-16T08:11:00.000-07:00

465.

1988
Inglaterra
Heavy Metal
****

Considerado por muchos fans (me incluyo) como el último verdadero clásico de Maiden, Seventh Son marca también la partida de Adrian Smith, que volvería el 2000 junto con Bruce Dickinson para el álbum Brave New World. Al igual que su predecesor Somewhere in Time, Seventh sigue explotando texturas con sintetizadores, pero nuevamete sin abuso, manteniéndose el sonido tan típicamente Maiden intacto. Álbum conceptual, destacan en él especialmente "Infinite Dreams", el corte homónimo, "The Prophecy" y "The Clairvoyant".

IRON MAIDEN - Somewhere in Time

2006-10-13T08:08:00.000-07:00

464.
1986
Inglaterra
Heavy Metal
****
Otro gran clásico de Maiden. Sexto de estudio en su carrera, presenta por primera vez el uso de sintetizadores, aunque sin exageración. De todos los discos de la era clásica y dorada de Maiden, quizás no se trate del mejor, pero incuestionablemente, tomando el conjunto total de discos, clásicos o no, sin duda se trata de los buenos. Comienza con el excelente corte "Caught Somewhere in Time", tema que destaca por los excelentes solos de guitarra. Más taquillera o simplemente más pop resulta ser "Wasted Years", de ganchero coro y que también posee unos buenos solos de guitarra. "Sea of Madness" y "Heaven Can Wait" mantienen el interés hasta llegar a "The Loneliness of the Long Distance Runner", tema que trata de la soledad que debe enfrentar el corredor de larga distancia a medida que lucha por llegar a la meta. Ese tema a mi parecer es el segundo mejor del disco, opacado por "Alexander the Great", último tema, y genial obra maestra. Es 1986 y Maiden sigue en la cúspide sin que al parecer pueda caerse con un álbum flojo.

IRON MAIDEN - Live After Death

2006-10-13T07:49:00.000-07:00

463.

1985
Inglaterra
Heavy Metal
****
World Slavery se llamó la gira que llevó a los legendarios Maiden por todo el orbe promocionando el disco Powerslave. Se trató de una gira maratónica y de gran presupuesto que duró casi un año. No por nada ha quedado inscrita en los anales del rock como una de las giras más grandes jamás hecha por una banda. Parte de lo que significó esa gira se puede volver a revivir con Life After Death, el primer disco oficial doble en vivo de Maiden. Contiene una buena selección de temas, casi todos favoritos de siempre para los fans, aunque se extraña un énfasis mayor en los dos primeros discos donde canta Paul Di´Anno. Obviamente no faltan los típicos cortes como "2 Minutes to Midnight", "The Trooper", "The Number of the Beast" y "Run to the Hills", todos grandes clásicos.
En cuanto a la puesta en escena y sonido en vivo, en general se nota un excelente trabajo, algo que corrabora la buena fama de banda en vivo que siempre tuvo Maiden. Y lo mejor de todo es que el álbum suena muy en vivo y sin exceso de post producción.
Una buena excusa para recordar viejos tiempos.

IRON MAIDEN - Powerslave

2006-10-06T05:35:00.000-07:00

462.
1984
Inglaterra
Heavy Metal
****1/2
En los ochenta parecía que Iron Maiden no podía fallar, y cada álbum lograba si no superar al anterior, sí mantener un nivel altísimo y, más importante aún, covencer más allá de cualquier duda a los leales fans. Quinto clásico imprescindible, Powerslave contiene ocho poderosas canciones, destacando sin lugar a dudas el corte inicial "Aces High" y el final, "Rime of the Ancient Mariner", este último una saga musical de casi catorce minutos basada en el poema del mismo nombre escrito por el famoso poeta inglés Samuel Taylor Coleridge. A pesar de lo extenso del último tema, éste no llega a aburrir ya que se trata de una composición muy interesante que funciona como si fuera una buena película; tiene su trama, su argumento, su clímax y desenlace. Excelente. El resto no flaquea tampoco, siendo canciones como el instrumental "Losfer Words (Big ´Orra)", "Flash Of The Blade" y "The Duellists" temas de alto vuelo, a pesar de no figurar usualmente dentro de los hits del grupo, como por ejemplo "2 Minutes to Midnight" que incluso llegó a ser hit radial y que representa en Powerslave el único lamparón, aunque esta última opinión es altamente cuestionable.

Para los que quieran leer el famoso poema de Coleridge visiten:

http://www.pagebypagebooks.com/Samuel_Taylor_Coleridge/The_Rime_of_the_Ancient_Mariner/

IRON MAIDEN - Piece of Mind

2006-10-03T06:54:00.000-07:00

461.
1983
Inglaterra
Heavy Metal
*****

Piece of Mind es el cuarto álbum de estudio de Maiden y al mismo tiempo su cuarto hit de corrido. Marca el ingreso a sus filas del baterista Nicko McBrain; reemplazante de Clive Burr, y el comienzo de una alineación que sería considerada con el pasar de los años como la mejor y más clásica. Esa alineación, que se mantendría constante hasta el disco Seventh Son of a Seventh Son (1988) incluía, además, a Bruce Dickinson en voces, Dave Murray y Adrian Smith en guitarras y a Steve Harris en el bajo. Piece of Mind, cuyo título es un juego de palabras que cambia la expresión común "Peace of Mind" (Tranquilidad Mental) a "Pedazo de Mente", nada tiene que ver con el título que se le dio en su época al menos en Chile: "Acto de Locura", que en inglés sería "Act of Madness". Independietemente de aquello, y llamando al disco de cualquier forma, éste es tan o más clásico que el disco predecesor y junto con Killers, forma parte de la tripleta de álbumes más valorada por los fans de Maiden, a pesar de que los más incondicionales dirán que cada uno de los discos de la banda son grandiosos. Contiene clásicos añorados como el corte inicial "Where Eagles Dare" y "Revelations". Y no olvidemos a "The Trooper" y "Flight of Icarus". Distinto en alcance y claramente más épico y ambicioso, el último corte, "To Tame a Land", basado en la novela de ciencia ficción Dune de Frank Herbert, muestra a Maiden inspiradísimo y tomándole el gustillo a las canciones de más de siete minutos, cosa que ya se venía gestando en The Number of the Beast con "Hallowed be Thy Name" y que llega a su peak con la canción de trece minutos "The Rime of the Ancient Mariner" que aparece en Powerslave. Pero sin importar si las canciones son de cuatro o diez minutos, Maiden logra con Piece of Mind otro impresciendible clásico del heavy metal.

IRON MAIDEN - The Number of the Beast

2006-10-03T06:06:00.000-07:00

460.
1982
Inglaterra
Heavy Metal
*****
The Number of the Beast es sin lugar a dudas uno de los mejores álbumes de heavy metal jamás producidos, siendo aquella una opinión compartida incluso por gente ajena al metal. Un clásico absoluto, presenta como nuevo integrante a Bruce Dickinson, ex vocalista de Samson, en reemplazo de Paul Di´Anno, siendo al mismo tiempo el trabajo final para el baterista Clive Burr que ya sería reemplazado por Nicko McBrain para el siguiente álbum Piece of Mind. Reconocido mudialmente por el hit homónimo, canción que llevó a algunos grupos religiosos (que jamás se tomaron la molestia de leer las letras y examinar el contexto dentro de las cuales se exponían) a catalogar erróneamente a la banda de "satanica", The Number contiene otras siete canciones memorables, cada una, ícono de su época. Sin absolutamente nada de relleno, el álbum con justa razón es considerado una obra maestra y el mejor disco de la banda, a pesar de que no pocos se inclinan aún más por Piece of Mind y otros tantos por Killers. Sea como sea, The Number marca el comienzo de la mejor época de Maiden en términos comerciales y creativos, terminando ésta con el disco Seventh Son of a Seventh Son, álbum considerado como el verdadero último clásico. No queda más que decir que The Number es absolutamente imprescidible.

IRON MAIDEN - Killers

2006-09-27T06:20:00.000-07:00

459.
1981
Inglaterra
Heavy Metal
*****
Este segundo esfuerzo de Maiden coincide con la entrada a la banda del guitarrista Adrian Smith en reemplazo de Dennis Stratton y es considerado por no pocos fans como el mejor álbum del grupo en toda su larga y extensa discografía, superando incluso discos tan importantes como The Number of the Beast y Piece of Mind. Otros no irían tan lejos con la opinión y preferirían decir que es definitivamente el mejor disco con Paul Di´Anno en las voces pero que no supera a los discos ya mencionados, primero y segundo, respectivamente, con el aporte del carismático Bruce Dickinson en voces. Sin importar a que bando se matriculan lo cierto es que Killers es indiscutiblemente considerado un clásico de proporciones herculeanas. Está producido por Martin Birch, reputado productor que ya había trabajado con bandas de gran calibre, como Deep Purple, Rainbow, Fleetwood Mac, Black Sabbath y otros. Y esta aventura con Maiden probaría ser muy fructífera, produciendo a los británicos diez álbumes. Aquello, eso de contar con tan afamado productor para Killers sin lugar a dudas ayudó enormemente para que el disco sonara con más poder y mucho mejor enfocado que el debut. A diferencia de aquél, Killers no tiene debilidades y resulta ser una experiencia auditiva cautivante y un álbum que idealmente hay que escuchar de principio a fin. Comienza con "The Ides of March", genial pequeña pieza instrumental de menos de dos minutos que da paso a "Wrathchild", "Murders in the Rue Morgue"; canción inspirada en la historia del mismo nombre del gran escritor Edgard Allan Poe, y más adelante a "Ghengis Khan" y "Killers", para finalizar con "Drifter". Estas son las cinco canciones a elegir si es que obligatoriamente debiéramos hacer nuestra selección. Mención aparte merece "Prodigal Son" donde Maiden baja la intensidad usual y nos entrega la más pausada de las canciones, demostrando al mismo tiempo su capacidad para matizar su música, característica explotada en cada uno de los álbumes subsiguientes. Puesto muy simplemente, Killers es uno de los mejores discos de heavy metal de la historia y junto con los dos discos que vienen a continuación en orden cronológico forma parte de la tripleta absolutamente imprescindible de Maiden.

IRON MAIDEN

2006-09-27T05:15:00.000-07:00

458.
1980
Inglaterra
Heavy Metal
****
Formados en Londres en 1976 por el bajista Steve Harris, Iron Maiden es una de las más influyentes y exitosas bandas de heavy metal de todos los tiempos. Líderes del NWOBHM (New Wave of British Heavy Metal) el disco debut marcaría el comienzo de una impresionante racha de siete álbumes de estudio todos considerados imprescindibles clásicos. De estos álbumes los dos primeros marcan la primera etapa del grupo, contando en las voces con Paul Di´Anno, desde luego un cantante no tan depurado como Bruce Dickinson, quien entra a la máquina de Iron Maiden para el tercer álbum, el famosísimo The Number of the Beast (1982), pero todo un personaje de gran carisma (al igual que Dickinson) y con un aura de chico malo ad-hoc a la propuesta estilística del grupo.

Mirado en retrospectiva, este debut es el más débil de la lista de siete clásicos, aquella que termina con Seventh Son of a Seventh Son, de 1988, sin embargo ha logrado mantener su importancia y ha envejecido con clase. Claramente inferior a Killers, que vendría un año después, empero contiene nueve canciones que auguran mejores cosas por venir, especialmente en cuanto a producción y sonido, destacando el instrumental "Transylvania" como lo mejor. El resto de las canciones son buenas, que no quede ninguna duda al respecto, pero una a una, Killers toma todo lo bueno que tenemos aquí y lo mejora. Si aquí hablamos de bueno, en el segundo disco hay que hablar de genialidad. Este trabajo cuenta además con la participación de Dennis Stratton en guitarra, hombre que sería reemplazado ya para el segundo disco en la figura de Adrian Smith, guitarrista que junto con Dave Murray formarían el duo que grabaría cada uno de los clásicos subsiguientes hasta Seventh Son. De ahí etra Janick Gers... pero esa es otra historia. Lo crucial aquí es que este disco de Maiden sigue siendo muy importante y su cualidad de clásico imprescidible y absoluto del metal no puede ser soslayada, aún considerando sus limitaciones.

IRON ANGEL - Winds of War

2006-09-22T12:25:00.000-07:00

457.
1986
Alemania
Heavy Metal, Thrash Metal
***
Interesante placa de una poco conocida banda de heavy metal que cruza los límites del estilo e incorpora sin problemas el thrash. Este disco tiene un aire muy ochentero, y se nota, y no creo que pueda interesar más que asiduos coleccionistas de heavy metal.
Musicalmente la calidad de Iron Angel es bastante promedio, aunque destacan las guitarras, no así la batería, bastante uniforme y plana. Recuerdan un poco a Exodus, Metallica y Helloween en sus primeras entregas, pero sin superarlos en ningún momento.
Iron Angel editó dos álbumes. El primero fue Hellish Crossfire, y es considerado mejor que Winds of War.

INCUBUS - Make Yourself

2006-09-22T12:19:00.000-07:00

456.
1999
Estados Unidos
Metal Alternativo, Funk Metal
****
Incubus se formó en la ciudad de Calabazas, California, en 1991, por el vocalista Brandon Boyd, el guitarrista Mike Einziger, el bajista Alex Katunich, y el baterista Jose Pasillas. Su primer álbum, Fungus Amongus aparece recién en 1995, mismo año en que se une al grupo DJ Lyfe, llegando a participar Lyfe en aquella primera placa. Luego del EP Enjoy Incubus, de 1997, aparece también el mismo año, S.C.I.E.N.C.E., su segunda placa larga duración.
Más o menos a esta altura DJ Lyfe dejaría la banda, aunque alcanzó a grabar S.C.I.E.N.C.E., siendo reemplazado por DJ Kilmore.
Make Yourself es el tercer álbum, y con él Incubus definitivamente despega hacia el estrellato, y con Morving View, de 2001, reafirman su posición de estrellas dentro del mundo del rock moderno de fines de siglo 20.
Incubus, una banda claramente influenciada por Mike Patton y sus proyectos Mr. Bungle y Faith No More (cosa de escuchar como canta Brandon Boyd), posee varias cualidades interesantes. En primer lugar usa un DJ en forma constante, como un miembro más, y en segundo lugar tienen un enfoque musical bastante ecléctico. Decir que son alternativos es una aproximación, pero aquello no ejemplifica todo el espectro que cubre Incubus. Aquí hay rap, funk, metal, rock y pop, sonando todo muy moderno y actual. Claramente un producto de los noventa que debiera ser del gusto de la juventud post grunge.

INCUBUS - S.C.I.E.N.C.E.

2006-09-22T12:07:00.000-07:00

455.
1997
Estados Unidos
Metal Alternativo, Funk Metal
****
Segundo disco de estudio de Incubus. Se trata de un disco bastante peculiar. Al menos para mí, el haber descubierto algunas similitudes con otras bandas fue la mayor de las peculiaridades. Les comento. Escuchando el tema "Summer Song (Anti - Gravity Love Song)" se me ha venido a la mente el vocalista de Dream Theater, James Labrie. Hay algo en como canta Brandon Boyd ese tema que recuerda mucho a Labrie. Curioso.
Pero más allá de aquello, lo interesante es notar la capacidad de la banda para hacer temas poco predecibles y con enganche, que inmediatamente llaman la atención. Por ejemplo "Nebula" tiene unos cambios de ritmo y de onda que no se ven todos los días. No me cabe duda que esta es una banda talentosa, y que disfruta experimentando con diversas texturas musicales, desde un funk relajado, pasando por un jazz complejo con algo de blues, hasta llegar a repentinos ataques de violencia sónica. Nada parecido a un death metal corrosivo, pero sí una bulla cautivante y abrasiva. El tema "Deep Inside" es el mejor reflejo de toda aquella diversidad musical.
Al igual que en el tercer disco, Make Yourself, la influencia de Faith No More y Mr. Bungle se hace patente y absolutamente innegable. Lo bueno es que se trata de sólo una influencia, y por muy importante que sea, no logra opacar el sello absolutamente original de Incubus.
Un buen disco de metal noventero.

INCUBUS - Beyond The Unknown

2006-09-22T10:47:00.000-07:00

454.
1990
Estados Unidos
Death Metal, Thrash Metal
****
No hay que confundir esta banda con la del mismo nombre que ejecuta un metal alternativo para nada underground. Este Incubus, lejos mucho menos conocido que la otra banda, cultiva un asesino y bastardo death metal con pinceladas de thrash metal que no tiene nada que envidiarle a ninguna banda famosa del género. Aquí hay de todo, buen sonido, buena producción, velocidad endemoniada, agresividad, violencia, buenos riffs y unos solos de guitarra que a momentos me recordaron a la también desparecida y totalmente desconocida banda alemana Assassin. También se nota una clara influencia de Slayer y Death ¿pero quién que toque death metal no la tiene? Sin duda, un disco bestial y con ese feeling y honestidad que hacen de un álbum algo memorable.
Música a lo bestia para oídos extremos y que del pasado nos pena con su implacable y poco condescendiente estilo.
Incubus se mantendría inactivo durante toda la década de los noventa, volviendo a aparecer recién en el año 2000. Luego cambiaría su nombre a Opprobrium, y editarían Discerning Forces bajo el sello Nuclear Blast. La razón para el cambio de nombre fue, obviamente, para evitar confusiones con los Incubus más famosos.

INCANTATION - Diabolical Conquest

2006-09-22T09:15:00.000-07:00

453.
1998
Estados Unidos
Death Metal, Grindcore
***
Esta es una brutal agrupación que ejecuta un despiadado y corrosivo sonido no apto para las personas que adoran las melodías. Porque lo que menos tiene Incantation en absolutamente todos sus discos es melodía. Tampoco hay un ápice de inclinación mainstream ni nada aquí que tenga la más mínima esperanza de ser del gusto masivo. Pero eso no importa porque lo que menos pretende Incantation, que no debe ser confudida con la banda de música étnica del mismo nombre, es ser del gusto masivo. Y vaya que cumple bien su misión la agrupación liderada por el guitarrista John McEntee, único miembro estable desde su fundación en 1989.
No es fácil elegir canciones por sobre las demás, siendo cada una de ellas de un extremismo musical francamente admirable. Y aunque Incantation no desencadena su misantrópica batalla yendo a mil kilómetros por hora todo el tiempo, las veces que baja las revoluciones no ocurre tal con el machaque que una y otra vez aniquila. Y por supuesto, las voces son de un tono gutural casi imposible, lo que hace el agarrar las letras al vuelo una tarea virtualmente imposible. A pesar de todo esto que a buenas y primeras da la impresión sea el camino más corto para no llegar a ninguna parte, Incantation ha logrado una base de fans por todo el mundo que aman el enfoque brutal y sin conseciones de la banda, logrando llegar a ser una banda death metal de culto y reverenciada.

Finalmente, les advierto que el último tema "Unto Infinite Twilight/Majesty of Infernal Damnation" dura 16 extenuantes minutos, y debe ser una de las canciones de este tipo de música más largas de la historia. Es una verdadera tortura escucharla en su totalidad. En realidad, les advierto de nuevo, que lo más probable es que nada de este disco les guste, y bueno, ¿quién podría culparlos? a menos, por supuesto, que sean fans del mas brutal death metal vieja escuela.

IN FLAMES - The Tokyo Showdown (Live in Japan 2000)

2006-09-22T06:36:00.000-07:00

452.
2001
Suecia
Death Metal Sueco, Death Metal Melódico, Heavy Metal
****
Tal como puede desprenderse del título del álbum, esto fue grabado en Tokio, Japón. Y fue para la gira del disco Clayman.
El disco tiene quince canciones y repasa buena parte de lo mejor de la banda, concentrándose obviamente en el disco Clayman. La selección está muy buena aunque personalmente hubiese gustado de más temas de The Jester Race ya que solo interpretan un corte, el excelente "Moonshield". Otros grandes temas son "Embody the Invisible", "Bullet Ride", "Pinball Map", "Only for the Weak" y el tema homónimo del disco Clayman. Por el lado del sonido, no hay nada que discutir. Excelente por donde se le mire, aunque quizás esté demasiado bien grabado. Yo creo que hubo un arduo trabajo de post producción para hacer que la banda sonara tal como en estudio. Pero si obviamos los truquillos efectuados para hacer que esta placa sonara como los mil demonios sin duda disfrutaremos de la entrega y nos percataremos del porqué de la posición de privilegio de In Flames dentro del circuito metalero mundial tanto underground como mainstream.

IN FLAMES - Clayman

2006-09-22T06:18:00.000-07:00

451.
2000
Suecia
Death Metal Sueco, Heavy Metal
****
In Flames sigue cosechando éxitos con Clayman, un quinto álbum de estudio que viene con todos los elementos que se esperan de la banda, como son la agresión bien dirigida, la velocidad no inverosímil, los pasajes melódicos, la fuerza interpretativa y ese groove u onda que hace de la escucha de Flames una agradable y entretenida experiencia. Y esto es curioso, ya que la palabra "entretención" no suele estar en el vocabulario de bandas death metal, pero claro, Clayman ya muestra cuan lejos está del death metal inicial existente en el primer disco Lunar Strain inclinándose la balanza hacia el espectro del heavy metal tradicional o clásico tanto en estructura como en sonido general. Lo único más o menos enajenante que va quedando es la voz siempre poderosa de Anders Fridén, pero incluso así Clayman está muy lejos de ser considerado inaccesible incluso por los oídos poperos más ortodoxos. No cabe la menor duda que este trabajo marca el verdadero quiebre entre el sonido antiguo y el nuevo.

IN FLAMES - Colony

2006-09-22T05:55:00.000-07:00

450.
1999
Suecia
Death Metal Sueco, Death Metal Melódico
***1/2
Junto con The Jester Race y Whoracle, Colony; cuarto disco de estudio, hace la tripleta imprescindible de los suecos, covirtiéndose en el último de los discos aún claramente imbuidos en la escena underground. Colony marca el fin de una época y el comienzo del periodo más exitoso en términos de popularidad y fama, empero, alienando parte de su base de fans antigua al mismo tiempo que atrayendo un mayor y más amplio espectro de fans nuevos. A la vez, Colony presenta una formación que se mantendría estable en los próximos álbumes, con Anders Fridén en voces, Jesper Strömblad y Björn Gelotte en guitarras, Peter Iwers en bajo y Daniel Svensson en batería.

IN FLAMES - Whoracle

2006-09-22T05:46:00.000-07:00

449.
1997
Suecia
Death Metal Sueco, Death Metal Melódico
***1/2
Sin importar lo que hayan avanzado en dirección musical, ejecución y popularidad dentro del circuito metalero mundial, In Flames nunca ha vuelto a sacar un disco tan genial como fue The Jester Race, trabajo anterior a este un tanto decepcionante Whoracle. He escuchado este álbum muchas veces, pero no logra covencerme. No es un mal álbum, tiene toda la onda particular de la banda, pero le falta "ese algo" que tenía The Jester Race. Quizás sea sólo mi opinión, así que invito al resto del mundo (que le interese esta música) cuestionarse sobre si In Flames agotó o no su llama creativa en un solo álbum. A mi parecer no se trata de un problema técnico, ni de falta de inspiración, ni siquiera de pérdida de dirección. No, simplemente no hay mejor álbum de In Flames que el ya mencionado Jester. Sea como sea, Whoracle de todas maneras tiene interesantes y muy buenas canciones, como el instrumental "Dialogue With The Stars" y "The Hive", dos cortes que inevitablemente me traen a la memoria el disco anterior.
Nota aparte merece "Everything Counts", original de los ingleses Depeche Mode, cuya versión metalera no escapa mucho de cómo es el tema original. Un buen aporte y una clara demostración de algo que a muchos metaleros les cuesta reconocer; que Depeche Mode ha influenciado en el mundo del metal. Otro corte interesante es "Morphing Into Primal", corte de gran poder y agresión que está a la altura de la vara tan alta que dejó la banda con su anterior placa. Independientemente de todo lo dicho Whoracle sigue siendo todo un clásico del underground.

IN FLAMES - The Jester Race

2006-09-22T05:22:00.000-07:00

448.
1995
Suecia
Death Metal Sueco, Death Metal Melódico
*****
Segundo disco de estudio de In Flames y lejos el mejor álbum que haya compuesto según la opinión de muchos metaleros que no quedaron muy convencidos con la evolución musical que viviría la banda desde el disco Clayman en adelante, evolución que la haría mundialmente famosa y para siempre alejada del underground que la vio nacer. Personalmente considero que Jester es la obra maestra, sin lugar a dudas, y lo considero un trabajo superior a los que vendrían después, que aun con mayor producción y un sonido más limpio, no logran superar la magia de este álbum, que simplemente no tiene parangón. Realmente un excelente álbum, con canciones poderosas, un sonido fuerte y avasallador, mucha melodía y espectaculares pasajes llenos de furia y agresión sónica. Visceral, pero ordenado, radical, pero melódico. Definitivamente estamos dentro del terreno de la técnica y la maestría en composición gracias, sin duda, al aporte más que fundamental de su líder, el guitarrista y fundador Jesper Strömblad. Sin disonancias ni nada que esté fuera de lugar, la escucha se hace realmente agradable, claro, siempre y cuando a uno le guste el metal y pueda entendar las diferencias que hay entre este sonido y algo como Brutal Truth, por dar un burdo ejemplo. De todas maneras, este material resultará corrosivo para la mayoría no metalera, pero que le vamos a hacer.
Volviendo al disco, todos los temas son excelentes, destacando "Moonshield", "Lord Hypnos", "Dead God in Me", y la majestuosa "Dead Eternity". Hace su debut en voces Anders Fridén, procedente de Dark Tranquillity. Sin temor a exagerar, Jester es el más imprescindible de los álbumes de In Flames. Quién aún no haya escuchado esto sugiero conseguirlo a la brevedad.

IN FLAMES - Subterranean

2006-09-21T05:21:00.000-07:00

447.
1994
Suecia
Death Metal Sueco, Death Metal Melódico
***1/2
Subterranean es un Mini Cd que muestra desde ya las características tan propias de esta excelente banda: melodía, rapidez y agresión, mezcladas de forma magistral y convincente.
Más melódico y más fácil de digerir que el death metal tradicional de Estados Unidos, pero igual de potente y devastador, el death metal sueco, liderado por bandas como Entombed, Dismember, Dark Tranquillity, At the Gates y Dissection entre otros (y por supuesto In Flames), ha dejado su huella y su influencia en la música metalera de los años noventa y Subterraean es un ejemplo muy representativo de la nueva rama de metal europeo claramente diferenciada de su contraparte americana. Subterranean, de apenas cinco cortes, destaca por su gran originalidad y dejó más que claro en el año en que salió que la banda estaba destinada a la grandeza, como al final ocurrió tras convertirse en una de las bandas metaleras más exitosas del mundo. Un dato curioso es que en las voces canta por esta única vez Henke Forss, en reemplazo de Mikael Stanne quien había participado en el primer disco Lunar Strain. Stanne luego se convertiría en longevo miembro de Dark Tranquillity, ¡a la vez que Anders Fridén, vocalista en el primer disco de Dark Tranquillity "Skydancer" pasaría a In Flames para convertirse desde el segundo disco de studio "The Jester Race" en vocalista permanente!

IMPENDING DOOM - Signum of Hate

2006-09-21T05:09:00.000-07:00

446.
1998
Alemania
Death Metal, Thrash Metal
****
Impending Doom es una agrupación del metal underground alemán que empezó a meter bulla en 1993. Su especialidad es una suerte de híbrido death/thrash metal de gran agresividad y potencia, y que además posee cierto groove que los hace medianamente accesibles al oído común.
Signum of Hate es el segundo álbum larga duración y resulta ser una placa que ofrece mucho más de lo que uno podría esperar en primera instancia.
Comienza como cualquier otro álbum del estilo, pero inmediatamente revela que se trata de algo distinto, mostrando sonoridades que demuestran el sinfín de influencias que pareciera tener la banda. Quizás la más notoria, la del grupo sueco Dark Tranquillity. Definitivamente no se trata de otro álbum más de insulso death metal que suena a lo mismo de siempre.
A pesar de aquello, la propuesta de los alemanes no destaca por su originalidad, pero aun así logra convencer. Hay en el disco detalles pequeños, pero importantes, que hacen sonar interesante al grupo. Por ejemplo, a momentos suenan extremadamente brutales, luego bajan un poco las revoluciones y suenan más rockanroleros. Por otro lado está el sabio manejo de la voz, bastante matizada, sonando de variadas formas y tonos, desde gutural a chillón, pasando por suave.
La música sigue un patrón rítmico bastante melódico y ordenado, haciendo de la escucha un agradable trámite, y manteniendo la brutalidad a raya.
Definitivamente suenan menos pesados y extremos de lo que un nombre como “Impending Doom”, o “Perdición Inminente” en catellano, hace venir a la mente.

IMPALED NAZARENE - Nihil

2006-09-21T04:53:00.000-07:00

445.
2000
Finlandia
Black Metal
**
Impaled Nazarene son de ese tipo de bandas que se aman o se odian incondicionalmente. Casi infantilmente vulgares y ofensivos para la mayoría de las personas, no se sabe cuan en serio hay que tomarse el discurso hiper satánico e hiper malvado de los fineses y su ¿admirable? ímpetu por elevar la cota de supuesta maldad hasta lo impensado. ¡Ah, pero si ya Venom hizo todo eso a comienzos de los ochenta! En fin.

El sonido de Nihil es muy similar al de otros grupos, así que de original no tiene nada. La introducción al disco, que no es más que un montón de bulla cacofónica que dura demasiado rato, ya logra causar desagrado. El resto del disco no es más que un constante machaque a los sentidos. Directo al grano y sin compasión, la entrega de blasfemo metal es incesante. Poca melodía, esquemas simplones y solos de guitarra que recuerdan a Venom, son la tónica de un álbum que tiende a aburrir al pasar los minutos.
Material no imprescindible, la música de Impaled no es placer de masas, ni siquiera de muchos metaleros. Una trituradora de piedras podría sonar parecido a esto, que es de una brutalidad bastante extrema. Me recuerda un poco a Emperor, aunque estos últimos están años luz de esta banda en cuanto a técnica. Brutal y primitivo black metal de las gélidas tierras escandinavas.

IMMORTAL - Sons of Northern Darkness

2006-09-21T04:41:00.000-07:00

444.
2002
Noruega
Black Metal
***
Nuevamente producidos por Peter Tägtgren en los estudios Abyss, y siguiendo basicamente la misma fórmula musical ocupada en el disco anterior, Immortal nos presenta un álbum que desde el primer riff suena y se siente a Immortal. Gran mérito del trío por haber logrado establecer un sonido propio, casi inconfundible, y de paso convertirse en una de las bandas más famosas dentro del infame black metal nórdico. Pero más allá del innegable talento del trío y del aplastante sonido que han logrado plasmar en sus últimos discos, en parte gracias a su asociación con Tägtgren, esta placa no nos plantea absolutamente nada nuevo, siendo más que nada una continuación predecible a Damned in Black, el disco anterior.
Limitándose también a un esquema de sólo una guitarra, una batería y un bajo, es entendible que la propuesta esté, valga la redundancia, muy limitada y que adolezca de falta de matices. Esto a la larga hace del disco una experiencia un tanto monótona, con canciones unidimensionales, de gran potencia y calidad -de eso no hay duda-, pero al fin y al cabo, aburridas. Mejor Damned in Black, aunque esto es discutible.

IMMORTAL - Damned in Black

2006-09-21T04:32:00.000-07:00

443.
2000
Noruega
Black Metal
****
Con un sonido mucho más acabado y mejor producido que en sus álbumes anteriores, debido en gran parte seguramente al trabajo de Peter Tägtgren (Hypocrisy) como productor, esta gélida banda de black metal sin alma nos destroza los tímpanos con siete punzantes y bulliciosas canciones, excelentemente ejecutadas, aunque simples y directas en esencia.
Este álbum suena tan aplastante como una tonelada de ladrillos. Bestial, con muy buenas ideas, entretenido, dinámico. Es un álbum lleno de fuerza que no para en ningún momento. Música fría, radical y anti comercial a más no poder. Será el manjar de los amantes de la brutalidad y la bulla extrema.
Este álbum es una verdadera catársis. Difícilmente deja a alguien indiferente con su demoledor sonido cuya misión pareciera fuese la de exterminar la raza humana de este planeta. Memorable.

IMMORTAL - At the Heart of Winter

2006-09-21T04:23:00.000-07:00

442.
1999
Noruega
Black Metal
***
Siguiendo un esquema musical simple, concentrándose por sobre todo en los riffs, y ejecutando temas intensos, fríos y punzantes, Immortal nos muestra su visión de la música, tan inspirada en los fríos inviernos de Noruega. Aunque Immortal es una banda brutal, da pequeños descansos en algunos cortes gracias al uso de la guitarra con sonido acústico. Aquello funciona como una suave brisa de aire fresco entre medio de la tormenta sónica que es este álbum.
Musicalmente aquí no hay nada fuera de serie, pero es destacable que Immortal logra imprimir un sello auténtico en su música que los hace resaltar frente a otros exponentes. Este sello se haría más patente aún en las posteriores entregas de la banda. Además, el disco, quinto en la discografía, es el primero de los álbumes no absolutamente inexpugnables, siendo, dentro del estilo, ligeramente más entendible que los tres primeros.